RadioJoshua - Disco de la Semana - Una Semana en el Motor del Autobús de Los Planetas

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... Con un grupo prácticamente desintegrado, la banda más importante del Indie Rock español de todos los tiempos cruzó el Atlántico y viajó a Nueva York con sus instrumentos, llenaron sus maletas de talento y hambre de trascendencia y con poco más que unas pesetas emprendieron el viaje de sus vidas, el regreso fue todo lo contrario, el disco más importante de sus carreras estaba listo para impactar al mundo musical de España y del mundo, una banda de culto, un grupo para recordar siempre en su trabajo más arriesgado y lleno de momentos intensos y agradables, un disco que marca una época y sirvió de inspiración para las dos décadas siguientes

Los Planetas - Una Semana en el Motor del autobús

Para ti que nunca dejas de luchar a pesar de que todo está en tu contra, a pesar de la tormenta, para ti que te atreviste y tomaste el reto, por creer en ti, al creer en ti haces que yo siempre crea en ti  ...

Se llamaba Clístenes y vivió en Atenas medio siglo antes de Cristo, vivió en el entorno hostil en la oligarquía ateniense, en el año 510 a.C. promulgó una ley que separaba a los hombres del resto de la sociedad, cada año se reunía una asamblea de 6 mil votantes que escribían sobre un fragmento de cerámica o dentro de una ostra y decidían el futuro social de las personas, no había debate después, el nombre que aparecía más veces escrito era el que pertenecía a aquel cuya vida sería relegada por diez años, el barrio del Cerámico, el lugar donde se producía la cerámica en Atenas tenía una colina que se levantaba apenas unos cientos de metros y era un lugar donde se arrojaban los restos de las vasijas y los platos rotos, en ese lugar se llegaba y se votaba todos los años en una tradición que perduró casi 8 siglos, a esta práctica de segregación se le llamó Ostracismo, no era un exilio permanente y sin embargo se olvidaba de la memoria de todos a esas personas en una especie de cápsula del tiempo, quien regresaba del ostracismo era visto como una sombra dentro del contexto social, era la muerte en vida y sin embargo aún podía seguir aspirando a seguir siendo ciudadano si la asamblea otorgaba un indulto, algo parecido le sucedía a un escritor norteamericano que nació en Lowell, Massachusetts, una ciudad textil bordeada por varios ríos que tuvo su época dorada en las primeras décadas del siglo XX, en ese lugar en el seno de una familia francocanadiense habría de nacer un poeta reverenciado por toda la cultura norteamericana de los 60's, un niño cuyos padres solo hablaban francés y que procedían de familias de la política Canadiense, a ese niño le pusieron por nombre Jean-Luis Kerouac, más tarde se le conocería por el nombre de Jack, figura mítica dentro de la poesía norteamericana, habría de influenciar a toda la juventud americana de la segunda mitad de ese siglo, inventor de la prosa espontánea, el deseo de escribir en todos lados y bajo cualquier circunstancia inundan la mente inquieta de un futuro egresado de la Universidad de Columbia quien desde la adolescencia se separó del ambiente industrial de su ciudad de nacimiento y decidió emprender un viaje que lo llevaría a conocer el largo y ancho del territorio estadounidense en una búsqueda existencial tan absurda como necesaria, escribe en 1957 su novela más celebre a la que le dio el nombre de On The Road una obra que marca el inicio de la Generación Beat, una epopeya a los grandes espacios y a la soledad, al aislamiento, una poesía del descubrimiento del nuevo mundo en un viaje de costa a costa a través de la autopista más famosa del mundo, la Ruta 66, inspirada en el jazz, la poesía y las drogas, descubre un modo bohemio y romántico de la vida a través de sus capítulos, el ritmo de su narración fue comparado con el Be Bop del jazz moderno, su itinerario de viaje (de Nueva York hasta Selma en California, de Rocky Mountain en Carolina del Norte hasta la Ciudad de México) impacta a una juventud que estaba adiestrada en todos sentidos, todos los jóvenes de la postguerra son tratados bajo normas estrictas de conducta, era cuestión de tiempo, fueron Kerouac, Ginsberg, Borroughs quienes les dieron el contexto filosófico, fueron Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones quienes pusieron música a esa generación que tomó todas esas ideas y las pusieron en marcha y cuyo punto más alto llegó entre los años 1963 a 1972, eran tiempos de guerra, Corea y Vietnam habían visto morir el talento de una juventud que perdió sus esperanzas tras las trincheras de los campos de arroz y en las selvas de Hnoi y Da Nang, los jóvenes que no fueron llamados a morir, dejaron crecer sus cabellos dejando atrás los cortes militares impulsados por años de una dictadura silenciosa que controlaba todo, el estilo de vida americano se tambaleaba, vientos de cambio llegaban de todas partes, fue una época donde ser joven era una oportunidad de crecer en todos los sentidos, una juventud inspirada por esos textos de Kerouac donde el aire de libertad y de expresar los sentimientos fueron el dogma a seguir, influenciado por la cultura Zen escribe otro libro monumental al cabo de unos pocos años, su novela Los Vagabundos del Dharma inspira a más personas en la búsqueda de su propia espiritualidad, esta obra se escribe en 1958 y sus frutos se observan 13 años después en el pequeño pueblo de Woodstock, el punto más alto de una generación que cambió al mundo, Kerouac es el padre de esa generación, su influencia se extiende más allá de las letras, un joven de Dulth, Minnesotta llamado Robert Zimmermann lee a Kerouac, cambia su nombre a Bob Dylan y viaja en su propio On The Road para ver a su ídolo Goody Guthrie a 900 Kms de su pequeño pueblo del norte de Estados Unidos, de repente todos emprenden viajes de autoconocimiento, de repente las carreteras se llenan de aventureros en busca de sus propios sueños, en la mañana del día previo al año nuevo de 1998, unos españoles se concentran en el aeropuerto de Newark en New Jersey, en una historia que comenzó 8 años atrás en la ciudad de Granada en España, Florent Muñoz es un estudiante de Derecho que leía un libro llamado Los Subterráneos (autoría de Kerouac) y se encuentra en la estación de trenes a un estudiante de Sociología llamado Juan Rodríguez, ambos comparten el gusto por los libros de la Generación Beat, pero también en una coincidencia mucho más profunda, comparten gustos musicales, no tardan en formar un grupo al que le llaman de la misma forma que el titulo del libro de Florent y al parecer como un homenaje a The Velvet Underground, ellos son los únicos dos sobrevivientes de una agrupación que estuvo oculta en el subterráneo del Indie Español y que les tocó recoger los dólares que otras bandas abandonaban por las alcantarillas de toda España, ese ambiente del subterráneo hispano de la primera mitad de los 90's era un ambiente del que no se conoce mucho, solo nos quedan algunas memorias de quienes vivieron esa época donde no era un negocio rentable buscar la independencia musical, en 1992 tienen que cambiar de nombre por una extraña coincidencia con el grupo de Cristina Rosenvinge, se hacen llamar desde ese día Los Planetas, editan un primer EP llamado Medusa y se convierten en la referencia de esa zona de España en los circuitos independientes, las radiodifusoras como Radio 3 y Rockdelux los empiezan a programar con mayor frecuencia, pero el éxito trae consigo división, los únicos dos sobrevivientes comienzan a experimentar cambios en sus filas cada vez más frecuentes, no hay formación estable en los inicios y comienzan a alternar con los músicos que se comprometen con un proyecto que está plagado de problemas de promoción y con los líos de drogas de Florent, es ahí cuando graban su primer disco formal, el ya legendario Super 8 donde homenajean a Ian Curtis, un disco que no alcanza el éxito esperado, después llega Pop y no es bien recibido por la prensa especializada, no hay nada que cosechar en esos días aciagos donde poca gente va a observarlos en el escenario, los problemas continúan, por eso ese 30 de diciembre ellos saben que se están jugando su ultima carta, se habla de la separación del grupo, de relegar a alguno de los integrantes, un ambiente de desesperación se percibe en ese vuelo de Madrid a Nueva York, ese viaje de 10 horas transcontinental es el viaje que habrá de volverlos leyendas, un instante del tiempo que parace haberse detenido, retroceder la línea del tiempo imaginario, ese que pasa por el meridiano de Greenwich y que divide a la tierra en 24 husos horarios, es a partir de ese retroceso que el grupo va a editar su mejor material, el más sincero, el más humano, una radiografía del momento que viven, una instantánea que detiene el tiempo en el año 1998, un año que Los Planetas recordarían toda la vida, aunque solo queden ellos dos, Florent y Jota saben que si van a perdurar un segundo más en la escena musical deben de escribir canciones sinceras, avasalladoras, se aíslan del mundo por dos meses, conviven con Pavement, compran amplificadores Orange, van a conciertos de grupos que no conocen, se impregnan de ese ambiente nocturno, apenas comen, apenas duermen pero el resultado está ahí, es evidente meses después, regresan a España a cosechar los frutos del desvelo y sus excesos, a contar una historia de un viaje hacia su propio Dharma, a reencontrase con una veta de inspiración que van a descubrir en sus siguientes trabajos y que hasta la fecha los mantiene vigentes, ocultos, en un ostracismo musical del que pocos saben su historia, así son esos grupos, para algunos iniciados que habrán de gustarles sus canciones, no venden discos ellos venden emociones, no es cantidad de sencillos en la radio, es todos esos instantes de memoria que nos han dado en este tiempo, esos instantes de tiempo encapsulados en pequeñas memorias de algunos minutos, eso es lo que nos deja la música de Los Planetas, exploran el flamenco, lo adaptan al rock, el Indie Español les debe todo, la música les aporta todo lo que su soledad no conoce, tienen ese espíritu que Kerouac retrato en sus poemas, la vida nos invita a todos a tomar el viaje, a llevarnos por corrientes llenas de turbulencia a veces y en aguas tranquilas otras más, esos viajes que aparentan ser para olvidar terminar por integrar nuestros miedos a nuestros sueños, a veces la ruta toma caminos alternos, a veces hacemos pausas wue parecen eternas, a veces los lados de la carretera de nuestras vidas están llenos de lugares por visitar y otras son una senda larga e interminable, cuesta abajo y cuesta arriba, caminos bifurcados, caminos sin retorno, memorias de un viaje que emprendemos a diario y del que solo nuestros miedos habrán de limitar, tal como decía Kerouac ... 'Alabado sea el hombre que existe en leche y vive en lirios y su música de violín tiene lugar en leche y vacío cremoso, alabado sea el pétalo interior abierto, carne del pensamiento más tierno, alabada sea la ilusión, el murmullo, alabado sea el sagrado océano de la eternidad, alabado sea yo, que escribiendo, ya muerto y muerto nuevamente'.

