RadioJoshua - Disco de la Semana - Cabaret Mañana de Juan García Esquivel

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... Un ídolo más allá de nuestras fronteras, padre del Lounge Music, un género que fue explorado a través de la prodigiosa mente de un hombre dedicado en cuerpo y alma a la música, construyó una historia que transcurrió por tantos pasajes sonoros que es imposible entender la música actual sin su enorme legado, series de televisión, películas, jingles de comerciales, un pequeño y tal vez insignificante homenaje a un hombre cuya obra puede equipararse a la de los más grandes genios musicales del siglo XX, un orgullo de México, legado de nuestro país al mundo, un prodigio y un baluarte musical para la posteridad, el más grande músico mexicano del siglo pasado, en un pequeño espacio dedicado a su obra.

Juan García Esquivel - Cabaret Mañana

En el siglo VIII, la sal que llegaba a la Europa Central se transportaba por el río Salzach a lo largo del territorio Suizo, en esa época los mercaderes debían de conducir el preciado producto junto con plata y especies por los intrincados ríos del centro del continente a través de ese afluente del Danubio, ahí floreció una ciudad por el enorme comercio que se desarrollaba, a esa ciudad se le llamó Salzburgo, tiene al río en una orilla y a los Alpes en la otra en un paisaje de ensueño, el ambiente templado de su clima contrasta con fríos inviernos y veranos cálidos, su tradición eclesiástica siempre ha sido notable y en el centro de la ciudad se encuentra la Abadía de Nonnberg, primer monasterio femenino del mundo y la imponente Catedral de Salzburgo, joya del arte barroco del siglo XIV cuyo campanario habría de anunciar una mañana de Enero de 1756 el nacimiento de una de las figuras más importantes de la historia de la música, esa fría mañana invernal, las campanas de la catedral repicaron con su acostumbrado ritmo de epíclesis al inicio de la liturgia y en una calle de la ciudad nacía el séptimo hijo de un profesor de música del arzobispado, tal vez como una premonición se repetía el repique del campanario por varias veces más durante la mañana, ese día nació un prodigio de la humanidad, ese día Leopold Mozart vería al único hijo que le sobreviviría a los primeros años y que le haría compañía a su hermana Nannerl, ese día vería la luz por primera vez Wolfang Amadeus Mozart, la más eminente figura de la música clásica y una de las mentes más brillantes que han pisado esta tierra, aprendió a leer música a los 2 años y a los 4 ya interpretaba canciones sacras en el clavecín, instrumento que domino a la perfección a los 6 años, desde los 5 ya componía piezas que pueden considerarse primeros esbozos de su altísima noción del arte musical, padre e hijo fueron una mancuerna de educación musical y religiosa, Leopold consideraba que su hijo era un milagro y pretendió siempre presentarlo ante la corte Austriaca de donde se convirtió en el músico preferido desde sus 12 años, uno a uno fueron cayendo rendidos ante su arte los más importantes reyes y emperadores de Europa, Maximiliano III Rey de Alemania lo proclamó músico de la corte, en 1763 conoce a Johann Sebastian Bach y le rindió pleitesía y honores, José II de Habsburgo le rindió homenajes reales durante su estancia en Praga, Luis XV lo recibió con toda la parafernalia que el Palacio de Versalles podía ofrecerle, Georgio Alleri lo presentó a escondidas en la Capilla Sixtina en una presentación clandestina donde Mozart (poseedor de oído absoluto) interpretó ante el Papa Clemente VI las obras completas del cannon de Alleri ante el asombro de la orden del Vaticano, fue nombrado Caballero de la Orden la de Espuela de Oro, con solo 14 años Mozart era la figura más importante de la música en el mundo entero, fue el hijo predilecto de Salzburgo, un personaje admirado por sus dotes artísticas pero más reverenciado por su calidez humana, fue idolatrado y el final de sus días contrasta con tanta fama que adquirió a base de explotar su talento y de imaginar mundos distintos a los que la música estaba acostumbrada, el niño rebelde de la música clásica que re definió la forma de componer para siempre, en el último año de su corta vida, Mozart escribió la Flauta Mágica, tenia 36 años y una extraña enfermedad terminó con el genio una tarde lluviosa de diciembre de 1791, pálido y débil había caído postrado desde un mes antes, económicamente devastado, había escrito alrededor de 700 obras, muchas de las cuales apenas están empezando a comprenderse, un músico adelantado a su tiempo que vivió de cerca la fama en una época donde ser músico era sinónimo de talento casi divino, a las 2 y media de la tarde del 5 de diciembre de 1791, la Catedral de Viena repicaría con su tono de réquiem en un pequeño funeral, tal vez insuficiente para recordar su grandeza, a su cuerpo se le atavió con la vestimenta masónica, túnica negra y capucha, fue enterrado en una fosa comunitaria, ese día moría el hombre y nacía la leyenda musical más grande, ese día las campanas habían de doblar por última vez con el cuerpo envuelto en su mortaja negra al aire libre ante una multitud que expectante, ante los sonidos de 22 campanas que al unísono repicaban en un tono de tristeza y nostalgia, la muerte del más grande ídolo musical antes del Siglo XX, curiosa es la vida que entrega el reconocimiento hasta después de la muerte, extrañas formas de ser justa y muy diversas maneras de convencernos del verdadero valor artístico de algunos genios que permanecen escondidos, no solo las campanas de Viena repicaron una tarde por un genio musical de hace 300 años, aquí en México el mismo timbre de la epíclesis habría de resonar por todo el cielo de la pequeña ciudad de Taxco por un hombre cuya vida permanece aún en el ostracismo colectivo porque no se le menciona en los libros ni en las biografías, tampoco es tema de conversación cotidiana, mientras el colectivo se asombra ante las efigies musicales vigentes, muchas de ellas plásticas sin ninguna virtud, se olvida que en nuestro país existió un personaje que fue idolatrado más allá de nuestras fronteras, fue ejemplificado como un personaje tan importante para la música cuyo legado es la creación de todo un género y que había de pasar a la posteridad por su notable sentido del ritmo y de los matices que la música puede ofrecer, fue el padre de la música Lounge (música de elevador como lo llaman las mentes simples), fue el creador en los años 50's de los primeros esbozos de la música electrónica, hizo de su orquesta el espectáculo más visto por 15 años en la ciudad de Las Vegas, ni siquiera Elvis Presley llevó tanta gente a sus presentaciones, dicen quienes lo vieron en los escenarios que controlaba cada detalle de sus músicos, que conocía a la perfección todos y cada uno de los 45 instrumentos que componían su suite, dicen los que tuvieron el privilegio de convivir con el que era un hombre que sabía de todo un poco y era un alma inquieta y tenía un