RadioJoshua - Disco de la Semana - Serú Girán de Serú GIrán

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... El talento unido de los mejores músicos de la primera época dorada del Rock Argentino se fusionó para un grupo de leyenda, el talento e inventiva que cada uno tenía, aunado a la ambición de trascendencia hicieron de este proyecto uno de los puntos artísticos más altos al que haya llegado el Rock en Latinoamérica, cuatro mentes brillantes, cuatro personalidades diametralmente opuestas plagados de genialidad, inventiva y una formación artística sólida crearon una de las joyas de la música Argentina, un legado del Rock para la posteridad

Serú Girán - Serú Girán

Para ti que sueñas con una realidad más allá de la percepción, para ti que en tus sueños encierras los designios de tu propio infinito, para ti que no duermes, para ti mis sollozos de vida eterna por tus desvelos ...

La escena es clásica, Alicia se encuentra sentada bajo un árbol junto a su hermana que leía un libro sin ilustraciones o dialogos, de repente un Conejo Blanco se aparece ante sus ojos, muestra su reloj y señala la premura de quien sabe que va a tarde hacia su destino, ambos bajan por el túnel de la madriguera y caen lentamente y sin hacerse daño hasta el fondo del pozo, ahí se encuentra una botella con el mensaje 'bébeme' y comienza una aventura sin igual en la literatura universal y que ha sido extraída de un mundo de fantasía hasta cobrar vida propia con sus personajes, Alicia en el País de las Maravillas es el libro más famoso de un escritor y matemático británico llamado en vida Charles Lutwidge Dodgson, sin embargo su pseudónimo es más famoso, todos lo conocen por Lewis Carroll, ese hombre que siendo niño sintió curiosidad por la iglesia Anglicana porque su padre fue diácono de la Iglesia de Ripon en el  extremo norte de Yorkshire en la campiña Inglesa, un paisaje frío y en extremo lluvioso, es la región con mayor numero de monasterios y abadías de todo el Reino Unido, por lo que aquí el clero anglicano tiene un poder inmenso, al joven Carroll no le costó trabajo escribir una obra de esas proporciones, siendo niño fue instruido bajo la estricta conducta de su padre, poseía una precocidad intelectual notable, a los 3 años aprendió a leer y a los 7 años leyó un libro que marcaría su vida por siempre, llegó a sus manos casi por azares del destino el libro de John Bunyan, el Progreso del Peregrino, una obra clásica que en manos de un niño genio no sería otra cosa mas que el detonante de su creatividad intelectual, ese libro (que es una Novela Alegórica sobre el bien y el mal) hizo que el pequeño Carroll comenzara a imaginar mundos distintos, más allá de los paisajes nublados y de las calles llenas de neblina donde crecía, sin embargo su conducta habrá de ser marcada desde temprana edad, a Carroll se le obligo a ser diestro, pese a que su tendencia de ser zurdo fue evidente desde sus primeros años, sufría de tartamudeo y tenía una personalidad introspectiva, desarrolló su talento intelectual y fue un notable fotógrafo y matemático, en 1865 publicó su libro más famoso y alcanzó la gloria de las letras a muy temprana edad, sin embargo desde los 12 años comenzó a experimentar una sensación extraña al escuchar a las personas, se dio cuenta poco a poco que estaba perdiendo el oído, fue una sensación progresiva que lo llevó a padecer sordera al final de la vida, esa situación lo alejó del mundo de los sonidos y en una extraña paradoja del destino, aquel escritor que dibujó un mundo muy alejado de la realidad que vivía a la sombra de las aventuras de una niña y un conejo, habría de ser la inspiración para un tema que más de cien años después habrían de componer cuatro músicos virtuosos en Argentina, varias son las historias que encierran los súper grupos como se les denomina esas bandas que se forman (muchas veces por simple empatía) de los integrantes ya consagrados y famosos de bandas distintas y que juntan sus talentos en proyectos alternos, mucho más complejos musicalmente hablando que sus bandas originales,nos situamos entonces en el verano de 1966 cuando surge en Londres el primer súper grupo, en ese año la mente brillante y creativa del grandioso bajista Jack Bruce deja su grupo The Graham Bond Organisation, se lleva al mítico baterista Ginger Baker y reclutan al gran Eric Clapton procedente de The Yardbirds, surge entonces el grupo Cream que por cuatro discos elabora un híbrido entre el blues, el rock con una altísima carga de psicodelia, solo dos años de actividad bastaron para que se siguiera su ejemplo, un año después en las entrañas del delta del Mississippi coinciden cuatro de los mejores blueseros de la historia en un grupo al que llamaron acertadamente The Super Super Blues Band, estaban conformados nada mas y nada menos que por Bo Didley, Muddy Waters, Howling Wolf y Little Walter, algunas presentaciones memorables y solo un disco de testimonio dejaron como legado para el mundo de la música, en 1968 el mundo del folk conmociona al juntarse otra súper banda, David Crosby guitarrista fundador y voz de The Byrds se junta con el enorme guitarrista de folk Stephen Stills que formó con Neil Young la legendaria banda Buffalo Springfield y unen talento con Graham Nash de The Hollies para conformar la alineación de Crosby, Stills, Nash and Young, grupo que junta el talento de 4 grandes guitarristas, a finales de ese año y con The Beatles casi desintegrados, John Lennon se junta (en su famoso 'Long Weekend') con Eric Clapton, Mitch Mitchell bajista de Jimmy Hendrix y con Keith Richards en el súper grupo The Dirty Mac, Clapton estuvo presente de nuevo al año siguinete en 1969 en otro súper grupo llamado Blind Faith junto con Steve Winwood de Traffic y Ginger Baker, en los 70's surgieron varios más, Emerson Like and Palmer, Wings (con Paul McCartney), The Weather Report, Journey, Bad Company, en los 80's Bob Dylan se junta con George Harrison, Jeff Lyne, Roy Orbison y Tom Petty y dan vida a The Traveling Wilburys, ya en los 90's surgen algunos más como Temple of The Dog (Soundgarden y Pearl Jam), A Perfect Circle y entrando en este nuevo milenio se formó Audioslave, Velvet Revolver, The Raconteurs, Atoms for The Peace entre otros, unir el talento de esa forma a veces trae como consecuencia muy pobres resultados, sin embargo en otras ocasiones se obtienen verdaderas joyas, quizás sin saberlo, en un día de 1977, Charly García, el genio de música Argentina, un personaje deificado por su cualidad de poseer oído absoluto y por su formación clásica asiste a un recital donde se encuentra el grupo de Pedro Aznar, un joven de escasos 25 años que se argumenta es uno de los mejores bajistas que se hayan visto, después de ver la actuación de Aznar con su grupo Alas, García no dudo un segundo en reclutarlo para su nuevo proyecto, es e que había sido gestado desde un año atrás cuando Charly García coincidió en un estudio de grabación con David Lebón, solo hacia falta que se uniera otro grande, Oscar Moro, un percusionista de jazz adaptado al rock entro a la agrupación ese mismo año con lo que la formación del primer súper grupo de la historia del rock Latinoamericano estaba ya establecida, Charly García había encontrado por fin compañeros de viaje que no solo le colocaban los pies sobre la tierra, eran tres mosqueteros que sabían hacia donde dirigir sus pasos, avanzaron como toda agrupación sobre un camino escarpado y dificil, sin embargo así fué desde la niño la vida de Charly García, esa mente inquieta y genial con atisbos de locura, que desde niño había sido educado bajo la estricta conducta de sus cuidadoras por los constantes viajes a Europa, de quien se cuenta una vez paseó un esqueleto por la calle, de quien se ha narrado historias tan extremas como la ocasión en que, en un arranque de histeria se lanzó desde un séptimo piso a la alberca de un hotel resultando ileso, quien desde niño padeció de estrés que lo condenaron a sufrir vitiligo y su tan peculiar bigote bicolor, las mentes geniales siempre tiene un halo de locura y en Charly García la genialidad le brotó desde la infancia cuando sus profesores de música le hacían aprendiese las obras competas de Chopin mismas que podía ejecutar sin problemas apenas a los 10 años, esa mente genial que estuvo recluido en una clínica de salud mental en Buenos Aires, esa misma genialidad que en algunos episodios de su vida parece abandonar en una extraña coincidencia con el Dr Jeckyll y Mr Hide, uno de los más grandes artistas que ha dado el Rock sin duda alguna, con una peculiaridad notable que es el contar con oído absoluto, es capaz de saber en que nota se sitúa cada sonido que se emite en el universo, por una extraña coincidencia del destino una de sus lecturas favoritas es Alicia en el País de las Maravillas, a Lewis Carroll la vida habría de condenarlo a perder la audición, la vida misma habría de darle a Charly García la capacidad de interpretar todo el mundo sonoro que se tiene al alcance, un camino en reversa para algunos, para otros un camino sinuoso, lleno de obstáculos, quizás es como Carroll escribió en su más célebre obra ... ¿Podrías decirme, por favor, qué camino debo seguir para salir de aquí? Esto depende en gran parte del sitio al que quieras llegar, dijo el Gato. No me importa mucho el sitio, respondió Alicia. Entonces tampoco importa mucho el camino que tomes, le contestó el Gato.