           

En Pop no supimos canalizar bien la producción y se diluyeron algunas canciones importantes”, admite Florent. “Esta vez decidimos grabar en el estudio de Kurt, con su equipo: compresores antiguos, instrumentos muy chulos, una mesa vintage…estábamos mucho más a gusto y había mucha más armonía que en el anterior'

- Florent Muñoz sobre la grabación de Una Semana en el Motor del Autobús -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1998

Discográfica - RCA/BMG

Productor - Kurt Ralske

- Recomendable Si Les Gusta -

Alegato Meridional de Grupo de Expertos Solynieve, Homenaje a Enrique Morente de Los Evangelistas, Invisible de Los Invisibles, Los Pilotos de Los Pilotos, Paso el Cometa de Maga, Mayday de Najwa, Respira de Clovis, Lo Imprevisto de Lagartija Nick, Pueblo de Málaga de Enrique Morente y Play Off de Mequetrefe

     

Título del Disco

El disco narra de forma anecdótica las vivencias de un personaje a lo largo de la semana, es una expresión muy normal en el norte de España cuando las cosas no salen bien

Portada del Disco

Una señal de transito que indica el final del camino, una portada tan irónica dentro de la discografía del Rock Español


Tracklist


1.    Segundo Premio  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Desaparecer (Recomendación 4 Estrellas)

3.    La Playa (Recomendación 4 Estrellas)

4.    Parte de lo Que Me Debes (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Un Mundo de Gente Incompleta (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Ciencia Ficción (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Montañas de Basura (Recomendación 4 Estrellas)

8.    Cumpleaños Total (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Laboratorio Mágico (Recomendación 4 Estrellas)
10.  Toxicosmos
11.   Linea 1
12.   La Copa de Europa

Track By Track Momentos Cumbres

- La canción que abre el disco es impresionante, esa percusión es obra del maestro Eric Jiménez, Segundo Premio es un título que obedece al segundo lugar que tuvieron Los Planetas en un concurso de bandas patrocinado por Rockdelux en 1997, los arreglos de teclado de Banin son de los mejores de todo el catálogo de Los Planetas, Jota canta con un aire de desprecio tras esos acordes distorsionados de la guitarra de Florent Muñoz quien en esas épocas atravesaba serios problemas de drogas, de la letra podríamos destacar tantas frases mirando las paredes de este cuarto, rezando porque vengas otra vez y todo lo que habíamos hablado es todo lo que vamos a perder, desoladora es esa letra, trágica por momentos, lúgubre y hasta decadente, extrañar a alguien no solo significa tenerlo en los pensamientos, es desearlo con la piel y el corazón, esta pieza tiene todo lo que significan Los Planetas, una letra arriesgada, firme interpretación sin ningún bache en el transcurso de la canción, los acordes de guitarra de Florent Muñoz son estridentes, sus mini solos van y vienen y ese dominio que tiene de los efectos de guitarra, impresionante forma de abrir un disco, la melodía esta inspirada en un clásico de los Magnetic Fields llamado Smoke Signals

- Desaparecer es un rock de la vieja escuela, Hüsker Du y su enorme tema llamado All This I've Done For You inspiraron la melodía y ritmo de esta canción, la percusión de Eric Jiménez es en un clásico compás de 4/4, el intro con ese bajo de Jesús Izquierdo con una pequeña figura que nos recuerda los intros de bajo de Ian Curtis, una canción que tiene influencia directa del garaje británico y americano de mediados de los 80's, semeja mucho al estilo de Dinosaur Jr, también tiene mucho de Pavement, esa influencia en la forma en que construyen los interludios tan a la MC5, es una canción que tiene ese ritmo que uno no espera que cese, la letra otra aguja en mantequilla, Jota canta con absoluta devoción sobre lo que quieren decir, enorme tema que continúa con la tendencia de la canción de apertura, rock en su estado puro, Los Planetas en plena forma, Florent Muñoz ejecuta esa guitarra con furia, pero exhibiendo técnica depurada en las quintas y en un rasgueo efectivo.

- La Playa es uno de esos temas que uno sabe van a marcar época desde los primeros acordes, fue grabada en el estudio Zabriskie Point que como dato cultural es también el titulo de uno de los discos de Pink Floyd, la historia que nos narra es de un desamor, el sitio donde ocurre la desventura es en la playa, un verano que fue una pesadilla, si me acuerdo me duele todavía, la letra como siempre es sincera, la música a destacar el acompañamiento del bajo de Jesús Izquierdo y la percusión siempre efectiva, siempre precisa de Eric Jiménez, Jota canta con su clásico estilo de arrastrar las palabras y con esa voz rasposa y llena de matices, un tema que nos hace recordar aquellas situaciones en que es imposible olvidar a alguien, cuando se le ve por todos lados, el solo de guitarra de Florent Muñoz también es impecable, otro clásico.

- Otro tema clásico llega con Parte de lo Que Me Debes, ese intro con el rasgueo de guitarra es reconocible aún a casi 16 años de distancia, se parece tanto a la canción 5/4 de Real State en la forma en que la melodía se construye con un arpegio, la forma de alternar el rasgueo de Florent Muñoz y luego llevarlo a acordes distorsionados nos hablan de un dominio sobre los pedales impresionante, otra canción desolada y sombría sobre el desamor, sobre el tiempo que no regresa Cuantas veces lo intenté. Y no sirvió de nada. De un millón de formas lo intenté. Y no sirvió de nada, una canción de autoflajelación con una letra directa y sincera, la letra se inspiró en el tema de Rain Parade llamado Kaleidoscope, es una de esas canciones que nos muestran ese lado de sufrimiento intenso que retratan con tanta forma Los Planetas, tienen esa virtud de extraer de una emoción humana como es la depresión letras contundentes y llenas de verdades, en apenas 20 minutos ya eran 4 temas clásicos, Florent Muñoz demuestra su enorme virtuosismo en el manejo de todos los efectos de guitarra de esta canción.