espíritu inquebrantable, una historia que comenzó allá por 1918 en Tampico, un 20 de enero nació en el seno de una familia de la ciudad portuaria de Tamaulipas, le dieron por nombre Juan García Esquivel, a los 10 años su familia emigró de Tampico a la ciudad de México, en su casa había un piano, no hay indicios de que haya tomado clase alguna pero conocía la música a la perfección, a esa edad ya interpretaba canciones del nacionalismo Mexicano tan de moda en aquella época, fue siempre una persona con la paciencia de quien sabe que la gloria y el recuerdo serían su destino, fue un niño prodigio en el instrumento, a los 14 años ya era el pianista de la Estación XEW, a los 18 ya dirigía en ese mismo lugar una orquesta de 22 músicos donde ambientaba los programas de variedad de la época, conoció de cerca a Ernesto Riestra, Luis Alcaraz y a Pedro Beltrán Ruiz, directores de orquesta consagrados quienes lo admiraron desde el primer momento que lo vieron dirigiendo en el estudio azul de la XEW, era 1940, el mundo estaba en Guerra, Juan García Esquivel terminó sus estudios de Ingeniería Eléctrica en el Instituto Politécnico Nacional, siempre esperó su momento, a esa edad combinaba lo aprendido en las aulas y en los laboratorios con sus dotes artísticas, fue músico de la radio por más de 12 años hasta que motivado por sus intereses personales  y en una visión del futuro a sus 33 años consideró que no había hecho nada destacable en el mundo, ese año conoció a Enrique Ponce y lo convenció de grabar jingles para comerciales de televisión (el clásico anuncio de Palmolive de 1952) su fama creció como la espuma, en 1958 RCA lo contrata para grabar su primer disco, tenía 40 años, una edad en que no se espera sea el debut artístico de nadie, le quedaba una marcha contrarreloj de 44 años para demostrarle al mundo lo que podía hacer con su genio e imaginación, a esa primera grabación a la que RCA se horrorizó al escucharla y le dieron el apelativo de Sonorama, grabó Granada, un clásico de la música latinoamericana y luego Night and Day un clásico de la música americana de principios de siglo, sus adaptaciones lo encasillaron como un músico diferente, fue llamado genio desde ese momento porque en el mundo nadie hacía nada igual, comenzó a adaptar instrumentos tan diferentes en sus versiones, a desmenuzar las canciones populares y les adaptó su propio sello, su manera de acercarse a  la música se parece más a una pintura que a una canción, le dio a la música una paleta de colores como nunca antes había sido vista o entendida, en 1960 grabó su obra maestra, See It In Sound, RCA no lo vendió porque los equipos de sonido aún siendo los más sofisticados de la época no podían extraer la esencia sonora por la enorme cantidad de instrumentos grabados, le surgieron ideas extravagantes, tuvo un día la idea de grabar con dos orquestas al mismo tiempo en dos estudios diferentes, la distancia ni las posibilidades fueron su frontera, no conoció límites a su creatividad, fue el músico más importante por 14 años en las Vegas, su show en el hotel Stardust competía en asistentes con los shows de Elvis, The Sights and Sounds Of Esquivel era un espectáculo precursor de los shows multimedia, era 1960 y la psicodelia todavía no nacía, tardaría al menos 8 años para que los músicos británicos y americanos comenzaran a experimentar con ese género y Esquivel ya daba espectáculos de ese estilo, únicos en el mundo, fue admirado por los más grandes, Henry Mancini (escritor y director de orquesta) alguna vez le dijo que era su admirador, Frank Sinatra le enviaba flores después de cada show, fue admirado por todos, reverenciado por todos y en su país solo se le recordaba por escribir jingles y musicalizar la serie Odisea Burbujas, sin embargo en Estados Unidos la lista es interminable (Kojak, Los Angeles de Charlie, Los Picapiedra, Quincy, las series de Alfred Hítchcock, Ironside,  Elery Queen, Emergencia, el intro del El Hombre Nuclear y de La Mujer Biónica, la serie Columbo, McCloud, McMillan y Esposa, El Hombre Increíble, Baretta, los Hardy Boys lnvestigadores, Magnum, Miami Vice, La Última Frontera, Fuera de este Mundo, Viajeros en el Tiempo, Harry y los Hendersons y Guardianes de la Bahía, sin mencionar todos los jingles para comerciales americanos), el lounge, ese género nacido del jazz y que adapta todos los estilos posibles en música suave y digerible, todas las obras lounge tienen la facilidad de ser escuchadas sin conocimientos musicales previos, esa es la gran virtud de Esquivel, transformar un entorno musical complejo a un producto fácil y adaptado a las necesidades de un público que no necesita instrucción musical previa, fue un genio, un hombre cuya vida se resume en su sentimiento hacia la música, a la cual respetaba y entendía pese a jamás tener instrucción formal, a que nunca tuvo clases y aun así distinguía entre toda la gama de sonidos existentes,  Esquivel fue llamado el Duke Ellington Mexicano, fue comparado con toda la crema y nata de la música de su tiempo, aprendió de todos y de todos tuvo pleitesía, de todos obtuvo un reconocimiento que en su país jamás llegó por las forma en que nosotros entendemos la música, como un producto y no como un arte, Esquivel nos sitúa en un mundo dominado por los colores, en un ambiente lleno de vida, en llenar los espacios que deja el silencio con notas que le darán una visión particular a las cosas, no hubo grises en su música, hubo tonos pastel y sepia, hubo siempre colorido y virtuosismo, en 46 años demostró al mundo de lo que una mente en plena explosión de creatividad podía hacer, espero hasta sus 40 para grabar su primer disco, la paciencia fue una virtud que desarrolló pese a su mente inquieta y genial que no dejaba de dar muestras de su capacidad, Esquivel, el más grande genio musical del siglo pasado en nuestro país no es conocido, no es nombrado en las pláticas, casi nadie lo tiene en la memoria, permanece oculto y permanente para unos pocos que tienen la oportunidad de saber de su obra, contrario a otros jamás buscó la fama, la fama le llegó por su espíritu libre y prodigioso, algunas cosas permanecerán siempre en nuestros recuerdos, por lo que significan, por esa esencia que resulta de nombrarlas y recordarlas, los recuerdos constituyen instantes emocionales diversos, de lo sublime a lo nostálgico, de lo más elevado a nuestros instantes más bajos, cada uno de los recuerdos se pinta en la memoria con un color, con un sonido que lo distingue, a Esquivel lo recuerdan las campanas de Taxco, esa mañana de enero del 2002 en que abandonó este mundo con una partitura en la mano, con su colección de discos y sus recuerdos, dicen quienes lo vieron que lo último que hizo antes de morir fue cerrar los ojos e imaginar un piano e interpretar una última canción en su memoria, en su particular mundo lleno de música y colores, probablemente esté ahora en la gloria dirigiendo una orquesta inmortal, así como su legado, así como su recuerdo.