Serú Girán es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.

- Revista Pelo, acerca de Serú Girán -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1978

Discográfica - Sazam Music

Productor - Billy Bond

- Recomendable Si Les Gusta -

Billy Bond de Billy Bond and The Jets, Confesiones de Invierno de Sui Generis, Pescado 2 de Pescado Rabioso, Tiempos Difíciles de Juan Carlos Baglietto, La Banda de los Caballos Cansados de Leon Gieco, La Máquina de Hacer Pájaros de La Máquina de Hacer Pájaros, Fotos de Tokio de Pedro Aznar, Peluson of Milk de Luis Alberto Spinetta, Almendra I de Almendra, El León de Manal

Título del Disco

Homónimo del nombre de la banda, Serú Girán es un lugar mítico y hermoso según dicen en la canción

Portada del Disco

Una de las portadas más enigmáticas de la historia del Rock Latinoamericano, el vagón de un ferrocarril con una ventana que da hacia una vía misteriosa, grabado sobre la madera con pintura blanca el nombre del grupo y unos números que hasta la fecha nadie sabe que significan QB 32304, hace referencia quizás a la última pieza llamada El Mendigo del Andén, el disco es obra del estudio del fotógrafo Eduardo Maia Do Vaie


Tracklist


1.    Serú Girán  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Voy a Mil (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Cosmigonon (Recomendación 4 Estrellas)

4.    Separata (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Seminaré (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Autos, Jets, Aviones, Barcos (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Eiti-Leda (Recomendación 4 Estrellas)

8.    El Mendigo del Andén (Recomendación 4 Estrellas)

Track By Track Momentos Cumbres

- El disco abre con un trabajo operístico llamado Serú Girán, la primer canción que grabó el grupo en Sao Paulo y que contiene una letra en latín que parece no significar nada por el hecho de que Serú Girán es un lugar mítico y hermoso, para ejecutar esa canción Charly García utilizó como apoyo una orquesta de 24 elementos que fue dirigida por Daniel Goldberg y que fue también asistido por Billy Bond, los estudios El Dorado en Brasil fueron testigos de cómo una orquesta completa con toda la sección de viento se encargó de darle apertura a esta canción, para la grabación de la sección de piano Charly García usó un piano de cola Yamaha CP70, de esa apertura podemos mencionar muchas cosas, se parece tanto la secuencia de notas que ejecuta Charly García a Nocturno Número 2 de Chopin, también se parece mucho al estilo de la introducción del Réquiem en Re Menor de Mozart sobre todo en la sección de viento de los primeros 2 minutos, la guitarra con distorsión de David Lebón encamina a la segunda parte de la canción que inicia con la percusión de Oscar Moro y una figura impresionante de bajo de Pedro Aznar, todo eso sucede mientras García canta una línea cosmigonón, gisofanía, serú girán, esto bajo la técnica del cadáver exquisito, muy explotado por los artistas surrealistas y que en el Rock Argentino ya tenía como antecedente la canción Por de Pescado Rabioso en su disco Artaud, se acomodaron las palabras de forma tal que al pronunciarlas fueran dando armonía con la voz, un trabajo de producción grandioso al conjuntar la parte orquestal con los arreglos de guitarra que Lebón iba entretejiendo, la canción llega a un momento épico donde se cambia el compás y la percusión eleva la atmósfera etérea a un momento volcánico, Pedro Aznar se adueña de la escena por unos instantes para demostrarnos su maestría en la ejecución del bajo, hasta aquí solo se prepara el momento de llegar al momento cumbre que ocurre cuando Lebón inicia un solo que se acompaña de flautas y violines, al primer violín se escucha al maestro Syd Sharp quien aporta su experiencia como primer violín de la orquesta sinfónica de Brasil, le añade un momento de dramatismo, esa flauta una vez más construyen un peldaño sobre el cual escala toda la demás orquesta, es una de esas canciones que podríamos escuchar por primera vez y pensar que se trata de algo fuera de este mundo, una de esas piezas que se imaginaron en la mente brillante de estos cuatro gigantes de la música, etérea, casi mística, una epopeya de notas llevadas de la mano por caminos que no se recorrieron antes en el Rock Argentino, a García le hacía falta contar con un caballo orquestal y con otros 3 jinetes que lo acompañaran en su recorrido musical, Serú Girán es una de las más épicas canciones de Rock Latinoamericano de todos los tiempos.

- Voy a Mil demuestra varias cosas, nos muestra a un Pedro Aznar en plenitud de facultades por su virtuosismo en la ejecución del bajo, desde que inicia la canción con ese riff bluesero de la guitarra de David Lebón y la percusión en 4/4 de Oscar Moro, desde el inicio Aznar se adueña de la canción, su bajo es otra guitarra, lleva otro ritmo, contrapuntea en cada verso que Lebón y Charly García cantan bajo la técnica del eco con lo que se establece un diálogo al recitar los versos, los interludios llegan con los solos de guitarra cortos pero efectivos de Lebón, Charly García acompaña con su piano y con algunos solos de guitarra en los versos, es una canción que nos demuestra que lo mismo ejecutaban jazz, rock, blues, lo que fuera, eran una máquina aceitada de hacer música, exactos como relojes suizos, capaces de improvisar sobre la marcha, en tan solo 3 minutos dan cátedra de acoplamiento, de ritmo, de cambios de compás, es una canción obligada en el catálogo de Serú Girán, el final es de leyenda, la forma en la que culmina la canción es de celebrar, dos piezas épicas para empezar un disco que será legendario, los interludios son lo mejor de la canción, esa forma de Oscar Moro de hacer los cambios de ritmo de forma tan natural, sin trabajo alguno, Aznar era sin duda el mejor bajista de Argentina y probablemente de todo el Rock Latinoamericano en esos años, la forma en la que demuestra su capacidad con ese diálogo de guitarra y bajo al final de la canción es memorable.

- Cosmigonón es una pieza que emplea, en las manos de Charly García un sintetizador Minimoog y un ARP Solina Ensamble que le permiten a David Lebón en técnica de tapping construir una melodía bastante inusual para la época, no hay una pieza similar en esa época en el Rock Argentino, el único precedente era de febrero de ese año de 1978 con la pieza Eruption de Van Halen, innovación pura en esta pieza.

- Separata es una pieza donde la figura principal es el piano en contrapunto de Charly García, la sección orquestal da un soporte melódico adecuado para que los acordes que ejecuta en su piano de media cola sirvan de enlace y de guía para el desarrollo de una historia lírica que habla sobre la soledad y la necesidad de introspección, tal vez por la forma en la que el grupo se formó no hubo tiempo de asimilar lo que sucedía, existe un aire de nostalgia también sabía que mi casa estaba lejos, lejos, lejos de todo, y faltaba poco para subir a tocar, una canción íntima de García que fue haciéndose cada vez más fastuosa por los arreglos de orquesta, es una pieza hermosa y breve.