- Un Mundo de Gente Incompleta es una balada rock de altísimo alcance, Jota canta sobre una línea de guitarra de Florent Muñoz, aunque la letra es simple en ciertos aspectos, Jota siempre tiene esa característica de darle una interpretación contundente a los versos a veces hasta nihilistas que escribe, la guitarra acompaña cada verso como si se tratara de una corte celestial, la percusión es lenta, flemática por momentos, de alto impacto en otros, suave pero con intensidad, es uno de esos temas que muestran la forma en que una canción de Los Planetas cambia de ritmo y cambia de escalas de forma repentina, los interludios se acompañan con un compás de 2/4, el intermedio tiene un acompañamiento musical tan impecable que se disfruta a cada segundo, otro tema de leyenda, la letra y su frase final, ven conmigo hay mucho de que hablar

- Ciencia Ficción se parece tanto al tema Get Me de Dinosaur Jr por la forma en que contrapuntea la guitarra con el bajo y la percusión, un estilo hecho casi a la medida para Los Planetas, es una canción de rock llevada poco a poco, construida de tal forma que va detallando su estructura con cada versos, porque seremos cientos, no habrá un lugar seguro, una visión del futuro, es una canción que se puede considerar de transición, un tema que demuestra la sed de trascendencia de Los Planetas, en un disco se estaban jugando su futuro, eso es Ciencia Ficción.

- Montañas de Basura es un tema que inicia con esa guitarra con Wah, la percusión del maestro Eric Jiménez acompaña una guitarra que por si sola es una canción aparte, hay quienes dominan uno o dos efectos pero Florent Muñoz en apenas 7 temas ya demostró dominio sobre la distorsión, el delay, el wah, el reverb, el flanger, casi todo lo que toca lo hace con una maestría y un virtuosismo destacable, es una canción que habla sobre algunas cosas que podemos encontrar por buscar la verdad, un tema que también es de transición y pese a todo es una enorme canción.

- Cumpleaños Total es una canción insignia de Los Planetas, la influencia de Beef con su tema Rebelde sin Caspa y de Skip Steps 1 & 3 de Superchunk en un tema que es absolutamente recomendable, una canción que la letra no aporta nada pero es extremadamente pegajosa, habla sobre las adicciones, específicamente a la cocaína, una época donde Florent Muñoz estaba con serios problemas de drogadicción y sin embargo es de sus temas representativos, la forma de llevar la percusión al límite de Eric Jiménez, el bajo de Jesús Izquierdo y los efectos que salen por todas partes por parte de Muñoz y los gritos desaforados de Jota hacen de éste un tema histórico de Los Planetas.

- Laboratorio Mágico destaca por el bajo muy al estilo de free jazz de Jesús Izquierdo, en cuanto pienso que lo estoy logrando y ahora resulta que he cambiado, reza Jota en uno de los versos de la canción, Florent Muñoz en un estilo muy diferente esta vez, el delay se hace presente para acompañar los versos y en los coros utiliza distorsión para hacer aún más intensa su interpretación, a lo lejos se escucha el teclado con sonido de órgano Hammond que Kurt Ralske interpreta, los sonidos de sirenas de patrullas se hacen presentes, es otro buen tema.

- Toxicosmos tomó frases de la canción Rolling Moon de The Chills, es un tema tranquilo pero que encierra una construcción impecable, Florent Muñoz crea un poema en las seis cuerdas de su guitarra que ve desdoblando con cada rasgueo de su mano derecha, el delay de la una enorme presencia, es casi hipnótico este tema, el bajo acompaña poco a poco una melodía que tiene bastares pasajes casi etéreos, la letra es impresionante, hay frases como para un manual de la vida, existe una que dice Y aunque el cansancio pesa, cada día pesa más, Por favor jamás nos hagas regresar, pasajes armónicos inspirados por las drogas, sonidos que entretejen una trama de emociones.

- Línea 1 es un tema que está inspirado en una canción de New Order llamada Bizarre Love Triangle, un tema de desolación casi al final del disco, una declaración de principios sobre una persona hastiada de la vida y de sus demonios, un exorcismo hecho canción Jota se confiesa sobre sus vivencias, las traslada a la vida de Florent Muñoz, algunas veces solo necesitamos un viaje en autobús, es una canción que está inspirada en los viajes que hacían en la famosa Línea 1 que transcurre por Granada, un tema totalmente personal, introspectivo, triste, desolado, un tema impresionante.

- La Copa de Europa es el tema que cierra el disco, toma casi toda la melodía del tema de Robin Hytchcock and the Egyptians llamado Glass, es una canción que surgió cuando Ronald Koeman le dio al Barcelona la Copa de Europa después de casi 40 años de no ganarla, un tema que cierra un disco lleno de momentos tan buenos

RadioJoshua - Disco de la Semana - Artaud de Pescado Rabioso/Luis Alberto Spinetta

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... El disco más importante del Rock Argentino en voz de uno de los artistas menos valorados, un enorme músico que dedicó toda su vida a explorar sus propios horizontes y límites musicales y personales, El Flaco siempre fue un músico elegante, virtuoso en su ejecución, un letrista destacado y partícipe de todas las etapas del Rock Argentino, desde Almendra, pasando por Invisible, Spinetta Jade, una carrera llena de momentos gloriosos que tienen como punto más alto este trabajo que enmarca un momento clave de su vida artística y personal

Pescado Rabioso/Luis Alberto Spinetta - Artaúd

Para ese artista atormentado, a ti que escribes y tu obra conmueve, tu obra será inmortal y para la posteridad de unos cuantos que verán con sus ojos tu propio mundo ... Para ti Flaco