'Yo mismo no podría definirla (a la música), la música es mi vida, yo amo a la música como me amo a mi mismo'

- Juan García Esquivel, la última entrevista para el diario Milenio -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1995

Discográfica - RCA

Productor - Mariano Rivera Conde, Neely Plumb

- Recomendable Si Les Gusta -

Movin' On de Dick Shory,  An Evening at Goldie's New York de Goldie Hawkings, Summer Place de Tony Hakim, Swift de Marco Benevento, My Little Red Book de Burt Bacharach, More Music From The Man of UNCLE de Hugo Montenegro, So What's New de Horst Jankowski, Spanish Eyes de Bert Kaempfert and his Orchestra, Take Ten de Paul Desmond,  Under a Spanich Moon de Herp Albert y Patricia de Perez Prado y su Orquesta

Título del Disco

Cabaret Mañana es un recopilado por la iniciativa de Mariano Rivera Conde, el título hace alusión a las raíces latinas de la mayoría de los temas y a una grabación inédita de Esquivel de 1965 llamada Cabaret

Portada del Disco

Icónica imagen de Juan García Esquivel mientras dirigía su Orquesta con una paleta de colores amarillos y naranjas que hacen muy vistosa la portada, es obra del fotógrafo y artista gráfico Paul Raphaelson.


Tracklist


1.    Mini Skirt (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Johnson Rag (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Night And Day (Recomendación 4 Estrellas)

4.    El Cable (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Harlem Nocturne (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Mucha Muchacha (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Time On My Hands (Recomendación 4 Estrellas)

8.    Malagueña (Recomendación 4 Estrellas)
9.    Guanacoa (Recomendación 4 Estrellas)
10.  Sentimental Journey (Recomendación 4 Estrellas)
11.  Estrellita (Recomendación 4 Estrellas)
12.  Limehouse Blues (Recomendación 4 Estrellas)
13.  Todavía (Recomendación 4 Estrellas)
14.  April In Portugal (Recomendación 4 Estrellas)
15.  Take The A Train (Recomendación 4 Estrellas)
16.  Question Mark (¿Que Vas a Hacer?) (Recomendación 4 Estrellas)
17.  It Had To Be You (Recomendación 4 Estrellas)
18.  Yeyo (Recomendación 4 Estrellas)
19.  Lullaby Of Birdland (Recomendación 4 Estrellas)
20.  Flower Girl Of Bordeaux (Recomendación 4 Estrellas)