- En 1977 Charly García y David Lebón coincidieron en Buzios, Brasil y compusieron una maqueta de lo que más tarde daría forma a Seminaré, la pieza más conocida del disco y que entraña una singular belleza, es una de esas canciones que permitieron el éxito inicial de Serú Girán, un supergrupo que se formó con la crema y nata de los músicos argentinos de la época, es aquí donde se aprecia su grandeza, esa introducción con el piano de Charly García que lentamente va dibujando una melodía que inicia con una nota de Sol en una progresión de acordes mayores lo que le da una luminosidad inmensa, la orquesta que dirigió Daniel Goldberg sirve de telón de fondo para que ese piano Yamaha entreteja una historia con una letra llena de nostalgia, es una diatriba de amor, No hay fuerza alrededor, No hay pociones para el amor ¿Dónde estás? ¿Dónde voy? los versos cantados por David Lebón con una tesitura suave y melancólica, similar a su forma de cantar en su etapa de Pescado Rabioso, el bajo de Pedro Aznar como siempre es un instrumento que lleva una historia aparte, esos contrapuntos en los coros, la forma en la que maneja una melodía que se enlaza con los versos, que lleva su propio ritmo y su propia distancia en los coros, Aznar fue bajista del trio de Pat Metheny por lo que sus influencias de jazz las explota hasta donde es posible, Oscar Moro lleva de la mano la percusión con el fondo de guitarra acústica que interpretó Lebón y que también le da una estructura de soporte muy importante a la canción, es una de esas piezas que nos sitúan en un mundo aparte, es una especie de pop progresivo que va transcurriendo en instantes llenos de sutil belleza, una canción memorable en un disco que ya era para la historia, pequeños trozos de gloria aderezados con una letra contundente, Si pudieras olvidar tu mente, frente a mi, se que tu corazón diría que si, sabiduría pura al servicio de la música, un estado mental llevado a una realidad distinta, la nostalgia hecha poesía.

- Toda la influencia del jazz fusión y de las técnicas de Jaco Pastorius en el bajo están presentes en un enorme tema llamado Autos, Jets, Aviones, Barcos, una canción con un aire latino muy presente, el intro con una percusión de samba, empleando inclusive los instrumentos del ritmo que nació en Bahía y que en los 70's estaba tan en boga, un ritmo que nace en África con raíces en Angola y el Congo, el empleo de su compás de 2/4 y la batucada característica llena los primeros minutos de esa pieza, una especia de samba funk como lo que realizaba la Banda de Rio Negro de Jamil Joanes, se nota inmediatamente la influencia de Sao Paulo, lugar donde se grabó el disco, sin embargo la canción transcurre hasta llegar a un interludio donde comienza a tomar una forma un tanto más de blues y rock clásico, similar al trabajo de Pink Floyd en su etapa de Meddle o del Wish You Were Here, la canción sufre una nueva transformación hacia el ambiente festivo de la samba de nuevo, un final estrepitosamente virtuoso cierra una pieza que entraña tanto virtuosismo como muy pocos temas que fusionan géneros tan distintos al rock, la sección de samba fue acompañada por el grupo Nova Conciencia de Salvador de Bahía.

- Eiti-Leda es un tema memorable, el intro característico de esa época de Charly García, similar a lo que hacía años antes en Sui Géneris y que no le daban tanta oportunidad de hacer en La Máquina de Hacer Pájaros, fue escrita por Charly García cuando tenía 17 años y sufría de constantes instantes de depresión, interpreta el piano con un Fender Rhodes, un ensamble de cuerdas ARP y con una variación de un Clavinet por lo que ese aire clásico inunda toda la canción, en la versión de Sui Géneris el maestro Nito Mestre ejecutó la flauta transversa pero en la versión de este disco de Serú Girán se sustituyó la flauta transversa por una sección de viento dirigida por Daniel Goldberg y que Billy Bond contrató ex profeso para algunas canciones, Eiti-Leda encierra una letra que es poesía pura, en una etapa de Charly García que fue difícil y extremadamente intensa, lejos fuera de casa no tengo nadie que me acompañe a ver la mañana recita David Lebón mientras traza acordes con su guitarra, es una canción que está compuesta de varias piezas unidas entre sí, dura alrededor de 8 minutos donde una vez más nos dan muestra de virtuosismo, después de 2 minutos de introducción inicia una fase donde se realiza una versión mucho más funk, dejando ese aire orquestal rimbombante se asoma esta sección donde se da rienda suelta a la imaginación, un aire de libertad tanto en la interpretación como en la letra, Pedro Aznar da cátedra de ritmo con su bajo, Óscar Moro lleva la percusión a un nivel magistral y David Lebón asoma algunos solos durante ésta y la sección del interludio, el piano de Charly García acompaña en contrapuntos, Aznar llega a un punto de grandilocuencia como pocos antes del solo de Lebón que construye una sección de algunos segundos donde se aprecia la forma tan intensa de ejecución instrumental que alcanzaban, si en la versión en estudio había tanta capacidad interpretativa debió de ser un deleite verlos en vivo, la letra una vez más nostálgica en el final de la canción donde se retoma ese aire festivo y orquestal, esta es otra pieza magnífica, una construcción armónica con detalles por todas partes, es una odisea de ritmo y sonido, una canción que por si sola podría estudiarse en una reseña aparte Eiti-Leda tiene su lugar en lo más alto del cielo del Rock Argentino y de Latinoamerica, es una odisea rock progresiva hasta el paroxismo.

- El Mendigo del Andén es una pieza hermosa, otro grandioso tema que cierra un disco que no tiene igual en el Rock Argentino, Flavinho y Luiz Carlos fueron los ingenieros de sonido en el estudio El Dorado en Sao Paulo y le extrajeron toda la esencia de interpretación a cada uno de los instrumentos que se ejecutaron en esta obra musical, la letra de esta canción es de las mejores del grupo sin lugar a dudas, yo se que me quieres y esta bien, yo seré siempre el mendigo del andén, de un pueblo fantasma donde no pasa el tren, la forma en que se lleva la canción en la primera parte, flemática, con parsimonia contrasta con una segunda parte donde nuevamente hay evocaciones al bossa, al jazz fusión y sobre todo encierra ese aire festivo tan característico, la flauta transversa de la orquesta y nuevamente el papel preponderante del violín hacen de esta forma de cerrar el disco algo para recordar por siempre, grandiosa obra de cuatro virtuosos para la posteridad, existen discos que son fáciles de escuchar, Serú Girán nos exige como escuchas cierto nivel de abstracción y de introspección para encontrar los significados que encierra, es un disco para mentes inquietas, es una obra intelectual muy completa, mas de media hora de extraordinaria música, un disco que debería de estar presente en la formación musical de todos nosotros.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Una Semana en el Motor del Autobús de Los Planetas

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... Con un grupo prácticamente desintegrado, la banda más importante del Indie Rock español de todos los tiempos cruzó el Atlántico y viajó a Nueva York con sus instrumentos, llenaron sus maletas de talento y hambre de trascendencia y con poco más que unas pesetas emprendieron el viaje de sus vidas, el regreso fue todo lo contrario, el disco más importante de sus carreras estaba listo para impactar al mundo musical de España y del mundo, una banda de culto, un grupo para recordar siempre en su trabajo más arriesgado y lleno de momentos intensos y agradables, un disco que marca una época y sirvió de inspiración para las dos décadas siguientes

Los Planetas - Una Semana en el Motor del autobús

Para ti que nunca dejas de luchar a pesar de que todo está en tu contra, a pesar de la tormenta, para ti que te atreviste y tomaste el reto, por creer en ti, al creer en ti haces que yo siempre crea en ti  ...