El puerto de Marsella en Francia es el sitio neurálgico de la segunda ciudad más poblada de Francia, su escudo de armas ostenta su descripción heráldica orgullosamente, en el campo de argén o plata, la cruz del sur, el blasón Marsellés es conocido en todo el mundo e identifica a un puerto que ha sabido mantenerse activo a lo largo de casi 1500 años desde que un grupo de marinos focenses estableciera un centro vinícola en esa región del sur de Francia, Marsella es famosa por su puerto, pero lo es más por el accidente histórico de que en 1792, un capitán de Ingenieros llamado Rouget de Lisle asistió a una reunión con el alcalde de Estrasburgo, en el marco de la guerra Franco Austríaca, la petición de que se escribiera un himno patriótico inspiró a Lisle a componer el Canto para la Guerra del Ejército del Rin, sin embargo no se usó hasta que las tropas del ejército de Los Obligados entraron triunfantes en París entonando ese himno por los Campos Elíseos, al haberse escrito en Marsella los parisinos le denominaron La Marsellesa, se convirtió desde entonces en un cántico de orgullo (y según algunos el cántico patriótico más bello del mundo, que incluso Napoleón Bonaparte dijo acerca de el que habría de ahorrarles muchos cañones), casi 100 años después en ese mismo lugar nacería una de la figuras poéticas más importantes y reconocidas del mundo del arte escrito, Marsella vería nacer en una tarde de septiembre de 1896 a Antonin Artaud, polifacético personaje de las letras que entre sus múltiples dotes fue actor y dramaturgo, para Antonin los sueños eran la realidad, esos sueños se convertían en designios absolutos en un mundo donde lo real muchas veces se enfrentaba a lo imaginario, fue un artista que podríamos citar se encontraba en medio del dedaismo y el surrealismo y sin embargo es considerado más por su trabajo en el teatro, creo una forma de ejercer el arte escénico con su famoso Teatro de la Crueldad, Artaud siempre tuvo una vida difícil por lo que tenía mal carácter y padecía de nerviosismo e irritabilidad extremas, siendo niño padeció de meningitis y tenía visos de paranoia, padecía de neuro sífilis y frecuentaba los hospitales psiquiátricos y padecía de dolores musculares intensos que lo obligaban a ingerir grandes cantidades de fármacos, bajo ese contexto de sufrimiento crónico, Artaud adquiere un aire devoto intenso y a la vez frágil, conoce a André Bretón y queda para siempre marcado por el Manifiesto Surrealista, ya instalado en Paris sufre varios colapsos nerviosos y a la vez estrena en un año cuarto montajes teatrales que son un fracaso rotundo y tras esa caída y en la depresión que le siguieron, escribe la obra que habrá de sustentar las bases del Teatro de la Crueldad, su libro llamado El Teatro y su Doble, la idea de Artaud es dejar marcado al espectador por medio de situaciones inesperadas para llegar a las fibras más sensibles, Artaud logra construir su sello personal en el género, es seguido y admirado por algunos y escribe dos de sus más grandes obras literarias, el arte y la vida quedan retratadas en El Ombligo de Los Limbos y la forma tan increíble de narrar los motivos de un suicida en Van Gogh, El Suicidado de la Sociedad, Artaud vive la vida de forma intensa, escribe por varios años más, diagnostica que vive en una sociedad enferma  por lo que propone su curación por medio de las bases del dadaísmo que alguna vez practica, pero se sitúa mucho más surrealista, más ajeno de lo que vive día a día, para Artaud la vida esta basada en los pensamientos fuera de este mundo, la realidad es sólo un acuerdo entre lo que percibimos y lo que dejamos ser, su vida transcurre entre internamientos y terapia de electrochoques, además del dolor que siempre lo acompañó, escribió un libro que es el centro de este ensayo, en 1934 redacta Heliogábalo, o El Anarquista Coronado (un escrito controversial sobre un emperador romano) esa obra llegó a las manos de un niño que había nacido en Buenos Aires en 1950, uno de esos genios que ya estaba marcado por el destino, sus tíos eran empleados de la multinacional disquera Columbia Récords por lo que desde su tierna infancia ya tenía acceso a la música, un privilegio costoso en esa época,  le tocó vivir en su infancia, el Boom del Folklor Argentino y sin embargo el prefería entrar a escuchar los viejos vinilos de Bill Halley, eran finales de los cincuentas en la República Argentina, eran buenos tiempos, ese niño quien en vida recibió el nombre de Luís Alberto Spinetta habría de ser uno de los personajes centrales del Rock Argentino, habría de formar parte de tantos grupos que dieron vida y sentido a esa forma de escribir el Rock, su primer guitarra se la había regalado un ex defensa central del Club River Plate, el famoso Jose Gomezza y su primer maestro de guitarra había llegado por consejo de su padre quien era un cantante aficionado, después como sucede con los grandes genios se volvió autodidacta, ese niño que había crecido imitando a Louis Armstrong y a Little Richard  ya componía canciones desde los 11 años, a los 14 vivió la beatlemanía, compró el disco Beatles For Sale y su vida adquirió sentido, era el año de 1965 y Spinetta ya había compuesto un tema para la posteridad, a sus escasos quince años ya se estaba convirtiendo en leyenda, compuso plegaria para un Niño Dormido, tema clásico del Rock Argentino, El Flaco, como siempre le apodaron, no sólo es el espíritu de una generación de músicos que innovaron en una etapa en la que el Rock no se hacía de manera tan habitual, también fue un ídolo y una figura venerada desde sus comienzos, a los 16 ya estaba enlistado en 3 grupos, los Larkins, los Sbirros y Bundlemen con quienes estaría años después formando el grupo Almendra, tan peculiar era su forma de componer que lo mismo improvisaba folk que interpretaba una rumba o una samba, sabía jazz y blues y su sonido era elegante y a la vez virtuoso, cuando la vida concede a los hombres el don del talento algunos saben como aprovecharlo y el Flaco fue uno de ellos, a los 17 años Almendra ya estaba considerado el grupo de moda del Rock Argentino, eran la vanguardia, escuchaban lo mismo The Beatles que al entrañable Waldo de los Ríos, interpretaban piezas que eran complejas y exigían cierto nivel del público para entenderlas, en una época en que todo era una copia adaptada al idioma, Almendra fue un oasis en un desierto sonoro del que sólo sobrevivieron ellos y Los Gatos, ese año de 1967 le tocó ver como La Balsa se convertía en un éxito y después le tocó estar cerca de la época de las grandes revoluciones sociales en 1968, fue una época donde ser joven era un pecado en latinoamerica, se enlistó en la abrigadas anti dictadura, fue miembro activo de varios frentes de izquierda, escribió grandes temas con amplio sentido social, a los 20 escribe el primer disco de larga duración de Almendra y adquiere nuevamente el estatus de súper estrella, la portada enigmática de ese disco fue dibujada por el, luego vino una época obscura para el rock, al entrar a la década de los 70's y con la dictadura militar establecida fue difícil seguir haciendo música, fue una época donde las drogas y los vicios llegaron a su vida de forma vertiginosa, regala su guitarra a Pappo y viaja por 8 meses en una especie de retiro espiritual por toda Europa, al regresar forma con otros 3 grandes, David Lebón, Black Amaya y Oswaldo Frascino el grupo Pescado Rabioso, una banda legendaria con la que su imagen de súper estrella y su talento combinado lo vuelven a encumbrar en un país convulsionado por el gobierno de facto,  buscaron un sonido agresivo  y sin embargo sus bases jazzísticas no se lo permitieron, mezclaron acertadamente la psicodélica de la época con las raíces del folk y blues por todos lados, el grupo se separa y Spinetta se quedó con el nombre, David Lebón inspirado y conmovido por la forma en que todo termina le escribe 'Tema para Luis' donde una frase concluye todo lo que Spinetta representó en esa etapa de su vida 'este es el fin de una explicación de amor' Spinetta fue precursor de tantas cosas en el Rock Argentino y fue una de esas figuras enigmáticas y rodeadas por un halo de devoción y fervor por su música, le siguieron otras tantas bandas, Spinetta Jade e Invisible, pero nada fué como antes, el reconocimiento a un artista que estuvo presente en todas las etapas del rock argentino, que se reinventó y que poseía ese carisma que hace que puedan integrarlo en muchos proyectos, de carácter afable,  que componía  verdaderas joyas musicales, exploró una carrera solista a la vez que estaba metido en varios otros proyectos fue querido y respetado por lo que los más grandes, Charly García, Fito Paéz, entre otros tantos le rindieron homenaje y pleitesía en el año 2009 en el estadio del Vélez Sársfield en un momento cumbre del Rock, un concierto que fue llamado Spinetta y las Bandas Eternas, imaginando, como un cuadro pintado por el destino, se suben al escenario David Lebón enfundado en su guitarra, con esos lentes obscuros característicos y su bufanda blanca atada al cuello, David Cuitaia se sienta en el banco de la batería y el maestro Black Amaya toma con su particular estilo el bajo, el público guarda silencio, las luces se apagan y sólo están dos reflectores, uno sobre Spinetta quien empieza a interpretar los primeros acordes de Hola Dulce Viento y el otro sobre David Lebón quien es el que llevará la voz en la canción, el teatro de la crueldad dicta que la mejor forma de tener al público al pendiente de la obra es llevarlos al filo de las emociones, con una interpretación fantástica y ese riff que es a la vez nostálgico y evocador el Flaco interpreta ese himno del Rock, Lebón reza sobre el micrófono 'hola dulce viento, veo claramente en ti, eres como una amiga que se va' el público esta extasiado y la mayoría llora, es el momento de un delirio sentimental colectivo que no ha tenido igual en ningún otro instante del Rock Argentino, más de cincuenta mil personas lloran por la forma en que estos cuatro grandes se han reencontrado y han interpretado uno de sus tantos temas famosos, Artaud tenía razón, lo que más nos impacta es la forma en que se presenta la obra ante nuestros ojos, la vida se ve retratada como una magnificación de las emociones que recrean la percepción de la experiencia, nuestro teatro de la crueldad a veces no lo es tanto, es más bien un teatro de los sentimientos, Spinetta está en lo más alto del cielo del Rock Argentino, creó una obra solista llamada Artaud que rinde homenaje a un personaje atormentado, se inspiró en su vida para que él solo y su guitarra realizaran el mejor disco de la historia del rock Argentino, el teatro no ha cambiado, esta presente cuando miramos al cielo todo lo que amamos.

