RadioJoshua - Disco de la Semana - Artaud de Pescado Rabioso/Luis Alberto Spinetta

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... El disco más importante del Rock Argentino en voz de uno de los artistas menos valorados, un enorme músico que dedicó toda su vida a explorar sus propios horizontes y límites musicales y personales, El Flaco siempre fue un músico elegante, virtuoso en su ejecución, un letrista destacado y partícipe de todas las etapas del Rock Argentino, desde Almendra, pasando por Invisible, Spinetta Jade, una carrera llena de momentos gloriosos que tienen como punto más alto este trabajo que enmarca un momento clave de su vida artística y personal

Pescado Rabioso/Luis Alberto Spinetta - Artaúd

Para ese artista atormentado, a ti que escribes y tu obra conmueve, tu obra será inmortal y para la posteridad de unos cuantos que verán con sus ojos tu propio mundo ... Para ti Flaco

El puerto de Marsella en Francia es el sitio neurálgico de la segunda ciudad más poblada de Francia, su escudo de armas ostenta su descripción heráldica orgullosamente, en el campo de argén o plata, la cruz del sur, el blasón Marsellés es conocido en todo el mundo e identifica a un puerto que ha sabido mantenerse activo a lo largo de casi 1500 años desde que un grupo de marinos focenses estableciera un centro vinícola en esa región del sur de Francia, Marsella es famosa por su puerto, pero lo es más por el accidente histórico de que en 1792, un capitán de Ingenieros llamado Rouget de Lisle asistió a una reunión con el alcalde de Estrasburgo, en el marco de la guerra Franco Austríaca, la petición de que se escribiera un himno patriótico inspiró a Lisle a componer el Canto para la Guerra del Ejército del Rin, sin embargo no se usó hasta que las tropas del ejército de Los Obligados entraron triunfantes en París entonando ese himno por los Campos Elíseos, al haberse escrito en Marsella los parisinos le denominaron La Marsellesa, se convirtió desde entonces en un cántico de orgullo (y según algunos el cántico patriótico más bello del mundo, que incluso Napoleón Bonaparte dijo acerca de el que habría de ahorrarles muchos cañones), casi 100 años después en ese mismo lugar nacería una de la figuras poéticas más importantes y reconocidas del mundo del arte escrito, Marsella vería nacer en una tarde de septiembre de 1896 a Antonin Artaud, polifacético personaje de las letras que entre sus múltiples dotes fue actor y dramaturgo, para Antonin los sueños eran la realidad, esos sueños se convertían en designios absolutos en un mundo donde lo real muchas veces se enfrentaba a lo imaginario, fue un artista que podríamos citar se encontraba en medio del dedaismo y el surrealismo y sin embargo es considerado más por su trabajo en el teatro, creo una forma de ejercer el arte escénico con su famoso Teatro de la Crueldad, Artaud siempre tuvo una vida difícil por lo que tenía mal carácter y padecía de nerviosismo e irritabilidad extremas, siendo niño padeció de meningitis y tenía visos de paranoia, padecía de neuro sífilis y frecuentaba los hospitales psiquiátricos y padecía de dolores musculares intensos que lo obligaban a ingerir grandes cantidades de fármacos, bajo ese contexto de sufrimiento crónico, Artaud adquiere un aire devoto intenso y a la vez frágil, conoce a André Bretón y queda para siempre marcado por el Manifiesto Surrealista, ya instalado en Paris sufre varios colapsos nerviosos y a la vez estrena en un año cuarto montajes teatrales que son un fracaso rotundo y tras esa caída y en la depresión que le siguieron, escribe la obra que habrá de sustentar las bases del Teatro de la Crueldad, su libro llamado El Teatro y su Doble, la idea de Artaud es dejar marcado al espectador por medio de situaciones inesperadas para llegar a las fibras más sensibles, Artaud logra construir su sello personal en el género, es seguido y admirado