Se llamaba Clístenes y vivió en Atenas medio siglo antes de Cristo, vivió en el entorno hostil en la oligarquía ateniense, en el año 510 a.C. promulgó una ley que separaba a los hombres del resto de la sociedad, cada año se reunía una asamblea de 6 mil votantes que escribían sobre un fragmento de cerámica o dentro de una ostra y decidían el futuro social de las personas, no había debate después, el nombre que aparecía más veces escrito era el que pertenecía a aquel cuya vida sería relegada por diez años, el barrio del Cerámico, el lugar donde se producía la cerámica en Atenas tenía una colina que se levantaba apenas unos cientos de metros y era un lugar donde se arrojaban los restos de las vasijas y los platos rotos, en ese lugar se llegaba y se votaba todos los años en una tradición que perduró casi 8 siglos, a esta práctica de segregación se le llamó Ostracismo, no era un exilio permanente y sin embargo se olvidaba de la memoria de todos a esas personas en una especie de cápsula del tiempo, quien regresaba del ostracismo era visto como una sombra dentro del contexto social, era la muerte en vida y sin embargo aún podía seguir aspirando a seguir siendo ciudadano si la asamblea otorgaba un indulto, algo parecido le sucedía a un escritor norteamericano que nació en Lowell, Massachusetts, una ciudad textil bordeada por varios ríos que tuvo su época dorada en las primeras décadas del siglo XX, en ese lugar en el seno de una familia francocanadiense habría de nacer un poeta reverenciado por toda la cultura norteamericana de los 60's, un niño cuyos padres solo hablaban francés y que procedían de familias de la política Canadiense, a ese niño le pusieron por nombre Jean-Luis Kerouac, más tarde se le conocería por el nombre de Jack, figura mítica dentro de la poesía norteamericana, habría de influenciar a toda la juventud americana de la segunda mitad de ese siglo, inventor de la prosa espontánea, el deseo de escribir en todos lados y bajo cualquier circunstancia inundan la mente inquieta de un futuro egresado de la Universidad de Columbia quien desde la adolescencia se separó del ambiente industrial de su ciudad de nacimiento y decidió emprender un viaje que lo llevaría a conocer el largo y ancho del territorio estadounidense en una búsqueda existencial tan absurda como necesaria, escribe en 1957 su novela más celebre a la que le dio el nombre de On The Road una obra que marca el inicio de la Generación Beat, una epopeya a los grandes espacios y a la soledad, al aislamiento, una poesía del descubrimiento del nuevo mundo en un viaje de costa a costa a través de la autopista más famosa del mundo, la Ruta 66, inspirada en el jazz, la poesía y las drogas, descubre un modo bohemio y romántico de la vida a través de sus capítulos, el ritmo de su narración fue comparado con el Be Bop del jazz moderno, su itinerario de viaje (de Nueva York hasta Selma en California, de Rocky Mountain en Carolina del Norte hasta la Ciudad de México) impacta a una juventud que estaba adiestrada en todos sentidos, todos los jóvenes de la postguerra son tratados bajo normas estrictas de conducta, era cuestión de tiempo, fueron Kerouac, Ginsberg, Borroughs quienes les dieron el contexto filosófico, fueron Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones quienes pusieron música a esa generación que tomó todas esas ideas y las pusieron en marcha y cuyo punto más alto llegó entre los años 1963 a 1972, eran tiempos de guerra, Corea y Vietnam habían visto morir el talento de una juventud que perdió sus esperanzas tras las trincheras de los campos de arroz y en las selvas de Hnoi y Da Nang, los jóvenes que no fueron llamados a morir, dejaron crecer sus cabellos dejando atrás los cortes militares impulsados por años de una dictadura silenciosa que controlaba todo, el estilo de vida americano se tambaleaba, vientos de cambio llegaban de todas partes, fue una época donde ser joven era una oportunidad de crecer en todos los sentidos, una juventud inspirada por esos textos de Kerouac donde el aire de libertad y de expresar los sentimientos fueron el dogma a seguir, influenciado por la cultura Zen escribe otro libro monumental al cabo de unos pocos años, su novela Los Vagabundos del Dharma inspira a más personas en la búsqueda de su propia espiritualidad, esta obra se escribe en 1958 y sus frutos se observan 13 años después en el pequeño pueblo de Woodstock, el punto más alto de una generación que cambió al mundo, Kerouac es el padre de esa generación, su influencia se extiende más allá de las letras, un joven de Dulth, Minnesotta llamado Robert Zimmermann lee a Kerouac, cambia su nombre a Bob Dylan y viaja en su propio On The Road para ver a su ídolo Goody Guthrie a 900 Kms de su pequeño pueblo del norte de Estados Unidos, de repente todos emprenden viajes de autoconocimiento, de repente las carreteras se llenan de aventureros en busca de sus propios sueños, en la mañana del día previo al año nuevo de 1998, unos españoles se concentran en el aeropuerto de Newark en New Jersey, en una historia que comenzó 8 años atrás en la ciudad de Granada en España, Florent Muñoz es un estudiante de Derecho que leía un libro llamado Los Subterráneos (autoría de Kerouac) y se encuentra en la estación de trenes a un estudiante de Sociología llamado Juan Rodríguez, ambos comparten el gusto por los libros de la Generación Beat, pero también en una coincidencia mucho más profunda, comparten gustos musicales, no tardan en formar un grupo al que le llaman de la misma forma que el titulo del libro de Florent y al parecer como un homenaje a The Velvet Underground, ellos son los únicos dos sobrevivientes de una agrupación que estuvo oculta en el subterráneo del Indie Español y que les tocó recoger los dólares que otras bandas abandonaban por las alcantarillas de toda España, ese ambiente del subterráneo hispano de la primera mitad de los 90's era un ambiente del que no se conoce mucho, solo nos quedan algunas memorias de quienes vivieron esa época donde no era un negocio rentable buscar la independencia musical, en 1992 tienen que cambiar de nombre por una extraña coincidencia con el grupo de Cristina Rosenvinge, se hacen llamar desde ese día Los Planetas, editan un primer EP llamado Medusa y se convierten en la referencia de esa zona de España en los circuitos independientes, las radiodifusoras como Radio 3 y Rockdelux los empiezan a programar con mayor frecuencia, pero el éxito trae consigo división, los únicos dos sobrevivientes comienzan a experimentar cambios en sus filas cada vez más frecuentes, no hay formación estable en los inicios y comienzan a alternar con los músicos que se comprometen con un proyecto que está plagado de problemas de promoción y con los líos de drogas de Florent, es ahí cuando graban su primer disco formal, el ya legendario Super 8 donde homenajean a Ian Curtis, un disco que no alcanza el éxito esperado, después llega Pop y no es bien recibido por la prensa especializada, no hay nada que cosechar en esos días aciagos donde poca gente va a observarlos en el escenario, los problemas continúan, por eso ese 30 de diciembre ellos saben que se están jugando su ultima carta, se habla de la separación del grupo, de relegar a alguno de los integrantes, un ambiente de desesperación se percibe en ese vuelo de Madrid a Nueva York, ese viaje de 10 horas transcontinental es el viaje que habrá de volverlos leyendas, un instante del tiempo que parace haberse detenido, retroceder la línea del tiempo imaginario, ese que pasa por el meridiano de Greenwich y que divide a la tierra en 24 husos horarios, es a partir de ese retroceso que el grupo va a editar su mejor material, el más sincero, el más humano, una radiografía del momento que viven, una instantánea que detiene el tiempo en el año 1998, un año que Los Planetas recordarían toda la vida, aunque solo queden ellos dos, Florent y Jota saben que si van a perdurar un segundo más en la escena musical deben de escribir canciones sinceras, avasalladoras, se aíslan del mundo por dos meses, conviven con Pavement, compran amplificadores Orange, van a conciertos de grupos que no conocen, se impregnan de ese ambiente nocturno, apenas comen, apenas duermen pero el resultado está ahí, es evidente meses después, regresan a España a cosechar los frutos del desvelo y sus excesos, a contar una historia de un viaje hacia su propio Dharma, a reencontrase con una veta de inspiración que van a descubrir en sus siguientes trabajos y que hasta la fecha los mantiene vigentes, ocultos, en un ostracismo musical del que pocos saben su historia, así son esos grupos, para algunos iniciados que habrán de gustarles sus canciones, no venden discos ellos venden emociones, no es cantidad de sencillos en la radio, es todos esos instantes de memoria que nos han dado en este tiempo, esos instantes de tiempo encapsulados en pequeñas memorias de algunos minutos, eso es lo que nos deja la música de Los Planetas, exploran el flamenco, lo adaptan al rock, el Indie Español les debe todo, la música les aporta todo lo que su soledad no conoce, tienen ese espíritu que Kerouac retrato en sus poemas, la vida nos invita a todos a tomar el viaje, a llevarnos por corrientes llenas de turbulencia a veces y en aguas tranquilas otras más, esos viajes que aparentan ser para olvidar terminar por integrar nuestros miedos a nuestros sueños, a veces la ruta toma caminos alternos, a veces hacemos pausas wue parecen eternas, a veces los lados de la carretera de nuestras vidas están llenos de lugares por visitar y otras son una senda larga e interminable, cuesta abajo y cuesta arriba, caminos bifurcados, caminos sin retorno, memorias de un viaje que emprendemos a diario y del que solo nuestros miedos habrán de limitar, tal como decía Kerouac ... 'Alabado sea el hombre que existe en leche y vive en lirios y su música de violín tiene lugar en leche y vacío cremoso, alabado sea el pétalo interior abierto, carne del pensamiento más tierno, alabada sea la ilusión, el murmullo, alabado sea el sagrado océano de la eternidad, alabado sea yo, que escribiendo, ya muerto y muerto nuevamente'.