Pero antes que nada te quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. 

- Luis Alberto Spinetta sobre Artaud -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1973

Discográfica - Talent/Microfón

Productor - Jorge Álvarez y Luis Alberto Spinetta

- Recomendable Si Les Gusta -
Almendra II de Almendra, Desatormentándonos de Pescado Rabioso, El Jardín de los Presentes de Invisible, Alma de Diamante de Spinetta Jade, Los Ojos de Spinetta y los Socios del Desierto, Candiles de Aquelarre, Color Humano III de Color Humano, La Grasa de las Capitales de Serú Girán, Saltaba Sobre las Nubes de Juan Carlos Fontana y Peluson of Milk de Luis Alberto Spinetta

     

Título del Disco
El disco esta dedicado a la memoria de Antonin Artaud quien fue uno de los escritores franceses más importantes del siglo XIX y que además es considerado el padre del Teatro moderno.     

Portada del Disco

La portada tiene muchas particularidades, para empezar no es una portada cuadrada, es octagonal con los bordes afilados, esta diseñada sobre un fondo verde y una mancha amarilla en la esquina derecha y un pequeño retraso de Antonin Artaud  en ese mismo lugar, los colores obedecen a la siguiente referencia sobre Artaud ¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte. El verde para la resurreción y el amarillo para la descomposición, la decadencia?


Tracklist


1.    Todas las Hojas Son Del Viento  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Cementerio Club (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Por (Recomendación 4 Estrellas)
4.    Superchería (Recomendación 4 Estrellas)

5.    La Sed Verdadera (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Cantata de Puentes Amarillos (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Bajan (Recomendación 4 Estrellas)

8.    A Starosa, El Idiota (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Las Habladurías del Mundo (Recomendación 4 Estrellas)

Track By Track Momentos Cumbres

- Una oda folk propositiva abre el disco con la canción emblemática de una época donde Luís Alberto Spinetta era el poeta de una nación, él junto con David Lebón tenían una característica, ser unos letritas consumados, Todas las Hojas Son del Viento es una canción llena de matices y arreglos folk que nos recuerda los primeros años de Bob Dylan o a Johnny Cash y un sentido poético estilo Victor Parra, la letra de la canción es sencilla, casi minimalista y roza momentos cumbre cuando en su estribillo dice una frase que fué mencionada en la canción Aún Sigo Cantando de los Enanitos Verdes, Todas las hojas son del viendo, ya que él las mueve hasta la muerte, dos voces superpuestas de Spinetta donde da ese efecto de estar cantando consigo mismo y su guitarra acústica que construyó una melodía impecable, el solo del final también es memorable, la fragilidad de la experiencia humana y de la vida misma está cantada en esta enorme pieza.

- Un clásico llega con el segundo tema, Cementerio Club es un blues de doce barras con un acompañamiento de síncopas en la batería que le da más bien un matiz jazzístico, la letra habla de un hipotético cementerio de músicos muertos, tiene dos frases que son para la posteridad Justo que pensaba en vos, nena, caí muerto y Qué solo y triste voy a estar en este cementerio, qué calor hará sin vos en verano, el punteo de los interludios sirvió de inspiración para el solo de la canción Te Para Tres de la versión Unplugged de Soda Stereo muchos años más tarde, es una canción muy al estilo de Almendra, grupo seminal del rock argentino que lo integraron Emilio del Guercio, Luis Alberto Spinetta, Rodolfo García y Edelmiro Molinari quienes marcaron una época con ese grupo y que tenía siempre esa influencia del jazz clásico, Cementerio Club es de esas canciones que encantan por el simple hecho de que al ser construidas sobre una base de blues la improvisación es clave para el desarrollo de la misma, Spinetta nos demuestra su dominio sobre ambos géneros, un músico superdotado.

- Por es una canción muy corta, es un arreglo de guitarra que recita un verso extremadamente alegórico, una letra inspirada en la alegoría surrealista del Cadaver Exquisito del que Artaud también hacía referencia, es una composición en secuencia como lo hacía en la poesía Federico García Lorca o Pablo Neruda, una idea que va agregando elementos nuevos con cada frase o verso y así sucesivamente, Por es una canción que habla sobre la relación de Spinetta y Patricia Salazar con quien estaba unido en ese momento de su vida y con la que procrearía 4 hijos, adapta las palabras que va narrando sin una lógica establecida, por ejemplo la palabra gesticulación llega ahí porque sigue la métrica únicamente, es una de esas composiciones que nos hacen pensar el gran nivel artístico que tenía encima Spinetta, un poeta auténtico que emplea las palabras por su duración y para que encajen en los compases, que entren por la forma en que se articulan los versos, algo arriesgado para la época, pero es otra genialidad que encontramos en Artaud.

- Superchería es un tema que está integrado por tres temas a la vez, un vals inicial, un intermedio de rock y un jazz swing en los interludios, la palabra Superstición se repite una y otra vez con algunos monosílabos mezclados, sin embargo no es un tema a descartarse, al contrario, la forma en que se integran las tres partes es a destacar, en esta pieza Spinetta se hace acompañar de Rodolfo García en la batería y de Emilio del Guercio en el bajo, es un tema que semeja mucho a la canción Figuración de su etapa con Almendra.

- Las luces que saltan a lo lejos, no esperan que vayas a apagarlas jamás es lo que Spinetta dedica a su público en su enorme tema La Sed Verdadera, es solo Spinetta con sus guitarras acústicas y eléctricas en una especie de diálogo con aquellos que esperaban encontrar la salida de sus problemas con sus temas y que lo habían elevado el estatus de ídolo, esa especia de conversación personal al estilo de Rayuela de Julio Cortázar, abre tu mente al mundo y las guitarras con sonidos grabados de fondo, un tema impresionante.

- Una suite de 9 minutos, el auténtico punto neurálgico del disco es Cantata de Puentes Amarillos, surrealista, lleno de virtuosismo, inspirado en el libro de Heliogábalo de Antonin Artaud y en lo forma en que pintaba Van Gogh, Spinetta expresó su solidaridad con todos los marginados del mundo, es una canción impresionante, a lo largo del tiempo que dura va transcurriendo por tantos pasajes que es admirable la forma en que se construyó sobre una base acústica el resto de los arreglos, toda la letra es simbólica en todos los aspectos, la sangre es en referencia a la oreja cortada de Van Gogh y a la forma en que asesinaron a Heliogábalo, los puentes amarillos son una forma de mencionar la pintura de Van Gogh, la forma en que enlaza los acordes es por si misma increíble, cambia de forma, transmuta es todo menos pop, es una canción que nos obliga a pensar, que nos exige cierto nivel de conocimiento previo, emparentada en su construcción con Crisálida de Pescado Rabioso 2, A Day in The Life de The Beatles, tiene tantas frases tan surrealistas que es imposible separar la canción en partes, es mejor escucharla poco a poco y adentrarse en los instantes llenos de virtuosismo que encierra, 'nunca la abandones, puentes amarillos', Spinetta en pleno, Spinetta exorcizando sus demonios, llevándonos a pasajes oníricos de la mano de su guitarra, la realidad política de su país en los 70's y todo el armamento de recursos musicales que poseía, Cantata de Puentes Amarillos es sin duda una de las mejores canciones del Rock Argentino de todos los tiempos.

- Bajan es la canción mas comercial del disco y sin embargo no deja de ser una canción cuya construcción melódica es impecable, una forma de denominar a la vida transcurriendo con prisa, a veces sin detenernos a pensar en nada, un tema de rock que grabó con su hermano Gustavo Spinetta y su entrañable amigo ex Almendra, Emilio del Guercio, un tema hasta cierto punto hippie, el solo de guitarra del final es festivo, se nota la influencia de Billy Halley en la forma que construyó el solo.