Track By Track Momentos Cumbres
- Este disco recopilatorio inicia con su más grande tema y el más clásico, las notas que inician Miniskirt son tan reconocibles como lo son sus lentes de pasta, ese intro con el contrabajo que hace síncopas con la entrada del piano de media cola de Juan García Esquivel nos transportan a un mundo situado a mediados de los años 50's, un ambiente distinto donde sus canciones servían para ambientar películas y series de televisión, Miniskirt con su ya conocido riff de piano de 11 notas transcurre a lo largo de los coros y de la instrumentación orquestal, todo un deleite auditivo grabado en estéreo, la forma en que se incorporan los coros onomatopéyicos sirven de preámbulo para los interludios llenos de sonoridad y de virtuosismo, Miniskirt es la canción insignia de la música lounge, es un legado musical que trasciende los años y las épocas, es una canción que se sitúa dentro del legado histórico y musical de la humanidad.
- Johnson Rag es un clásico de Jack Lawrence que fue adaptado de forma ingeniosa por Juan García Esquivel, sus coros caracterizados por el zu zu zu fueron tan famosos como toda la adaptación misma, la versión original es de 1917 y fue escrita por Lawrence cuando tenía menos de 30 años, permaneció olvidada hasta que Glenn Miller la rescató y grabó alrededor de 1940 con su orquesta, en la versión de Esquivel destaca toda la orquesta con sus elementos de viento, fue grabada por Pearl Bailey, Frankie Carlie, Les Elgart entre otros grandes directores de orquesta, e suma canción muy americana con un sello latino gracias a los arreglos de Esquivel y la incorporación de guitarras hawaianas le da ese toque universal.
- Escrita en 1932 por Cole Porter, Night and Day es parte del enorme catálogo de música popular norteamericana, una canción que fue incluida en la banda sonora de The Gay Divorcee donde actuó Fred Astaire, las llamadas al trabajo de los jornaleros marroquíes inspiraron la letra de Porter, Esquivel añadió sus famosos coros a una letra que es inspirada por el arduo trabajo de la mano de obra humana, ha sido covereada por Ella Fitzgerald y Frank Sinatra, el inicio con las percusiones y los sonidos de ambientación es impresionante, la forma en que se acopla la guitarra de piso con los famosos coros, los violines y las tubas que dan la introducción nos transportan a un ambiente obscuro y denso, sin embargo el piano rescata junto con esos remates orquestales un ambiente bastante gris y le da sonoridad y brillo, los coros son formidables así como los acompañamientos del piano con la guitarra, los interludios son llenos de virtuosismo por una orquesta que Esquivel controlaba con solo ver a sus integrantes, extraordinario tema.
- El Cable, original del grandioso músico Mario Caniello, un inmigrante italiano que se estableció en Venezuela y que compuso este tema mezcla de guaracha y cumbia al que Esquivel adaptó con sus conocidas combinaciones de ritmos latinos, los coros únicamente monosílabos dan letra a una musicalización extraordinaria, el espíritu festivo de la pieza original no pierde detalle, la guitarra es interpretada con una soltura inigualable, se tocan notas de forma limpia y con todo el detalle, es una pieza que Mario Carniello había interpretado en el órgano y que se convierte en un referente de la música latina de mediados de los 70's.
- Original de Earle Hagen y Dick Rogers y escrita en 1939, un jazz disfrutable de principio a fin es Harlem Nocturne, una estructura un tanto compleja, un entramado de coros que van construyendo una epopeya de notas emanadas de las prodigiosas voces de las coristas de Esquivel, de quienes se especulaba no debían incluso de subir de peso, Harlem Nocturne es un clásico del catálogo de Jazz americano que Esquivel supo adaptar con maestría y genialidad, sus pasajes sonoros que fueron hechos para que RCA promoviera el sonido Sonorama hacía de escuchar piezas como esta toda una revolución musical.
- Original de Esquivel, Mucha Muchacha es una pieza festiva, llena de matices sonoros, con un altísimo contenido instrumental, es una pieza que nos sitúa en México de los años 50's, con toda esa carga de orgullo nacionalista impulsada por la postguerra, en un ambiente meramente de progreso al que no hemos vuelto jamás, Mucha Muchacha incorpora la voz de Esquivel en un diálogo con una de sus coristas y toda la carga orquestal a la que nos tiene acostumbrados, cuando un artista tiene piezas originales se aprecia toda su grandeza, este es un ejemplo claro de la genialidad de Esquivel para la construcción de melodías complejas y un dominio orquestal sin parangón en la historia musical de México, nadie ni siquiera Luis Alcaraz alcanzó el nivel de dirección orquestal como Esquivel.
- Original de Harold Adamson y Vincent Youmans, escrita en el año de 1930 para el musical Smiles, Time On My Hand es una pieza que muestra una vez más el dominio de los tiempos de la música por parte de Esquivel, el empleo de un metrónomo que marca 60 beats por minuto semejando el segundero del reloj en impresionante, a partir de esa base rítmica se incorporan todos los instrumentos, haciendo alusión al tiempo, de forma lenta y delicada se van incorporando, una enorme obra que adquiere matices francamente epopeyicos en las prodigiosas manos de Esquivel.
- El compositor cubano Ernesto Lecuona escribió una pieza en 1928 llamada Suite Andalucía, en esa obra estaba contenida en el sexto movimiento la pieza Malagueña, una obra que Esquivel rescató y grabó en una versión impresionante, el inicio con ese clavecín y los acordes de una guitarra española aderezada con un filtro, las maracas, las percusiones y los coros van construyendo una entrada que es más bien de zarzuela que de una pieza musical ordinaria, un estilo único al inicio de los interludios, la forma en que cada instrumento aporta la armonía, la forma en que el piano de Esquivel traza acordes y progresiones es francamente alucinante, eran los años 50's aun no había progresivo y esta pieza en unas partes evocan los 70's y sus grandes pianistas de progresivo, también destaca la forma de grabar tantos instrumentos en solo 2 canales, la era de la grabación analógica, de pegar las cintas de grabación con tela adhesiva, la forma de construir una pieza de semejantes dimensiones, Esquivel es grandioso.