           

En Pop no supimos canalizar bien la producción y se diluyeron algunas canciones importantes”, admite Florent. “Esta vez decidimos grabar en el estudio de Kurt, con su equipo: compresores antiguos, instrumentos muy chulos, una mesa vintage…estábamos mucho más a gusto y había mucha más armonía que en el anterior'

- Florent Muñoz sobre la grabación de Una Semana en el Motor del Autobús -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1998

Discográfica - RCA/BMG

Productor - Kurt Ralske

- Recomendable Si Les Gusta -

Alegato Meridional de Grupo de Expertos Solynieve, Homenaje a Enrique Morente de Los Evangelistas, Invisible de Los Invisibles, Los Pilotos de Los Pilotos, Paso el Cometa de Maga, Mayday de Najwa, Respira de Clovis, Lo Imprevisto de Lagartija Nick, Pueblo de Málaga de Enrique Morente y Play Off de Mequetrefe

     

Título del Disco

El disco narra de forma anecdótica las vivencias de un personaje a lo largo de la semana, es una expresión muy normal en el norte de España cuando las cosas no salen bien

Portada del Disco

Una señal de transito que indica el final del camino, una portada tan irónica dentro de la discografía del Rock Español


Tracklist


1.    Segundo Premio  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Desaparecer (Recomendación 4 Estrellas)

3.    La Playa (Recomendación 4 Estrellas)

4.    Parte de lo Que Me Debes (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Un Mundo de Gente Incompleta (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Ciencia Ficción (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Montañas de Basura (Recomendación 4 Estrellas)

8.    Cumpleaños Total (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Laboratorio Mágico (Recomendación 4 Estrellas)
10.  Toxicosmos
11.   Linea 1
12.   La Copa de Europa

Track By Track Momentos Cumbres

- La canción que abre el disco es impresionante, esa percusión es obra del maestro Eric Jiménez, Segundo Premio es un título que obedece al segundo lugar que tuvieron Los Planetas en un concurso de bandas patrocinado por Rockdelux en 1997, los arreglos de teclado de Banin son de los mejores de todo el catálogo de Los Planetas, Jota canta con un aire de desprecio tras esos acordes distorsionados de la guitarra de Florent Muñoz quien en esas épocas atravesaba serios problemas de drogas, de la letra podríamos destacar tantas frases mirando las paredes de este cuarto, rezando porque vengas otra vez y todo lo que habíamos hablado es todo lo que vamos a perder, desoladora es esa letra, trágica por momentos, lúgubre y hasta decadente, extrañar a alguien no solo significa tenerlo en los pensamientos, es desearlo con la piel y el corazón, esta pieza tiene todo lo que significan Los Planetas, una letra arriesgada, firme interpretación sin ningún bache en el transcurso de la canción, los acordes de guitarra de Florent Muñoz son estridentes, sus mini solos van y vienen y ese dominio que tiene de los efectos de guitarra, impresionante forma de abrir un disco, la melodía esta inspirada en un clásico de los Magnetic Fields llamado Smoke Signals

- Desaparecer es un rock de la vieja escuela, Hüsker Du y su enorme tema llamado All This I've Done For You inspiraron la melodía y ritmo de esta canción, la percusión de Eric Jiménez es en un clásico compás de 4/4, el intro con ese bajo de Jesús Izquierdo con una pequeña figura que nos recuerda los intros de bajo de Ian Curtis, una canción que tiene influencia directa del garaje británico y americano de mediados de los 80's, semeja mucho al estilo de Dinosaur Jr, también tiene mucho de Pavement, esa influencia en la forma en que construyen los interludios tan a la MC5, es una canción que tiene ese ritmo que uno no espera que cese, la letra otra aguja en mantequilla, Jota canta con absoluta devoción sobre lo que quieren decir, enorme tema que continúa con la tendencia de la canción de apertura, rock en su estado puro, Los Planetas en plena forma, Florent Muñoz ejecuta esa guitarra con furia, pero exhibiendo técnica depurada en las quintas y en un rasgueo efectivo.

- La Playa es uno de esos temas que uno sabe van a marcar época desde los primeros acordes, fue grabada en el estudio Zabriskie Point que como dato cultural es también el titulo de uno de los discos de Pink Floyd, la historia que nos narra es de un desamor, el sitio donde ocurre la desventura es en la playa, un verano que fue una pesadilla, si me acuerdo me duele todavía, la letra como siempre es sincera, la música a destacar el acompañamiento del bajo de Jesús Izquierdo y la percusión siempre efectiva, siempre precisa de Eric Jiménez, Jota canta con su clásico estilo de arrastrar las palabras y con esa voz rasposa y llena de matices, un tema que nos hace recordar aquellas situaciones en que es imposible olvidar a alguien, cuando se le ve por todos lados, el solo de guitarra de Florent Muñoz también es impecable, otro clásico.

- Otro tema clásico llega con Parte de lo Que Me Debes, ese intro con el rasgueo de guitarra es reconocible aún a casi 16 años de distancia, se parece tanto a la canción 5/4 de Real State en la forma en que la melodía se construye con un arpegio, la forma de alternar el rasgueo de Florent Muñoz y luego llevarlo a acordes distorsionados nos hablan de un dominio sobre los pedales impresionante, otra canción desolada y sombría sobre el desamor, sobre el tiempo que no regresa Cuantas veces lo intenté. Y no sirvió de nada. De un millón de formas lo intenté. Y no sirvió de nada, una canción de autoflajelación con una letra directa y sincera, la letra se inspiró en el tema de Rain Parade llamado Kaleidoscope, es una de esas canciones que nos muestran ese lado de sufrimiento intenso que retratan con tanta forma Los Planetas, tienen esa virtud de extraer de una emoción humana como es la depresión letras contundentes y llenas de verdades, en apenas 20 minutos ya eran 4 temas clásicos, Florent Muñoz demuestra su enorme virtuosismo en el manejo de todos los efectos de guitarra de esta canción.

- Un Mundo de Gente Incompleta es una balada rock de altísimo alcance, Jota canta sobre una línea de guitarra de Florent Muñoz, aunque la letra es simple en ciertos aspectos, Jota siempre tiene esa característica de darle una interpretación contundente a los versos a veces hasta nihilistas que escribe, la guitarra acompaña cada verso como si se tratara de una corte celestial, la percusión es lenta, flemática por momentos, de alto impacto en otros, suave pero con intensidad, es uno de esos temas que muestran la forma en que una canción de Los Planetas cambia de ritmo y cambia de escalas de forma repentina, los interludios se acompañan con un compás de 2/4, el intermedio tiene un acompañamiento musical tan impecable que se disfruta a cada segundo, otro tema de leyenda, la letra y su frase final, ven conmigo hay mucho de que hablar

- Ciencia Ficción se parece tanto al tema Get Me de Dinosaur Jr por la forma en que contrapuntea la guitarra con el bajo y la percusión, un estilo hecho casi a la medida para Los Planetas, es una canción de rock llevada poco a poco, construida de tal forma que va detallando su estructura con cada versos, porque seremos cientos, no habrá un lugar seguro, una visión del futuro, es una canción que se puede considerar de transición, un tema que demuestra la sed de trascendencia de Los Planetas, en un disco se estaban jugando su futuro, eso es Ciencia Ficción.