- A Starosta, El Idiota, es una canción enigmática, Starosta eran una figuritas con las que Spinetta jugaba siendo niño, el Idiota hace referencia a como le apodaban a Antonin Artaud, al que Claudio Roy le llamó El Idiota Sagrado, es una canción armada en 4 partes, la primera supuestamente interpretada por Spinetta al piano aunque no aparece en los créditos del disco, la segunda parte una especie de Revolución 9 de The Beatles donde se aprecia inclusivo She Loves You y el llanto de una mujer, la siguiente parte es Spinetta con su guitarra acústica en un patrón melódico diferente, otros acordes y otro ritmo, es una canción que acaso sería la única o la más floja del disco, aún así es un extraordinario tema.

- Un tema impecable cierra esta obra de arte, Las Habladurías del Mundo es un tema latinizado por la influencia que había ejercido Carlos Santana en una etapa de la vida musical de Luis Alberto Spinetta, utiliza recursos como la imitación de la voz con la guitarra, que usaba muy comúnmente George Harrison, es un tema que engloba una obra llena de momentos destacables, es un disco que tiene como principal virtud ir en contra de todo y no aportar éxitos, sino una obra total.

En Octubre ... los Top 10 de RadioJoshua

Un regreso esperado por todos los que ya nos seguían desde MySpace y en BlogSpot 
Un regreso como aquellos regresos de Joe Montana

Los Top 10 de vuelta

RadioJoshua - Disco de la Semana - Senderos de Traición de Los Héroes del Silencio

RadioJoshua en su sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los sentidos ... Desde Zaragoza, España, el segundo disco de una de las bandas emblemáticas de esa región, una obra que puede considerarse su punto creativo más alto, un trabajo introspectivo, lleno de símbolos y de sonidos que se fusionaron en un material que contiene varios de sus grandes temas, exploran sentimientos como la ira, tristeza, frustración y la melancolía, un obra con matices góticos, rock en su más puro estado, hard rock y hasta pasajes pop, un disco que los dejó posesionados como una joven promesa dentro de la escena rock Española de inicios de los noventa

Héroes del Silencio - Senderos de Traición

Para ti que escribes sin saber por el gusto de hacerlo y compartirlo, por todo aquello que te inspira y te conmueve...

Dicen que empezó a escribir y el mundo se llenó de simbolismo, era una época distinta, el escritor debía convertirse en un vidente por medio de un largo camino para desordenar poco a poco sus sentidos, un proceso que habría de cabiarle la vida y que tendría que ir narrando con el paso de la tinta y las hojas, él mismo lo había comprobado desde su infancia en Charleville, cerca de las Ardenas, a unos pasos de los bosques densos e impenetrables de la región septentrional de Francia, fue el más grande poeta francés de su tiempo quien inició su vida literaria a la corta edad de ocho años cuando compuso sus primeros sonetos y versos, a los 12 ya escribía en latín, escribía con tal realidad de sus miedos y fobias internas que conmovió a sus contemporáneos, tuvo un paso fugaz de solo unos años en el mundo literario y en el de los mortales, ese genio se llamó Arthur Rimbaud sería recordado por esa capacidad genial de escribir sobre todo lo que veía e imaginaba, una mente llena de recursos para la narración que habría de influenciar el mundo de las letras francesas por dos siglos, Victor Hugo se refirió a el como el Pequeño Shakespeare, de él se desprenden nombres como André Bretón, Henry Miller, William S. Borroughs, músicos como Bob Dylan, cineastas como Pierre Paolo Pasolini, esa mente inquieta de un niño de la campiña francesa que fue educado bajo la instrucción militar al estilo Napoleón Bonaparte por su padre y quien tuvo en Paul Verlaine al amor de su vida, esa persona que fue adicto al absentha y al hachís y que vivió varios años en la calle, que consideraba que el mundo era un misterio por descifrar, al crear el Simbolismo el mundo ya no sería el mismo porque las escenas de la naturaleza, las acciones de los seres humanos, tanto emocionales como físicas y todo el resto de fenómenos existentes no serán nombrados para expresarse a sí mismos; serán más bien plataformas sensibles destinadas a mostrar sus afinidades esotéricas con los ideales primordiales, esos ideales como el amor y la redención, la fe y la espiritualidad individual habrían de considerarse esenciales para vivir en un mundo hostil y decadente pero que encierra encanto y esperanza, Rimbaud habría de ser influenciado por otro personaje de las mismas características, un artista de la palabra llamado Charles Baudelaire, un hombre de vida bohemia y de excesos, influenciado por Edgar Allan Poe y por Theophile Gautier, que lo mismo escribía poesía y criticaba a los clásicos de la música como Richard Wagner, de un estilo único que oscila entre lo sublime y lo diabólico, entre lo elevado y lo grosero, entre el ideal y lo angustiante, su obra Las Flores del Mal se convierte en la antítesis de las buenas costumbres, le valió una condena por inmoralidad porque encuentra la belleza en lo más bajo y degradante del género humano, en todos sus vicios y sus pecados, siendo señalado como el más grande de los poetas malditos, un alma trágica que se trató de ganar la vida retratando las malas costumbres, con un estilo único, avasallador, difícil de entender, una lectura que quedó para la posteridad y que fue retomada por toda la cultura beat de Nueva York de los años 50's, esos autores vieron en la obra de Baudelaire una enorme fuente de inspiración,esa generación de músicos y escritores a los que Herb Caen bautizó bajo ese apelativo tan despectivo al no consideradlos artistas norteamericanos, bajo esa etiqueta fueron mostrados como la alternativa a toda la parafernalia europea bohemia, Allen Ginsberg, Jack Kerouac y William Borroughs elevaron sus nombres a un pedestal por esa forma tan directa de retratar los vicios de una sociedad en los tiempos de la guerra de Vietnam, eran otras épocas, memorias de un tiempo lejano que no nos tocó vivir y sin embargo aún resentimos sus secuelas, una ideología lejana que parece seguir el lema de que la forma sigue a la función como estableció la escuela de la Bauhaus a inicios del siglo y de la que derivan tantas formas de arte y diseño, con una enorme influencia en la música, sobre todo en un grupo que fue pilar de la música británica de los asó 70's y 80's, esa banda se llamó The Cult, con raíces punk y de psicodelia fueron la banda que mas habría de influenciar a un joven de la provincia de Zaragoza en España, su padre, medico de profesión, le había comprado una batería de medio uso la cual había aprendido a tocar y sin embargo escuchó el llamado de las cuerdas y se habría de convertir en uno de los guitarristas más icónicos del Rock Español, ese joven que en vida se llama Juan Valdivia, construyó un estilo tan característico en la escena española que sus composiciones y su forma de tocar son únicas, en el año de 1981 formó junto con su hermano y un primo la banda Zumo de Vidrio, la escena rock de Zaragoza de inicios de los 80's incluía también, al grupo que formaba uno de los músicos jóvenes mas reconocibles de la región, ese grupo que llevó por nombre Proceso Entrópico tenía en la voz a Enrique Ortiz de Landázuri, quien años más tarde cambiaría su apellido a Bunbury, los hermanos Valdivia fueron los sobrevivientes de una época donde no se encontraba mucho rock en España, sin embargo tenían como influencia notable a los grupos de la escena rock británica como New Model Army y The Cult, leían a los autores de la generación Beat y se sabían la obra de los poetas malditos, es en esos libros que cambian su nombre a uno que los haría famosos, se hacen llamar los Héroes del Silencio después de una controversia con una de sus primeras canciones que se llamaba Héroe de Leyenda, titulo adoptado de la lectura de Paul Verlain, ese grupo efímero se convirtió en la semilla de Héroes, se les uniría el talento de un bajista de Calatayud, el maestro Joaquin Cardiel con ese sello tan particular y el baterista Pedro Andreu quien habría de estar con ellos en dos etapas distintas, así el 16 de diciembre de 1984 se presentaron por primera vez en su natal Zaragoza, un lugar apartado de todo lo que en Madrid        se estaba produciendo musicalmente hablando, en Zaragoza no encontraron obstáculos, dominaron un lugar que no era conocido por sus artistas de rock, era más bien conocido por otras virtudes artísticas y sin embargo supieron moverse dentro de su lugar de origen, sus letras siempre fueron inspiradas en los clásicos, Baudelaire les aportó su espíritu decadentista que fue tan utilizado en las primeras canciones que grabaron, de William Blake tomaron sus poemas como El Camino del Exceso, Bunbury cambió su nombre por un personaje de la obra de Oscar Wilde de la obra de teatro La Importancia de Llamarse Ernesto, La Sirena Varada, título de una de sus canciones está tomado de un texto de un escritor eminente de la Generación del 27 llamado Alejandro Casona y Pablo Neruda con su poema Opio del Oeste inspiró su canción del mismo nombre, es notable la forma en que construyeron su carrera comenzando desde España, se fueron extendiendo en Europa y el salto hacia nuestro continente se dio casi de forma natural, Héroes del Silencio es uno de esos grupos que el tiempo volvió clásicos, siempre mostraron blasones de calidad interpretativa quizás no con la elocuencia de otros grupos de Rock Españoles que no lograron tener el éxito mediático y que musicalmente eran más complejos y pro positivos, menos arrogantes, más arriesgados e incluso más sinceros en cuanto a su propuesta y pese a todo nadie puede negar un legado que comenzó a gestarse mucho tiempo atrás, hace más de 30 años en esa región del centro de España (muy cerca del Rio Ebro) que fue asediada por los ejércitos de Napoleón durante la Guerra de la Independencia, el bisabuelo de Arthur Rimbaud estuvo en una de las batallas (por las que a Zaragoza se le conoce como La Heroica) pese a que se firmó ahí mismo la capitulación en 1809, habían pasado casi 200 años para que una revolución musical sucediera en ese lugar, mucho tiempo después se dio esa explosión de rock en los famosos teatros de la ciudad, como la Sala Oasis, la Casa del Loco y la Sala Reset, nadie sueña con la eternidad, a todos se nos ha enseñado a soñar a pequeños pasos y ese espíritu de trascendencia inunda la mayor parte de nuestras mentes, los autores del Simbolismo que influenciaron las letras de Héroes del Silencio tomaron como molde la mayor parte de los sentimientos más humanos y los dotaron de condiciones que los mostraban más cercanos a nosotros, a veces tan difíciles de entender los sentimientos y los valores cambian de acuerdo a nuestras circunstancias, esa transmutación, tangible en las obras decadentistas nos ubica dentro de un mundo donde las emociones juegan un papel importante en nuestras vidas, William Blake lo enarbola en su famoso soneto de una sola cuartilla titulado Eternidad 'Quien así encadenare una alegría, malogrará la vida alada, pero quien la alegría besare su aleteo, vive en el alba de la eternidad'