por algunos y escribe dos de sus más grandes obras literarias, el arte y la vida quedan retratadas en El Ombligo de Los Limbos y la forma tan increíble de narrar los motivos de un suicida en Van Gogh, El Suicidado de la Sociedad, Artaud vive la vida de forma intensa, escribe por varios años más, diagnostica que vive en una sociedad enferma  por lo que propone su curación por medio de las bases del dadaísmo que alguna vez practica, pero se sitúa mucho más surrealista, más ajeno de lo que vive día a día, para Artaud la vida esta basada en los pensamientos fuera de este mundo, la realidad es sólo un acuerdo entre lo que percibimos y lo que dejamos ser, su vida transcurre entre internamientos y terapia de electrochoques, además del dolor que siempre lo acompañó, escribió un libro que es el centro de este ensayo, en 1934 redacta Heliogábalo, o El Anarquista Coronado (un escrito controversial sobre un emperador romano) esa obra llegó a las manos de un niño que había nacido en Buenos Aires en 1950, uno de esos genios que ya estaba marcado por el destino, sus tíos eran empleados de la multinacional disquera Columbia Récords por lo que desde su tierna infancia ya tenía acceso a la música, un privilegio costoso en esa época,  le tocó vivir en su infancia, el Boom del Folklor Argentino y sin embargo el prefería entrar a escuchar los viejos vinilos de Bill Halley, eran finales de los cincuentas en la República Argentina, eran buenos tiempos, ese niño quien en vida recibió el nombre de Luís Alberto Spinetta habría de ser uno de los personajes centrales del Rock Argentino, habría de formar parte de tantos grupos que dieron vida y sentido a esa forma de escribir el Rock, su primer guitarra se la había regalado un ex defensa central del Club River Plate, el famoso Jose Gomezza y su primer maestro de guitarra había llegado por consejo de su padre quien era un cantante aficionado, después como sucede con los grandes genios se volvió autodidacta, ese niño que había crecido imitando a Louis Armstrong y a Little Richard  ya componía canciones desde los 11 años, a los 14 vivió la beatlemanía, compró el disco Beatles For Sale y su vida adquirió sentido, era el año de 1965 y Spinetta ya había compuesto un tema para la posteridad, a sus escasos quince años ya se estaba convirtiendo en leyenda, compuso plegaria para un Niño Dormido, tema clásico del Rock Argentino, El Flaco, como siempre le apodaron, no sólo es el espíritu de una generación de músicos que innovaron en una etapa en la que el Rock no se hacía de manera tan habitual, también fue un ídolo y una figura venerada desde sus comienzos, a los 16 ya estaba enlistado en 3 grupos, los Larkins, los Sbirros y Bundlemen con quienes estaría años después formando el grupo Almendra, tan peculiar era su forma de componer que lo mismo improvisaba folk que interpretaba una rumba o una samba, sabía jazz y blues y su sonido era elegante y a la vez virtuoso, cuando la vida concede a los hombres el don del talento algunos saben como aprovecharlo y el Flaco fue uno de ellos, a los 17 años Almendra ya estaba considerado el grupo de moda del Rock Argentino, eran la vanguardia, escuchaban lo mismo The Beatles que al entrañable Waldo de los Ríos, interpretaban piezas que eran complejas y exigían cierto nivel del público para entenderlas, en una época en que todo era una copia adaptada al idioma, Almendra fue un oasis en un desierto sonoro del que sólo sobrevivieron ellos y Los Gatos, ese año de 1967 le tocó ver como La Balsa se convertía en un éxito y después le tocó estar cerca de la época de las grandes revoluciones sociales en 1968, fue una época donde ser joven era un pecado en latinoamerica, se enlistó en la abrigadas anti dictadura, fue miembro activo de varios frentes de izquierda, escribió grandes temas con amplio sentido social, a los 20 escribe el primer disco de larga duración de Almendra