- Montañas de Basura es un tema que inicia con esa guitarra con Wah, la percusión del maestro Eric Jiménez acompaña una guitarra que por si sola es una canción aparte, hay quienes dominan uno o dos efectos pero Florent Muñoz en apenas 7 temas ya demostró dominio sobre la distorsión, el delay, el wah, el reverb, el flanger, casi todo lo que toca lo hace con una maestría y un virtuosismo destacable, es una canción que habla sobre algunas cosas que podemos encontrar por buscar la verdad, un tema que también es de transición y pese a todo es una enorme canción.

- Cumpleaños Total es una canción insignia de Los Planetas, la influencia de Beef con su tema Rebelde sin Caspa y de Skip Steps 1 & 3 de Superchunk en un tema que es absolutamente recomendable, una canción que la letra no aporta nada pero es extremadamente pegajosa, habla sobre las adicciones, específicamente a la cocaína, una época donde Florent Muñoz estaba con serios problemas de drogadicción y sin embargo es de sus temas representativos, la forma de llevar la percusión al límite de Eric Jiménez, el bajo de Jesús Izquierdo y los efectos que salen por todas partes por parte de Muñoz y los gritos desaforados de Jota hacen de éste un tema histórico de Los Planetas.

- Laboratorio Mágico destaca por el bajo muy al estilo de free jazz de Jesús Izquierdo, en cuanto pienso que lo estoy logrando y ahora resulta que he cambiado, reza Jota en uno de los versos de la canción, Florent Muñoz en un estilo muy diferente esta vez, el delay se hace presente para acompañar los versos y en los coros utiliza distorsión para hacer aún más intensa su interpretación, a lo lejos se escucha el teclado con sonido de órgano Hammond que Kurt Ralske interpreta, los sonidos de sirenas de patrullas se hacen presentes, es otro buen tema.

- Toxicosmos tomó frases de la canción Rolling Moon de The Chills, es un tema tranquilo pero que encierra una construcción impecable, Florent Muñoz crea un poema en las seis cuerdas de su guitarra que ve desdoblando con cada rasgueo de su mano derecha, el delay de la una enorme presencia, es casi hipnótico este tema, el bajo acompaña poco a poco una melodía que tiene bastares pasajes casi etéreos, la letra es impresionante, hay frases como para un manual de la vida, existe una que dice Y aunque el cansancio pesa, cada día pesa más, Por favor jamás nos hagas regresar, pasajes armónicos inspirados por las drogas, sonidos que entretejen una trama de emociones.

- Línea 1 es un tema que está inspirado en una canción de New Order llamada Bizarre Love Triangle, un tema de desolación casi al final del disco, una declaración de principios sobre una persona hastiada de la vida y de sus demonios, un exorcismo hecho canción Jota se confiesa sobre sus vivencias, las traslada a la vida de Florent Muñoz, algunas veces solo necesitamos un viaje en autobús, es una canción que está inspirada en los viajes que hacían en la famosa Línea 1 que transcurre por Granada, un tema totalmente personal, introspectivo, triste, desolado, un tema impresionante.

- La Copa de Europa es el tema que cierra el disco, toma casi toda la melodía del tema de Robin Hytchcock and the Egyptians llamado Glass, es una canción que surgió cuando Ronald Koeman le dio al Barcelona la Copa de Europa después de casi 40 años de no ganarla, un tema que cierra un disco lleno de momentos tan buenos

RadioJoshua - Disco de la Semana - Artaud de Pescado Rabioso/Luis Alberto Spinetta

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... El disco más importante del Rock Argentino en voz de uno de los artistas menos valorados, un enorme músico que dedicó toda su vida a explorar sus propios horizontes y límites musicales y personales, El Flaco siempre fue un músico elegante, virtuoso en su ejecución, un letrista destacado y partícipe de todas las etapas del Rock Argentino, desde Almendra, pasando por Invisible, Spinetta Jade, una carrera llena de momentos gloriosos que tienen como punto más alto este trabajo que enmarca un momento clave de su vida artística y personal

Pescado Rabioso/Luis Alberto Spinetta - Artaúd

Para ese artista atormentado, a ti que escribes y tu obra conmueve, tu obra será inmortal y para la posteridad de unos cuantos que verán con sus ojos tu propio mundo ... Para ti Flaco