- Otra original de Esquivel es Guanacoa, un pueblo cubano de la costa sirvió de inspiración para esta pieza, los instrumentos de índole tropical nuevamente se adueñan de la escena, se va armonizando un entramado de percusiones con un coro pegajoso de monosílabos, después el coro memorable y un solo de piano que Henry Mancini celebraba, Frank Sinatra envió flores alguna vez tras escuchar esta pieza, los pianos de Esquivel, uno de media cola Yamaha y un mini moog rudimentario en 1959 sirvieron de base para la armonía de la canción, a Guanacoa me voy aunque no haya carretera recitan las coristas en sus versos, de fondo esas percusiones muestran una parte sencilla pero necesaria en la canción.
- En 1944 Les Brown y Ben Horner escribieron una canción llamada Sentimental Journey, apareció en el disco Infinity of Sound no 2 de Esquivel, esta versión caracterizada por el silbido de la armonía y por los clásicos zu zu zu, la Orquesta de Esquivel la interpretaba con mucha frecuencia y es una versión con un altísimo grado de dificultad en la interpretación por la forma en que los instrumentos se agregan poco a poco a la canción.
- La más famosa canción del gran músico mexicano Manuel M Ponce, Estrellita fue un cover que Juan García Esquivel realizó en sus primeras etapas, esta versión esta llena de sentimentalismo y de un profundo sentido patriótico, Esquivel era gran admirador de las obras del Nacionalismo Musical impulsado por Manuel M Ponce y que alcanzaron un nivel máximo en las primeras tres décadas del siglo pasado, en esta versión el piano tiene un papel fundamental y preponderante en una historia que se va narrando conforme los violines y la orquesta traza poco a poco un respaldo sonoro para que el piano alcance su mejor nivel poco a poco, es una obra que destaca entre otras cosas por su enorme contenido musical, una versión digna de un músico de la talla de Manuel M Ponce.
- Douglas Furber escribió en 1922 una canción de jazz muy popular en la cultura americana, Limehouse Blues es una de esas piezas me inicios del siglo muy empleada en la banda sonora de películas, inspirada en el barrio chino de Londres, apareció en la película Star donde actuó Fred Astaire, esta versión de Esquivel mucho más festiva emplea una instrumentación oriental con todo y gongs, las percusiones muy adecuadas para darle ese aire minimalista y alegre.
- Una composición de Armando Manzanero da vida a la siguiente pieza de la recopilación, Todavía es un canción que Manzanero escribió y que consiste en un bolero adaptado magistralmente al lounge por Juan García Esquivel, los clásicos coros monosílabos y las percusiones establecen la melodía a la que se le da un aire de dramatismo con el resto de la orquesta.
- La canción de Raul Farrao sirve de inspiración para el siguiente cover, April In Portugal, cuyo primer título fue Coimbra fue reinterpretado por Esquivel y su orquesta, el piano juega un papel preponderante en la pieza y sirvió de eje para que a partir de esa melodía muy melancólica se agregaran los elementos orquestales, fue una de las composiciones de Esquivel que estrenaron el concepto de Sonorama, muy publicitado por RCA.
- Take The 'A' Train es una pieza popular compuesta por Billy Straihorn y que fue interpretada por primera vez por Duke Ellington, esta inspirada en la línea A del subterráneo de Nueva York, esa línea mítica que une Harlem y Manhattan, en la versión de Esquivel el sonido de las antiguas máquinas ferroviarias es imitado por suspiros de las coristas de la orquesta de Esquivel.
- Question Mark (¿Que Vas a Hacer?) es una pieza corta autoría de Juan García Esquivel de apenas dos minutos que está enmarcada por los coros y el acompañamiento del piano de Esquivel, es una canción festiva construida en acordes mayores y con un tiempo bastante agradable al escucha, como todas las piezas de Esquivel constituye un enorme aporte a la música de los 50's, semeja mucho a sus jingles para comerciales de televisión y de series como The Flintstones, Odisea Burbujas, entre otras.
- It Had To Be You, original de Isham Jones, escrita en 1922 sobresale por su trompeta con sordina que le da ese aire muy de jazz antiguo, es una pieza muy popular dentro de la cultura americana y ha sido interpretada por varios cantantes de la talla de Ella Fitzgerald.
- Yeyo es una canción muy al estilo de Esquivel, las frases monosilábicas de la letra hacen un perfecto conjunto con la melodía que los instrumentos de viento elaboran sobre los versos, es como cantar con el instrumento aun sin letra, impecablemente construida sobre un ritmo afroantillano y con percusiones tan básicas como el palmeo, otra pieza Esquivelesca por antonomasia.
- Lullaby of Birdland, hace alusión al club de jazz Birdland y a uno de sus mejores músicos, Charlie 'Bird' Parker eminente pianista de jazz es homenajeado en esta pieza, original de George Shearing y compuesta en 1952, de una época dorada del jazz americano, fue convereada a mediados de los 60's por la orquesta de Esquivel, otro clásico.
- Flower Girl From Bordeaux, una pieza original de Al Sherman es reinterpretada por la orquesta de Esquivel, destaca la instrumentación muy adecuada para una pieza que habla sobre la campiña francesa.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Colección Avándaro No 1 de Three Souls in my Mind