y adquiere nuevamente el estatus de súper estrella, la portada enigmática de ese disco fue dibujada por el, luego vino una época obscura para el rock, al entrar a la década de los 70's y con la dictadura militar establecida fue difícil seguir haciendo música, fue una época donde las drogas y los vicios llegaron a su vida de forma vertiginosa, regala su guitarra a Pappo y viaja por 8 meses en una especie de retiro espiritual por toda Europa, al regresar forma con otros 3 grandes, David Lebón, Black Amaya y Oswaldo Frascino el grupo Pescado Rabioso, una banda legendaria con la que su imagen de súper estrella y su talento combinado lo vuelven a encumbrar en un país convulsionado por el gobierno de facto,  buscaron un sonido agresivo  y sin embargo sus bases jazzísticas no se lo permitieron, mezclaron acertadamente la psicodélica de la época con las raíces del folk y blues por todos lados, el grupo se separa y Spinetta se quedó con el nombre, David Lebón inspirado y conmovido por la forma en que todo termina le escribe 'Tema para Luis' donde una frase concluye todo lo que Spinetta representó en esa etapa de su vida 'este es el fin de una explicación de amor' Spinetta fue precursor de tantas cosas en el Rock Argentino y fue una de esas figuras enigmáticas y rodeadas por un halo de devoción y fervor por su música, le siguieron otras tantas bandas, Spinetta Jade e Invisible, pero nada fué como antes, el reconocimiento a un artista que estuvo presente en todas las etapas del rock argentino, que se reinventó y que poseía ese carisma que hace que puedan integrarlo en muchos proyectos, de carácter afable,  que componía  verdaderas joyas musicales, exploró una carrera solista a la vez que estaba metido en varios otros proyectos fue querido y respetado por lo que los más grandes, Charly García, Fito Paéz, entre otros tantos le rindieron homenaje y pleitesía en el año 2009 en el estadio del Vélez Sársfield en un momento cumbre del Rock, un concierto que fue llamado Spinetta y las Bandas Eternas, imaginando, como un cuadro pintado por el destino, se suben al escenario David Lebón enfundado en su guitarra, con esos lentes obscuros característicos y su bufanda blanca atada al cuello, David Cuitaia se sienta en el banco de la batería y el maestro Black Amaya toma con su particular estilo el bajo, el público guarda silencio, las luces se apagan y sólo están dos reflectores, uno sobre Spinetta quien empieza a interpretar los primeros acordes de Hola Dulce Viento y el otro sobre David Lebón quien es el que llevará la voz en la canción, el teatro de la crueldad dicta que la mejor forma de tener al público al pendiente de la obra es llevarlos al filo de las emociones, con una interpretación fantástica y ese riff que es a la vez nostálgico y evocador el Flaco interpreta ese himno del Rock, Lebón reza sobre el micrófono 'hola dulce viento, veo claramente en ti, eres como una amiga que se va' el público esta extasiado y la mayoría llora, es el momento de un delirio sentimental colectivo que no ha tenido igual en ningún otro instante del Rock Argentino, más de cincuenta mil personas lloran por la forma en que estos cuatro grandes se han reencontrado y han interpretado uno de sus tantos temas famosos, Artaud tenía razón, lo que más nos impacta es la forma en que se presenta la obra ante nuestros ojos, la vida se ve retratada como una magnificación de las emociones que recrean la percepción de la experiencia, nuestro teatro de la crueldad a veces no lo es tanto, es más bien un teatro de los sentimientos, Spinetta está en lo más alto del cielo del Rock Argentino, creó una obra solista llamada Artaud que rinde homenaje a un personaje atormentado, se inspiró en su vida para que él solo y su guitarra realizaran el mejor disco de la historia del rock Argentino, el teatro no ha cambiado, esta presente cuando miramos al cielo todo lo que amamos.