Siempre he compuesto letras, incluso cuando no cantaba. Son muy individualistas, intento expresar en ellas lo que llevo dentro. (...) La mayoría de nuestras canciones hablan de la duda y por lo tanto hay frases que no tienen mucho que ver unas con las otras. (...) Hay gente que opina que nuestros textos no quieren decir nada, es que no consiguen identificarse, o que simplemente no les llegan. (...) Nosotros no somos graciosos, escribimos sobre sentimientos y no sobre historias concretas
- Enrique Bunbury -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1990

Discográfica - EMI

Productor - Phil Manzanera

- Recomendable Si Les Gusta -
Zumo de Vidrio de Zumo de Vidrio, The Art of Waiting de Alan Boguslavski, La Forma de mover tus Manos de Elefantes, Los Chulis de Los Chulis, Bushido de Bushido, Quiero Hacerte Gritar de Los Piratas, El Ángel de Raphael, Miren Iza de Miren Iza, Mensajes al Viento de Niños del Brasil, Como Me Acuerdo de Robi Draco Rosa y El Manifiesto Desastre de Nacho Vegas 

     Después de su disco debut, Héroes del Silencio enfrentaron el reto de realizar su mejor obra con la ayuda de uno de los productores más famosos de la escena del rock, el gran Phil Manzanera ex guitarrista del súper grupo Roxy Music fue el genio encargado de extraer toda la esencia del grupo en el estudio de grabación, fue editado en los estudios Kirios de Madrid propiedad de la multinacional EMI y mezclado en Suiza en Zúrich, Keith Bessey fue el encargado del sonido tan directo y contundente en aquel año de 1990, es una obra que muestra un grupo completamente acoplado, aunque algunas canciones fueron concebidas varios años antes el material que se obtuvo de esas sesiones de grabación desde 1989 dejó de lado varias versiones inéditas de algunas canciones, mismas que fueron lanzadas en el álbum Rarezas (las maquetas y demos que se tenían de algunas composiciones fueron resguardadas por mucho tiempo), en una época donde el pop reinaba las estaciones de radio, Senderos de Traición aportó una fuente de inspiración para varios grupos que precedieron esa época de Rock Español, fue una influencia notable por muchos años y nunca más se logró una obra tan completa en la discografía de los Héroes del Silencio, se trata sin duda alguna del mejor trabajo de la agrupación, fue nombrado como el segundo mejor disco de la historia del Rock Español y es una obra obligada cuando se habla del legado del Rock Iberoamericano.

Título del Disco
      Senderos de Traición es un título con toda la carga de Simbolismo por la influencia que tuvieron los músicos con la vertiente simbólica desde Rimbaud hasta Baudelaire.

Portada del Disco

    La portada es icónica, es una imagen del grupo sobre un fondo blanco y el emblema formado por dos dragones y una cruz, obra del Estudio Pedro Delgado


Tracklist


1.    Entre Dos Tierras  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Maldito Duende (Recomendación 4 Estrellas)

3.    La Carta (Recomendación 4 Estrellas)
4.    Malas Intenciones (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Sal 

6.    Senda (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Hechizo (Recomendación 4 Estrellas)

8.    Oración (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Despertar (Recomendación 4 Estrellas)

10.  Decadencia 

11.  Con Nombre de Guerra (Recomendación 4 Estrellas)
12.  El Cuadro II

Track By Track Momentos Cumbres

- El disco abre con una canción que se reconoce desde sus primeras notas, Entre Dos Tierras y ese intro con acordes de la guitarra del maestro Juan Valdivia con ese delay y el chorus tan característico, se tienen que esperar casi 5 segundos desde el inicio de la canción para ese memorable inicio, esa forma de encajar las repeticiones del delay en un compás de 4 cuartos es magistral, se repiten ese círculo de guitarra hasta que entra la batería del gran Pedro Andreu con una percusión que se escucha tan fuerte e intensa y realza aún más el sonido de la guitarra, el bajo de fondo del maestro Joaquín Cardiel nos da esa impresión de que estamos ante una estampida de toros salvajes, es casi un martillo que percute poco a poco los oídos y nos prepara la escena para que Enrique Bunbury comience a recitar los versos con ese fraseo al estilo de Raphael, no es Jim Morrison aunque muchos así lo vean, es solo un cantante barítono con un estilo que siempre ha oscilado entre el cantante clásico de bodevil y el intérprete de Rock, es en esa pose que se sitúa siempre, ese aire de misticismo de la canción sumado a lo grandioso del solo de guitarra de Valdivia ponen a Entre Dos Tierras como una canción que ya es memorable desde que inicia hasta que termina.

- Un arpegio de cuerdas anuncia la segunda canción, una balada pop de largo alcance, Maldito Duende nos sitúa en una dualidad bastante elocuente, una expresión retórica de estados de ánimo contradictorios, habla sobre la grandeza y la decadencia, existen muchas versiones al respecto y musicalmente es una joya, a través de los minutos va desdoblando su esencia, esos interludios con los acordes arpegiados de forma magistral por Juan Valdivia que solo le añade un poco de chorus a su guitarra, nos muestran su enorme capacidad de lograr pasajes armónicos complicados de imaginar, los coros también son sobresalientes, pero los interludios son lo más destacable, la batería de Pedro Andreu sabe marcar esos lapsos donde el ritmo es parsimonioso y aquellos donde se debe ir en pandemónium, es una canción que se intrepreta siempre porque tiene esa cualidad de los clásicos, nos remonta a una época donde la metáfora se vuelve indispensable para la expresión de símbolos e ideas abstractas donde las palabras no alcanzan para describir todo lo que se vive.