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... En una época donde el Rock fue perseguido por el gobierno, de una era donde ser joven y perseguir los sueños de cambio era una actitud condenable, de la era post Woodstock y que por accidente cultural llegó tarde a nuestro país, el Flower Power, la psicodelia y mucho blues, de la época que vivieron nuestros padres y que nos heredaron 43 años después casi con la misma represión, el grupo que cerró el festival de música más importante en nuestro país del Siglo Pasado, los sueños rockeros en inglés de un joven de clasemedia que permearon a una juventud llena de ilusiones y esperanzas robadas tras el Halconazo y Tlatelolco, la crónica de toda una generación, el disco que retrató una década y del que se quiera o no, hay todo un legado permanente en nuestros días

Three Souls In My Mind - Colección Avándaro No 1

Para ti, que a las personas no las guardas en la mente sino en tu corazón, en tu mente inquieta y que ha vivido tantas cosas que me cuentas, para ti que tu valentía te ha llevado a sortear dificultades, por ti, una oración por todos los que se han ido primero y que tu llevarás siempre en tus recuerdos ...
Ahora tiene alrededor de 70 años, pelo entrecano pero la mente llena de recuerdos, a veces le daba por dibujar sus memorias en trozos de papel, a veces añoraba con aire de nostalgia esas épocas en que se sentaba alrededor del viejo fonógrafo de la casa de su abuela a escuchar RadioCapital, o La Pantera, ahí permanecía por horas escuchando los grupos de la vieja guardia, tenia por afición dejarse el pelo largo, recortar las noticias del Heraldo de México en su sección de espectáculos, dejarse crecer la barba y extrañar esas tardes de vinilos de 45 revoluciones que se llevaban en los maleteros a las fiestas, era una época distinta, siendo joven le tocó recordar esos años de la Olimpiada de México 68, el país le daba una cara de progreso a todo el mundo y se ensuciaba las manos y el alma con la sangre de toda su juventud rebelde y llena de esperanzas de cambio en la plaza de Tlatelolco (un lugar donde convergen las 3 grandes etapas históricas de nuestro país y también donde terminaron los sueños de la única y real Primavera Mexicana) ese año mientras John Carlos y Tommy Smith levantaban su puño envuelto en un guante negro hacia el cielo del estadio Olímpico, mientras Bob Beamon surcó el cielo del pedregal al saltar casi 9 metros en una marca que duró más de 50 años en superarse, pese a todas esas proezas atléticas, todo mundo iba a recordar siempre al pasar los años la Matanza de Tlatelolco, a ese joven que en vida llevó el nombre de Parménides García Saldaña iba a escribir en ese mismo año su novela Pasto Verde, el shangri la de una corriente literaria llamada Literatura de la Onda, una de las expresiones contraculturales más importantes de nuestro país de mediados del siglo pasado, una especie de Generación Beat Región 4 iba a encontrar un campo fértil de expansión en las letras de varios escritores como José Agustín, Gustavo Sainz y René Avilés, fue considerada literatura de muy bajo nivel, después de la tragedia de Tlatelolco hubo muy pocos espacios para la expresión de este tipo de obras, 3 años después a la sombra aún de lo sucedido en 1968, otra manifestación juvenil fue brutalmente reprimida en las calles aledañas a la Escuela Normal de Maestros, a ese hecho se le conoció como El Halconazo, grupos paramilitares fueron los encargados de teñir de rojo una vez más con sangre estudiantil la pisoteada y vejada memoria de nuestro país, México una vez más de luto por sus estudiantes, una vez más reprimida hasta el hartazgo cualquier tipo de manifestación contra el gobierno, ante este hecho era casi imposible de imaginar lo que habría de suceder en septiembre de ese mismo 1971, por el mes de julio de ese año, apenas un mes después del genocidio, un joven promotor de música llamado Armando Molina se encontraba promocionando a dos de los grupos de Rock más importantes de la escena de la ciudad de Guadalajara, en ese entonces trabajaba para Jaime Almeida y Justino Compeán y escribía guiones para Luis de Llano, la empresa para la que prestaba sus servicios (Televisa) se le había ocurrido la idea de realizar un Festival de Música y una carrera de autos en el pequeño pueblo de Valle de Bravo en el Estado de México, los organizadores del evento le entregaron un cheque de 40 mil pesos para que Molina contratara a los músicos que habrían de tocar los días 11 y 12 de Septiembre, Molina siempre fue un personaje entregado a la música, fue guitarrista del seminal grupo La Máquina del Sonido y era promotor de una de las mejores bandas de rock Mexicano de todos los tiempos (y quizás una de las menos conocidas), era el encargado de conducir los hilos de la legendaria agrupación El Ritual, oriundos de Tijuana y poseedores de un enorme carisma en el público del norte del país, Molina ayudó a que grabaran su material homónimo de 1969 que daba muestras de una madurez lírica y musical sin precedentes en latinoamérica, llegó a decirse que sus influencias eran tan poco conocidas que resultaban muy originales, incorporaron elementos muy ajenos al rock como las flautas y otros instrumentos de viento, Frankie Barreño fue el líder de esta banda que dejó inconclusa su obra llamada La Tierra de la que te Hablé, un proyecto muy ambicioso, Molina también era el mánager de otra agrupación de la onda hippie llamada Peace and Love que provenían de Monterrey, el festival comenzó a tomar forma, se organizaron a la par de la música una carrera de autos en las inmediaciones de Avándaro, pueblo cercano a Valle de Bravo, la idea era un festival de dos días de duración con algunos grupos que iban a amenizar la ocasión y el resultado fue para los organizadores desastroso y para la historia musical de México fue un momento mágico, el día 11 de Septiembre de 1971, a la sobra de los árboles y del campo pastoril, se tendió una carpa con un escenario improvisado para los músicos, la asistencia esperada al evento era de apenas 15 mil personas, la cifra no oficial menciona que al lugar llegaron alrededor de 450 mil personas, el día anterior a la apertura del evento se había probado el equipo de sonido y sólo se observaban algunos cientos de asistentes, sin embargo, el hambre de música, la comunidad hippie, las drogas y es ambiente festivo que solo las masas populares que se mueven por un motivo común pueden expresar, la fiebre que se dio por llegar desde cualquier punto de la república a Avándaro no tuvo ni tendrá punto de comparación jamás, ese día, el epicentro del frenesí musical de toda una generación llegó ahí, como si fuesen convocados por alguna fuerza sobrenatural, nada explica el enorme poder de convocatoria, nadie explica la forma a veces francamente imposible de transportar y alojar a tantas personas en un solo lugar, la carretera hacia Toluca (que es parte de la Carretera Panamericana) se convirtió en un enorme lugar de peregrinación de toda la juventud, un éxtasis masivo que solo los eventos míticos como éste pueden imaginarse alguna vez, por eso sólo hubo un Woodstock, por eso sólo hubo un Avándaro, el festival abrió con la presentación de un performance de la UNAM dirigido por Carlos Baca que