Pero antes que nada te quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. 

- Luis Alberto Spinetta sobre Artaud -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1973

Discográfica - Talent/Microfón

Productor - Jorge Álvarez y Luis Alberto Spinetta

- Recomendable Si Les Gusta -
Almendra II de Almendra, Desatormentándonos de Pescado Rabioso, El Jardín de los Presentes de Invisible, Alma de Diamante de Spinetta Jade, Los Ojos de Spinetta y los Socios del Desierto, Candiles de Aquelarre, Color Humano III de Color Humano, La Grasa de las Capitales de Serú Girán, Saltaba Sobre las Nubes de Juan Carlos Fontana y Peluson of Milk de Luis Alberto Spinetta

     

Título del Disco
El disco esta dedicado a la memoria de Antonin Artaud quien fue uno de los escritores franceses más importantes del siglo XIX y que además es considerado el padre del Teatro moderno.     

Portada del Disco

La portada tiene muchas particularidades, para empezar no es una portada cuadrada, es octagonal con los bordes afilados, esta diseñada sobre un fondo verde y una mancha amarilla en la esquina derecha y un pequeño retraso de Antonin Artaud  en ese mismo lugar, los colores obedecen a la siguiente referencia sobre Artaud ¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte. El verde para la resurreción y el amarillo para la descomposición, la decadencia?


Tracklist


1.    Todas las Hojas Son Del Viento  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Cementerio Club (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Por (Recomendación 4 Estrellas)
4.    Superchería (Recomendación 4 Estrellas)

5.    La Sed Verdadera (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Cantata de Puentes Amarillos (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Bajan (Recomendación 4 Estrellas)

8.    A Starosa, El Idiota (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Las Habladurías del Mundo (Recomendación 4 Estrellas)

Track By Track Momentos Cumbres

- Una oda folk propositiva abre el disco con la canción emblemática de una época donde Luís Alberto Spinetta era el poeta de una nación, él junto con David Lebón tenían una característica, ser unos letritas consumados, Todas las Hojas Son del Viento es una canción llena de matices y arreglos folk que nos recuerda los primeros años de Bob Dylan o a Johnny Cash y un sentido poético estilo Victor Parra, la letra de la canción es sencilla, casi minimalista y roza momentos cumbre cuando en su estribillo dice una frase que fué mencionada en la canción Aún Sigo Cantando de los Enanitos Verdes, Todas las hojas son del viendo, ya que él las mueve hasta la muerte, dos voces superpuestas de Spinetta donde da ese efecto de estar cantando consigo mismo y su guitarra acústica que construyó una melodía impecable, el solo del final también es memorable, la fragilidad de la experiencia humana y de la vida misma está cantada en esta enorme pieza.

- Un clásico llega con el segundo tema, Cementerio Club es un blues de doce barras con un acompañamiento de síncopas en la batería que le da más bien un matiz jazzístico, la letra habla de un hipotético cementerio de músicos muertos, tiene dos frases que son para la posteridad Justo que pensaba en vos, nena, caí muerto y Qué solo y triste voy a estar en este cementerio, qué calor hará sin vos en verano, el punteo de los interludios sirvió de inspiración para el solo de la canción Te Para Tres de la versión Unplugged de Soda Stereo muchos años más tarde, es una canción muy al estilo de Almendra, grupo seminal del rock argentino que lo integraron Emilio del Guercio, Luis Alberto Spinetta, Rodolfo García y Edelmiro Molinari quienes marcaron una época con ese grupo y que tenía siempre esa influencia del jazz clásico, Cementerio Club es de esas canciones que encantan por el simple hecho de que al ser construidas sobre una base de blues la improvisación es clave para el desarrollo de la misma, Spinetta nos demuestra su dominio sobre ambos géneros, un músico superdotado.

- Por es una canción muy corta, es un arreglo de guitarra que recita un verso extremadamente alegórico, una letra inspirada en la alegoría surrealista del Cadaver Exquisito del que Artaud también hacía referencia, es una composición en secuencia como lo hacía en la poesía Federico García Lorca o Pablo Neruda, una idea que va agregando elementos nuevos con cada frase o verso y así sucesivamente, Por es una canción que habla sobre la relación de Spinetta y Patricia Salazar con quien estaba unido en ese momento de su vida y con la que procrearía 4 hijos, adapta las palabras que va narrando sin una lógica establecida, por ejemplo la palabra gesticulación llega ahí porque sigue la métrica únicamente, es una de esas composiciones que nos hacen pensar el gran nivel artístico que tenía encima Spinetta, un poeta auténtico que emplea las palabras por su duración y para que encajen en los compases, que entren por la forma en que se articulan los versos, algo arriesgado para la época, pero es otra genialidad que encontramos en Artaud.