El puerto de Marsella en Francia es el sitio neurálgico de la segunda ciudad más poblada de Francia, su escudo de armas ostenta su descripción heráldica orgullosamente, en el campo de argén o plata, la cruz del sur, el blasón Marsellés es conocido en todo el mundo e identifica a un puerto que ha sabido mantenerse activo a lo largo de casi 1500 años desde que un grupo de marinos focenses estableciera un centro vinícola en esa región del sur de Francia, Marsella es famosa por su puerto, pero lo es más por el accidente histórico de que en 1792, un capitán de Ingenieros llamado Rouget de Lisle asistió a una reunión con el alcalde de Estrasburgo, en el marco de la guerra Franco Austríaca, la petición de que se escribiera un himno patriótico inspiró a Lisle a componer el Canto para la Guerra del Ejército del Rin, sin embargo no se usó hasta que las tropas del ejército de Los Obligados entraron triunfantes en París entonando ese himno por los Campos Elíseos, al haberse escrito en Marsella los parisinos le denominaron La Marsellesa, se convirtió desde entonces en un cántico de orgullo (y según algunos el cántico patriótico más bello del mundo, que incluso Napoleón Bonaparte dijo acerca de el que habría de ahorrarles muchos cañones), casi 100 años después en ese mismo lugar nacería una de la figuras poéticas más importantes y reconocidas del mundo del arte escrito, Marsella vería nacer en una tarde de septiembre de 1896 a Antonin Artaud, polifacético personaje de las letras que entre sus múltiples dotes fue actor y dramaturgo, para Antonin los sueños eran la realidad, esos sueños se convertían en designios absolutos en un mundo donde lo real muchas veces se enfrentaba a lo imaginario, fue un artista que podríamos citar se encontraba en medio del dedaismo y el surrealismo y sin embargo es considerado más por su trabajo en el teatro, creo una forma de ejercer el arte escénico con su famoso Teatro de la Crueldad, Artaud siempre tuvo una vida difícil por lo que tenía mal carácter y padecía de nerviosismo e irritabilidad extremas, siendo niño padeció de meningitis y tenía visos de paranoia, padecía de neuro sífilis y frecuentaba los hospitales psiquiátricos y padecía de dolores musculares intensos que lo obligaban a ingerir grandes cantidades de fármacos, bajo ese contexto de sufrimiento crónico, Artaud adquiere un aire devoto intenso y a la vez frágil, conoce a André Bretón y queda para siempre marcado por el Manifiesto Surrealista, ya instalado en Paris sufre varios colapsos nerviosos y a la vez estrena en un año cuarto montajes teatrales que son un fracaso rotundo y tras esa caída y en la depresión que le siguieron, escribe la obra que habrá de sustentar las bases del Teatro de la Crueldad, su libro llamado El Teatro y su Doble, la idea de Artaud es dejar marcado al espectador por medio de situaciones inesperadas para llegar a las fibras más sensibles, Artaud logra construir su sello personal en el género, es seguido y admirado por algunos y escribe dos de sus más grandes obras literarias, el arte y la vida quedan retratadas en El Ombligo de Los Limbos y la forma tan increíble de narrar los motivos de un suicida en Van Gogh, El Suicidado de la Sociedad, Artaud vive la vida de forma intensa, escribe por varios años más, diagnostica que vive en una sociedad enferma  por lo que propone su curación por medio de las bases del dadaísmo que alguna vez practica, pero se sitúa mucho más surrealista, más ajeno de lo que vive día a día, para Artaud la vida esta basada en los pensamientos fuera de este mundo, la realidad es sólo un acuerdo entre lo que percibimos y lo que dejamos ser, su vida transcurre entre internamientos y terapia de electrochoques, además del dolor que siempre lo acompañó, escribió un libro que es el centro de este ensayo, en 1934 redacta Heliogábalo, o El Anarquista Coronado (un escrito controversial sobre un emperador romano) esa obra llegó a las manos de un niño que había nacido en Buenos Aires en 1950, uno de esos genios que ya estaba marcado por el destino, sus tíos eran empleados de la multinacional disquera Columbia Récords por lo que desde su tierna infancia ya tenía acceso a la música, un privilegio costoso en esa época,  le tocó vivir en su infancia, el Boom del Folklor Argentino y sin embargo el prefería entrar a escuchar los viejos vinilos de Bill Halley, eran finales de los cincuentas en la República Argentina, eran buenos tiempos, ese niño quien en vida recibió el nombre de Luís Alberto Spinetta habría de ser uno de los personajes centrales del Rock Argentino, habría de formar parte de tantos grupos que dieron vida y sentido a esa forma de escribir el Rock, su primer guitarra se la había regalado un ex defensa central del Club River Plate, el famoso Jose Gomezza y su primer maestro de guitarra había llegado por consejo de su padre quien era un cantante aficionado, después como sucede con los grandes genios se volvió autodidacta, ese niño que había crecido imitando a Louis Armstrong y a Little Richard  ya componía canciones desde los 11 años, a los 14 vivió la beatlemanía, compró el disco Beatles For Sale y su vida adquirió sentido, era el año de 1965 y Spinetta ya había compuesto un tema para la posteridad, a sus escasos quince años ya se estaba convirtiendo en leyenda, compuso plegaria para un Niño Dormido, tema clásico del Rock Argentino, El Flaco, como siempre le apodaron, no sólo es el espíritu de una generación de músicos que innovaron en una etapa en la que el Rock no se hacía de manera tan habitual, también fue un ídolo y una figura venerada desde sus comienzos, a los 16 ya estaba enlistado en 3 grupos, los Larkins, los Sbirros y Bundlemen con quienes estaría años después formando el grupo Almendra, tan peculiar era su forma de componer que lo mismo improvisaba folk que interpretaba una rumba o una samba, sabía jazz y blues y su sonido era elegante y a la vez virtuoso, cuando la vida concede a los hombres el don del talento algunos saben como aprovecharlo y el Flaco fue uno de ellos, a los 17 años Almendra ya estaba considerado el grupo de moda del Rock Argentino, eran la vanguardia, escuchaban lo mismo The Beatles que al entrañable Waldo de los Ríos, interpretaban piezas que eran complejas y exigían cierto nivel del público para entenderlas, en una época en que todo era una copia adaptada al idioma, Almendra fue un oasis en un desierto sonoro del que sólo sobrevivieron ellos y Los Gatos, ese año de 1967 le tocó ver como La Balsa se convertía en un éxito y después le tocó estar cerca de la época de las grandes revoluciones sociales en 1968, fue una época donde ser joven era un pecado en latinoamerica, se enlistó en la abrigadas anti dictadura, fue miembro activo de varios frentes de izquierda, escribió grandes temas con amplio sentido social, a los 20 escribe el primer disco de larga duración de Almendra y adquiere nuevamente el estatus de súper estrella, la portada enigmática de ese disco fue dibujada por el, luego vino una época obscura para el rock, al entrar a la década de los 70's y con la dictadura militar establecida fue difícil seguir haciendo música, fue una época donde las drogas y los vicios llegaron a su vida de forma vertiginosa, regala su guitarra a Pappo y viaja por 8 meses en una especie de retiro espiritual por toda Europa, al regresar forma con otros 3 grandes, David Lebón, Black Amaya y Oswaldo Frascino el grupo Pescado Rabioso, una banda legendaria con la que su imagen de súper estrella y su talento combinado lo vuelven a encumbrar en un país convulsionado por el gobierno de facto,  buscaron un sonido agresivo  y sin embargo sus bases jazzísticas no se lo permitieron, mezclaron acertadamente la psicodélica de la época con las raíces del folk y blues por todos lados, el grupo se separa y Spinetta se quedó con el nombre, David Lebón inspirado y conmovido por la forma en que todo termina le escribe 'Tema para Luis' donde una frase concluye todo lo que Spinetta representó en esa etapa de su vida 'este es el fin de una explicación de amor' Spinetta fue precursor de tantas cosas en el Rock Argentino y fue una de esas figuras enigmáticas y rodeadas por un halo de devoción y fervor por su música, le siguieron otras tantas bandas, Spinetta Jade e Invisible, pero nada fué como antes, el reconocimiento a un artista que estuvo presente en todas las etapas del rock argentino, que se reinventó y que poseía ese carisma que hace que puedan integrarlo en muchos proyectos, de carácter afable,  que componía  verdaderas joyas musicales, exploró una carrera solista a la vez que estaba metido en varios otros proyectos fue querido y respetado por lo que los más grandes, Charly García, Fito Paéz, entre otros tantos le rindieron homenaje y pleitesía en el año 2009 en el estadio del Vélez Sársfield en un momento cumbre del Rock, un concierto que fue llamado Spinetta y las Bandas Eternas, imaginando, como un cuadro pintado por el destino, se suben al escenario David Lebón enfundado en su guitarra, con esos lentes obscuros característicos y su bufanda blanca atada al cuello, David Cuitaia se sienta en el banco de la batería y el maestro Black Amaya toma con su particular estilo el bajo, el público guarda silencio, las luces se apagan y sólo están dos reflectores, uno sobre Spinetta quien empieza a interpretar los primeros acordes de Hola Dulce Viento y el otro sobre David Lebón quien es el que llevará la voz en la canción, el teatro de la crueldad dicta que la mejor forma de tener al público al pendiente de la obra es llevarlos al filo de las emociones, con una interpretación fantástica y ese riff que es a la vez nostálgico y evocador el Flaco interpreta ese himno del Rock, Lebón reza sobre el micrófono 'hola dulce viento, veo claramente en ti, eres como una amiga que se va' el público esta extasiado y la mayoría llora, es el momento de un delirio sentimental colectivo que no ha tenido igual en ningún otro instante del Rock Argentino, más de cincuenta mil personas lloran por la forma en que estos cuatro grandes se han reencontrado y han interpretado uno de sus tantos temas famosos, Artaud tenía razón, lo que más nos impacta es la forma en que se presenta la obra ante nuestros ojos, la vida se ve retratada como una magnificación de las emociones que recrean la percepción de la experiencia, nuestro teatro de la crueldad a veces no lo es tanto, es más bien un teatro de los sentimientos, Spinetta está en lo más alto del cielo del Rock Argentino, creó una obra solista llamada Artaud que rinde homenaje a un personaje atormentado, se inspiró en su vida para que él solo y su guitarra realizaran el mejor disco de la historia del rock Argentino, el teatro no ha cambiado, esta presente cuando miramos al cielo todo lo que amamos.

Pero antes que nada te quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. 

- Luis Alberto Spinetta sobre Artaud -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1973

Discográfica - Talent/Microfón

Productor - Jorge Álvarez y Luis Alberto Spinetta

- Recomendable Si Les Gusta -
Almendra II de Almendra, Desatormentándonos de Pescado Rabioso, El Jardín de los Presentes de Invisible, Alma de Diamante de Spinetta Jade, Los Ojos de Spinetta y los Socios del Desierto, Candiles de Aquelarre, Color Humano III de Color Humano, La Grasa de las Capitales de Serú Girán, Saltaba Sobre las Nubes de Juan Carlos Fontana y Peluson of Milk de Luis Alberto Spinetta

     

Título del Disco
El disco esta dedicado a la memoria de Antonin Artaud quien fue uno de los escritores franceses más importantes del siglo XIX y que además es considerado el padre del Teatro moderno.     