interpretaron la ópera Rock Tommy de The Who, los hermanos Arau y su grupo La Ley de Herodes y uno de los grupos más transcendentales de la historia del Rock de Guadalajara, un grupo que llevaba por nombre La Fachada de Piedra y que era  una de las bandas más importantes de esa ciudad con un concepto único en cuanto a instrumentación y lírica, tradicionalmente se dice que el festival abrió a las 7 pm con la presentación de los Dug Dug's, ese grupo inmortal del maestro Armando Nava quien desde Tijuana había llegado a la Ciudad de México para deleitar a un público que gustaba de su música que fue denominada Onda Chicana, música que buscaba un espacio dentro de la naciente escena rockera del país, los Dug Dug's fueron el grupo que le tocó iniciar un festival que a esas horas ya recibía una torrencial lluvia y el escenario no era tan apropiado para proyectar un sonido que habría de ser escuchado por más de 400 mil personas, esa tarde de Tenantongo (lugar exacto donde se realizó el festival) el escenario fue invadido por alrededor de mil personas momentos antes de que los Dug's iniciaran su presentación, las torres de iluminación fueron muy pobres para alumbrar un área de alrededor de 4 hectáreas, le siguió el grupo El Epílogo, después La División del Norte (cuya presentación solo es recordada por la presencia de Alma Rosa González conocida como 'la Encuerada de Avándaro'), Tequila y Peace and Love (cuya actuación fue censurada en la transmisión de radio por interpretar los temas 'Marihuana' y 'Tomemos el Poder'), llegó el turno de una de los mejores grupos mexicanos de todos los tiempos, El Ritual comenzó su presentación y a los pocos minutos se fue la energía eléctrica, Bandido subió a tocar iluminándose únicamente con un foco y al siguiente grupo Los Yaki ese foco se fundió, siguieron El Amor, Tinta Blanca y el festival cerró a las 9 de la mañana del 12 de septiembre con la memorable actuación de Three Souls In My Mind, un grupo que era liderado por un joven clasemediero de Puebla que se había llenado del sonido del blues durante su estancia estudiantil en la ciudad de San Francisco, una mente siempre inquieta y que representó años más tarde el espíritu de protesta que paradójicamente en vida nunca ha experimentado, un grupo al que pertenecían también en grandioso baterista Carlos Hauptvogel, hijo de un empresario automotriz de la ciudad de Guadalajara y el maestro Ernesto de León quien había sigo integrante de una de las bandas más desconocidas pero no por ello menos importantes de la naciente escena del rock de México, un grupo llamado Los Ovnis y que había de ser de gran influencia para varias de ls bandas que se presentaron en el festival, a este grupo que cerró el festival le abrió las puertas a su bajista y cantante para construirse una historia que hasta ahora 40 años después no parece tener final, Alejandro Lora y todos los presentes en ese cartel del festival sufrieron de la incompetencia del gobierno hacia el rock y fueron relegados a los escenarios de la periferia de la ciudad donde tuvo que resistir por más de 20 años hasta que renació por influencia del Rock Argentino, se perdieron más de 2 décadas partir de la satanización que se le dio a un festival que marcó a la juventud de nuestro país, tal como otros festivales habían marcado a los jóvenes en otras latitudes (Woodstock en Estados Unidos, la Piedra Roja en Chile, el Concierto de las Bandas Eternas en Argentina), para el rock mexicano, Avándaro marco la deificación de los grupos que se presentaron, pero lamentablemente también marcó su disgregación y su ostracismo, desde esa fecha se negociaron los permisos para la música en vivo, el rock que era una actividad lúdica para la clase media alta se convirtió en un producto degradado y enviado a los hoyos funkys, parafraseando a José Agustín, todas las manifestaciones culturales de numerosos jóvenes mexicanos que habían filtrado planteamientos hippies por obra de la ruda realidad que vivía el país después de 1968, el año de 1971 marca un antes y un después con la llegada del Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, el costo fue muy alto, sin embargo ahora recordamos esas épocas y a esos grupos con la nostalgia de lo que no vimos pero escuchamos, gracias a la memoria los que lo vivieron, ese 12 de septiembre de 1971, alrededor de las 3 de la mañana, un joven guitarrista salía con su banda desde el famoso bar Terraza Casino, se dirigía de forma desesperada hacia el festival, ese músico no había aceptado la oferta que se le había hecho unos meses antes para participar en el festival por el pago que se le iba a dar y porque no quería tocar junto con los de Three Souls, iba acompañado de los Sinners y los Locos del Ritmo enfundados en sus lujosos trajes y subidos en unas limosinas que jamás llegaron por el tráfico de la autopista México-Toluca, toda la vida se ha mencionado como el gran ausente del festival, Avándaro termina con una era romántica del Rock de México, lo entierra en un ataúd de piedra y le clava una puñalada casi mortal, el festival marca un antes y un después por lo que se vivió ahí, no fue un frenesí alocado de drogas, tampoco fue el festival mejor logrado, fue simplemente 'el festival' a partidor del cual se comparan todos, por la importancia y el poder de convocatoria, los músicos que no llegaron esa noche les tocó vivir en carne propia la prohibición posterior, ese guitarrista que responde aún al nombre de Javier Bátiz representa lo que Avándaro fue años después, una constante lucha con poco reconocimiento de una obra que es inmensa e inmortal, así mientras a 50 kms estaban sin poder avanzar cómodamente instalados en autos lujosos, a unos cientos de metros del escenario se encontraban niño de apenas 12 años de edad que había ido al festival por iniciativa de sus amigos, habían dejado la cuidad desde Azcapotzalco para unirse al éxodo juvenil más imponente que se tenga memoria, había abordado un autobús sucio y abarrotado de hippies y ese día había observado con sus propios ojos todos los excesos que el rock libre y sin censura puede ofrecer, ese niño que años después me contaría su aventura rodeado de gente que vivió una noche de paz y amor, de rock y de libertad hasta ahora sigue recordando ese hecho con la nostalgia de quien recuerda las grandes épocas, de quien rememora una época donde el rock era un lujo por la dificultad de observar conciertos en vivo, ese niño de mirada inquieta que siempre que recuerda Avándaro esboza una sonrisa en su rostro flagelado por sus 55 años de edad y que vivió de cerca todo lo que pasó esa mágica noche de 1971 cerca del lago de Valle de Bravo, ahí junto al lodo y las tiendas de campaña improvisadas, vivió lo que cerca de medio millón de personas recuerdan con la memoria marcada para toda su vida, una época distinta donde el vinilo de los discos de acetato agotaba las agujas de los tocadiscos y el material que compraba con su trabajo, en una época donde los discos de 45 revoluciones eran de colores y las portadas tenían colores brillantes, ese niño que constituye la memoria viva de un festival que trascendió al tiempo y que creó una leyenda que está más viva que nunca, ese mismo niño que es el legado musical de mi vida entera, ese niño, es mi padre.