- Superchería es un tema que está integrado por tres temas a la vez, un vals inicial, un intermedio de rock y un jazz swing en los interludios, la palabra Superstición se repite una y otra vez con algunos monosílabos mezclados, sin embargo no es un tema a descartarse, al contrario, la forma en que se integran las tres partes es a destacar, en esta pieza Spinetta se hace acompañar de Rodolfo García en la batería y de Emilio del Guercio en el bajo, es un tema que semeja mucho a la canción Figuración de su etapa con Almendra.

- Las luces que saltan a lo lejos, no esperan que vayas a apagarlas jamás es lo que Spinetta dedica a su público en su enorme tema La Sed Verdadera, es solo Spinetta con sus guitarras acústicas y eléctricas en una especie de diálogo con aquellos que esperaban encontrar la salida de sus problemas con sus temas y que lo habían elevado el estatus de ídolo, esa especia de conversación personal al estilo de Rayuela de Julio Cortázar, abre tu mente al mundo y las guitarras con sonidos grabados de fondo, un tema impresionante.

- Una suite de 9 minutos, el auténtico punto neurálgico del disco es Cantata de Puentes Amarillos, surrealista, lleno de virtuosismo, inspirado en el libro de Heliogábalo de Antonin Artaud y en lo forma en que pintaba Van Gogh, Spinetta expresó su solidaridad con todos los marginados del mundo, es una canción impresionante, a lo largo del tiempo que dura va transcurriendo por tantos pasajes que es admirable la forma en que se construyó sobre una base acústica el resto de los arreglos, toda la letra es simbólica en todos los aspectos, la sangre es en referencia a la oreja cortada de Van Gogh y a la forma en que asesinaron a Heliogábalo, los puentes amarillos son una forma de mencionar la pintura de Van Gogh, la forma en que enlaza los acordes es por si misma increíble, cambia de forma, transmuta es todo menos pop, es una canción que nos obliga a pensar, que nos exige cierto nivel de conocimiento previo, emparentada en su construcción con Crisálida de Pescado Rabioso 2, A Day in The Life de The Beatles, tiene tantas frases tan surrealistas que es imposible separar la canción en partes, es mejor escucharla poco a poco y adentrarse en los instantes llenos de virtuosismo que encierra, 'nunca la abandones, puentes amarillos', Spinetta en pleno, Spinetta exorcizando sus demonios, llevándonos a pasajes oníricos de la mano de su guitarra, la realidad política de su país en los 70's y todo el armamento de recursos musicales que poseía, Cantata de Puentes Amarillos es sin duda una de las mejores canciones del Rock Argentino de todos los tiempos.

- Bajan es la canción mas comercial del disco y sin embargo no deja de ser una canción cuya construcción melódica es impecable, una forma de denominar a la vida transcurriendo con prisa, a veces sin detenernos a pensar en nada, un tema de rock que grabó con su hermano Gustavo Spinetta y su entrañable amigo ex Almendra, Emilio del Guercio, un tema hasta cierto punto hippie, el solo de guitarra del final es festivo, se nota la influencia de Billy Halley en la forma que construyó el solo.

- A Starosta, El Idiota, es una canción enigmática, Starosta eran una figuritas con las que Spinetta jugaba siendo niño, el Idiota hace referencia a como le apodaban a Antonin Artaud, al que Claudio Roy le llamó El Idiota Sagrado, es una canción armada en 4 partes, la primera supuestamente interpretada por Spinetta al piano aunque no aparece en los créditos del disco, la segunda parte una especie de Revolución 9 de The Beatles donde se aprecia inclusivo She Loves You y el llanto de una mujer, la siguiente parte es Spinetta con su guitarra acústica en un patrón melódico diferente, otros acordes y otro ritmo, es una canción que acaso sería la única o la más floja del disco, aún así es un extraordinario tema.

- Un tema impecable cierra esta obra de arte, Las Habladurías del Mundo es un tema latinizado por la influencia que había ejercido Carlos Santana en una etapa de la vida musical de Luis Alberto Spinetta, utiliza recursos como la imitación de la voz con la guitarra, que usaba muy comúnmente George Harrison, es un tema que engloba una obra llena de momentos destacables, es un disco que tiene como principal virtud ir en contra de todo y no aportar éxitos, sino una obra total.