Portada del Disco

La portada tiene muchas particularidades, para empezar no es una portada cuadrada, es octagonal con los bordes afilados, esta diseñada sobre un fondo verde y una mancha amarilla en la esquina derecha y un pequeño retraso de Antonin Artaud  en ese mismo lugar, los colores obedecen a la siguiente referencia sobre Artaud ¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte. El verde para la resurreción y el amarillo para la descomposición, la decadencia?


Tracklist


1.    Todas las Hojas Son Del Viento  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Cementerio Club (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Por (Recomendación 4 Estrellas)
4.    Superchería (Recomendación 4 Estrellas)

5.    La Sed Verdadera (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Cantata de Puentes Amarillos (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Bajan (Recomendación 4 Estrellas)

8.    A Starosa, El Idiota (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Las Habladurías del Mundo (Recomendación 4 Estrellas)

Track By Track Momentos Cumbres

- Una oda folk propositiva abre el disco con la canción emblemática de una época donde Luís Alberto Spinetta era el poeta de una nación, él junto con David Lebón tenían una característica, ser unos letritas consumados, Todas las Hojas Son del Viento es una canción llena de matices y arreglos folk que nos recuerda los primeros años de Bob Dylan o a Johnny Cash y un sentido poético estilo Victor Parra, la letra de la canción es sencilla, casi minimalista y roza momentos cumbre cuando en su estribillo dice una frase que fué mencionada en la canción Aún Sigo Cantando de los Enanitos Verdes, Todas las hojas son del viendo, ya que él las mueve hasta la muerte, dos voces superpuestas de Spinetta donde da ese efecto de estar cantando consigo mismo y su guitarra acústica que construyó una melodía impecable, el solo del final también es memorable, la fragilidad de la experiencia humana y de la vida misma está cantada en esta enorme pieza.

- Un clásico llega con el segundo tema, Cementerio Club es un blues de doce barras con un acompañamiento de síncopas en la batería que le da más bien un matiz jazzístico, la letra habla de un hipotético cementerio de músicos muertos, tiene dos frases que son para la posteridad Justo que pensaba en vos, nena, caí muerto y Qué solo y triste voy a estar en este cementerio, qué calor hará sin vos en verano, el punteo de los interludios sirvió de inspiración para el solo de la canción Te Para Tres de la versión Unplugged de Soda Stereo muchos años más tarde, es una canción muy al estilo de Almendra, grupo seminal del rock argentino que lo integraron Emilio del Guercio, Luis Alberto Spinetta, Rodolfo García y Edelmiro Molinari quienes marcaron una época con ese grupo y que tenía siempre esa influencia del jazz clásico, Cementerio Club es de esas canciones que encantan por el simple hecho de que al ser construidas sobre una base de blues la improvisación es clave para el desarrollo de la misma, Spinetta nos demuestra su dominio sobre ambos géneros, un músico superdotado.

- Por es una canción muy corta, es un arreglo de guitarra que recita un verso extremadamente alegórico, una letra inspirada en la alegoría surrealista del Cadaver Exquisito del que Artaud también hacía referencia, es una composición en secuencia como lo hacía en la poesía Federico García Lorca o Pablo Neruda, una idea que va agregando elementos nuevos con cada frase o verso y así sucesivamente, Por es una canción que habla sobre la relación de Spinetta y Patricia Salazar con quien estaba unido en ese momento de su vida y con la que procrearía 4 hijos, adapta las palabras que va narrando sin una lógica establecida, por ejemplo la palabra gesticulación llega ahí porque sigue la métrica únicamente, es una de esas composiciones que nos hacen pensar el gran nivel artístico que tenía encima Spinetta, un poeta auténtico que emplea las palabras por su duración y para que encajen en los compases, que entren por la forma en que se articulan los versos, algo arriesgado para la época, pero es otra genialidad que encontramos en Artaud.

- Superchería es un tema que está integrado por tres temas a la vez, un vals inicial, un intermedio de rock y un jazz swing en los interludios, la palabra Superstición se repite una y otra vez con algunos monosílabos mezclados, sin embargo no es un tema a descartarse, al contrario, la forma en que se integran las tres partes es a destacar, en esta pieza Spinetta se hace acompañar de Rodolfo García en la batería y de Emilio del Guercio en el bajo, es un tema que semeja mucho a la canción Figuración de su etapa con Almendra.

- Las luces que saltan a lo lejos, no esperan que vayas a apagarlas jamás es lo que Spinetta dedica a su público en su enorme tema La Sed Verdadera, es solo Spinetta con sus guitarras acústicas y eléctricas en una especie de diálogo con aquellos que esperaban encontrar la salida de sus problemas con sus temas y que lo habían elevado el estatus de ídolo, esa especia de conversación personal al estilo de Rayuela de Julio Cortázar, abre tu mente al mundo y las guitarras con sonidos grabados de fondo, un tema impresionante.

- Una suite de 9 minutos, el auténtico punto neurálgico del disco es Cantata de Puentes Amarillos, surrealista, lleno de virtuosismo, inspirado en el libro de Heliogábalo de Antonin Artaud y en lo forma en que pintaba Van Gogh, Spinetta expresó su solidaridad con todos los marginados del mundo, es una canción impresionante, a lo largo del tiempo que dura va transcurriendo por tantos pasajes que es admirable la forma en que se construyó sobre una base acústica el resto de los arreglos, toda la letra es simbólica en todos los aspectos, la sangre es en referencia a la oreja cortada de Van Gogh y a la forma en que asesinaron a Heliogábalo, los puentes amarillos son una forma de mencionar la pintura de Van Gogh, la forma en que enlaza los acordes es por si misma increíble, cambia de forma, transmuta es todo menos pop, es una canción que nos obliga a pensar, que nos exige cierto nivel de conocimiento previo, emparentada en su construcción con Crisálida de Pescado Rabioso 2, A Day in The Life de The Beatles, tiene tantas frases tan surrealistas que es imposible separar la canción en partes, es mejor escucharla poco a poco y adentrarse en los instantes llenos de virtuosismo que encierra, 'nunca la abandones, puentes amarillos', Spinetta en pleno, Spinetta exorcizando sus demonios, llevándonos a pasajes oníricos de la mano de su guitarra, la realidad política de su país en los 70's y todo el armamento de recursos musicales que poseía, Cantata de Puentes Amarillos es sin duda una de las mejores canciones del Rock Argentino de todos los tiempos.

- Bajan es la canción mas comercial del disco y sin embargo no deja de ser una canción cuya construcción melódica es impecable, una forma de denominar a la vida transcurriendo con prisa, a veces sin detenernos a pensar en nada, un tema de rock que grabó con su hermano Gustavo Spinetta y su entrañable amigo ex Almendra, Emilio del Guercio, un tema hasta cierto punto hippie, el solo de guitarra del final es festivo, se nota la influencia de Billy Halley en la forma que construyó el solo.

- A Starosta, El Idiota, es una canción enigmática, Starosta eran una figuritas con las que Spinetta jugaba siendo niño, el Idiota hace referencia a como le apodaban a Antonin Artaud, al que Claudio Roy le llamó El Idiota Sagrado, es una canción armada en 4 partes, la primera supuestamente interpretada por Spinetta al piano aunque no aparece en los créditos del disco, la segunda parte una especie de Revolución 9 de The Beatles donde se aprecia inclusivo She Loves You y el llanto de una mujer, la siguiente parte es Spinetta con su guitarra acústica en un patrón melódico diferente, otros acordes y otro ritmo, es una canción que acaso sería la única o la más floja del disco, aún así es un extraordinario tema.

- Un tema impecable cierra esta obra de arte, Las Habladurías del Mundo es un tema latinizado por la influencia que había ejercido Carlos Santana en una etapa de la vida musical de Luis Alberto Spinetta, utiliza recursos como la imitación de la voz con la guitarra, que usaba muy comúnmente George Harrison, es un tema que engloba una obra llena de momentos destacables, es un disco que tiene como principal virtud ir en contra de todo y no aportar éxitos, sino una obra total.