- Un diálogo entre el bajo de Joaquín Cardiel y la guitarra de Juan Valdivia enmarcan el inicio de La Carta, una canción con una notable influencia en las composiciones de The Cult, pero también hay mucho de Peter Frampton en esa guitarra de Valdivia, se nota también la influencia de Mark Knopfler en la forma de interpretar los fraseos de la guitarra, es una pieza que se fue armando poco a poco con una base rítmica llena de profundidad, un ritmo clásico de 4/4 y unos interludios bien logrados con esa melodía de guitarra, la letra habla sobre el final de una relación con puntos suspensivos, algo que parece no tener final, nostalgia y varias evocaciones a la tristeza, una canción que Enrique Bunbury interpreta de una forma muy sensible, otro clásico.

- El intro de Malas Intenciones es impresionante, los arpegios de guitarra de Juan Valdivia se vuelven a hacer presentes desde el inicio de la canción, la percusión que marca en sus platillos Pedro Andreu sirven de marco para después entrar con las sección de tarola, muchas cosas a destacar sobre la letra, una diatriba con una carga sentimental intensa, no me importa lo que pienses sin duda no me entero ya, es una de esas líneas intensas de la canción que definitivamente llega a lo más profundo del subconsciente, los coros también son a destacar pues Joaquín Cardiel contribuye con una parte vocal en este segmento de la pieza, hay un interludio donde se repite el arpegio y alcanza tintes épicos al entrar al segundo verso, el cual también destaca por su melancolía y ahora se que no comprendes, no tenemos nada en común, la parte del solo de Valdivia destaca por la utilización de delay lo cual añade aún más profundidad en su interpretación, existe otra línea que tiene una carga de nostalgia inmensa quisiera no pensar más de un segundo en ti, esta es una de esas piezas que son memorables, no solo porque musicalmente son muy llamativas, también hay que señalar el hecho de que puede adaptarse a varias situaciones desde una venganza hasta una plegaria de compasión, como sea es una de las canciones que más interpretaban los Héroes en sus giras y que definitivamente está grabada en la memoria de muchos de nosotros como parte del soundtrack de nuestras vidas.

- Sal es solo una breve introducción para una pieza memorable, la voz de Enrique Bunbury a la que se le añade un eco

- La guitarra con delay y Flanger de Juan Valdivia anuncia una percusión que semeja una estampida, el bajo de Joaquín Cardiel acompaña la percusión de una manera formidable, esa alegoría del inicio de un nuevo camino nos sitúa entonces en una disyuntiva, dar o no dar ese paso, Senda es una canción con tintes épicos en los coros, en los versos se nota siempre esa carga de simbolismo que acompañaba a las composiciones de los Héroes del Silencio, hay muchos pasajes que se distinguen por esa forma tan característica de escribir, hay momentos que denotan una lectura profusa e intensa de los libros del simbolismo francés como Rimbaud y Verlaine, hay también instantes de Baudelaire, también hay un final como pocos, los coros que se repiten una y otra vez para dar paso a esa guitarra de Valdivia que ya nos ha hipnotizado a lo largo de todo lo que va del disco, es el alma del grupo, todo se construye alrededor de esa forma de intrepretar la guitarra.

- Hechizo es una canción que habla sobre las drogas, sobre ese efecto alucinante de ciertas sustancias, desde el intro con esas dos notas que se repiten de forma intensa, la percusión de Pedro Andreu no hace más que enmarcar un estado alterado de conciencia, no es la primera vez que me encuentro cerca de conocer la locura dice la primer parte de los versos, brazos agotados, evocaciones de imágenes que están por todos lados, la canción en sí misma ya es un alucine, es como sumergirnos en un viaje donde la percusión nos lleva con ese ritmo frenético a otro lado, al espacio exterior, la guitarra tiene varios momentos importantes, la voz de Enrique Bunbury viaja a una velocidad intensa, Hechizo es de esas canciones que se quedan grabadas en la memoria, hay una frase que es contundente a este hecho ganar o perder se que nunca me importa, lo que embruja es el riesgo y no a donde ir, enorme canción.

- Una plegaria, un grito de ayuda es el que llega con Oración, es un tema lleno de belleza y elegancia, nos envía a otra época, es una memoria de alguien que ha sufrido y nos comparte esa angustia envuelta en celofán para que sea menos doloroso escuchar esos lamentos, el intro de guitarra es impecable, es prístino y lleno de matices, esa percusión en 3/4 donde se agrega el bajo para armar una estructura de melancolía en el ritmo, la guitarra construye pasajes complicados una y otra vez y se desenvuelve hasta formar acordes en los interludios que al ser tan evocadores no llevan letras, las notas son las que hablan poco a poco, hay tantas frases que son intensas no hay oración capaz de decidir por mi es una de esas frases que se volvió épica, es una de esas joyas que suceden de vez en cuando, a veces cuando nuestra capacidad humana no nos da para encontrar respuestas se recurre a alguna respuesta en otro lado, el solo de guitarra es a la vez intenso y lleno de fuerza, es una de esas canciones que nos dejan pensando en la posibilidad humana de la redención, de la búsqueda del bienestar propio pese a las circunstancias.

- Despertar es otra enorme canción, todo se olvida al despertar una vez más recita Enrique Bunbury en los coros de la canción, una evocación al mar como sucedió desde su primer disco El Mar No Cesa nos ubica en un entorno portuario donde la guitarra de Juan Valdivia comienza a trazar instantes como oleaje intenso, como ya es su costumbre esos arpegios a toda velocidad lo distinguen en los inicios, soñar entre arena y espuma es otro fragmento destacable, la canción habla también del perdón, de esa facultad humana de olvidar a quien nos hizo mal dolosa e inconscientemente, la pieza tiene una furia y un ritmo que nos hacen sentir una tempestad de guitarra, bajo y batería y la interpretación vocal que termina por completar una canción redonda, otro clásico.

- La canción con más tintes de Rock llega hasta Decadencia, de los últimos temas del disco, es un rock clásico con una guitarra con abundante distorsión por parte de Juan Valdivia y una percusión a un ritmo que nos recuerda las épocas del Hard Rock, es un tema de transición con una letra metafórica muy compleja de entender, es un tema que nos enseña el camino hacia el final del disco, un tema absolutamente prescindible. 

- Con Nombre de Guerra es una canción sobre una prostituta como hay muchas en el Rock, hay tantas y de diversos estilos, como Roxanne de The Police, Charlotte The Harlot y 22th Acacia Avenue de Iron Maiden, Dixie de Dildo, Vendedora de Caricias de Panteón Rococó, Pretty Tied Up de Guns & Roses, Your Shamefull Heaven de My Dying Bride, An Erotic Alchemy de Moonspell, La Calle es su Lugar de GIT, Bad Girls de Donna Summer, Three Wooden Crosses de Randy Travis, 53rd y 3rd de The Ramones, hay tantas y tantas que es un tema ciertamente no tan ajeno al rock, en esta pieza de Heroes hay varias cosas que son destacables como todos los pasajes armónicos que construye Juan Valdivia con su guitarra, desde los acordes, los arpegios en los versos, el solo de guitarra que es tan limpio, esta canción muestra la mano de Phil Manzanera para la producción aumentando la carga de guitarra y reduciendo el resto de los instrumentos, tal como sucedía en sus producciones con otros grupos latinoamericanos.

- El Cuadro II es la última pieza del disco, es un tema que culmina una etapa creativa que no tuvo otro momento igual con Héroes del Silencio, ningún otro trabajo superó este disco y llegó en un momento ideal, en el Cuadro hay evocaciones artísticas muy bien logradas, pero no deja de ser el tema que cierra el disco.