'Un aplauso para Luis Echeverría que nos va a mandar 300 camiones de 50 pasajeros para el regreso... a todo dar el chavo ese'

- Presentador de Avándaro -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1982

Discográfica - Cisnes Raff

Productor - Three Souls In my Mind

- Recomendable Si Les Gusta -

Napoleón XIV de Los Ovnis, Los Rippers de Los Rippers, Rock con Los Locos del Ritmo de Los Locos del Ritmo, Dud Dug's de Los Dug Dug's, El Ritual de El Ritual, Epílogo de El Epílogo, Tinta Blanca de Tinta Blanca, Love Army en Avandaro de Love Army, La Fachada de Piedra en Avándaro de La Fachada de Piedra, Peace and Love Avándaro 1971 de Peace and Love, La Revolución de Emiliano Zapata de La Revolución de Emiliano Zapata

Título del Disco

El primer disco de Three Souls In My Mind tiene el muy confuso título de Colección Avándaro y fue editado en el año 1970, clásicamente se considera su lanzamiento posterior a la presentación del grupo en 1971 en el famoso festival de rock y Ruedas de Avándaro, por lo que discos Denver reeditó en 1990 ese trabajo del grupo y se le denominó de esa forma.

Portada del Disco

Fue un diseño de Adolfo Basi, se trata de dos imágenes superpuestas con la formación de la banda en 1970, de izquierda a derecha aparecen Ernesto De León, Sergio Mancera, Alejandro Lora y Carlos Hauptvogel


Tracklist


1.    Lennon Blues  

2.    Let Me Swim 

3.    Don't Want You (Recomendación 4 Estrellas)

4.    Red Dressed Lady 

5.    Bring It On Home To Me 

6.    Una y Otra Vez (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Don't Ask Me 

8.    Lolita 
9.    Worried and Lonesome Blues
10.  Down The Road
11.  Déjenme Vivir

Track By Track Momentos Cumbres
- El disco abre con un blues muy en onda del Delta del Mississippi, muy a la Willie Dixon y a la Muddy Waters, Lennon Blues es una remembranza al antiguo líder de The Beatles, un blues de doce barras clásico que Alejandro Lora interpreta con esa voz rasposa y llena de sentimiento que en es entonces aún poseía, Carlos Hauptvogel lleva el ritmo de batería de una forma magistral y el maestro Ernesto de León esboza riffs blueseros por todos lados.
- Let Me Swimm, el segundo tema es otro blues muy bien fabricado a partir de la linea de bajo sobre una escala pentatónica rítmica que Alejandro Lora teje para unirse a la percusión de Carlos Hauptvogel que demuestra virtuosismo sobre los tambores, Ernesto de León haciendo una mancuerna muy bien lograda con Sergio Mancera en la segunda guitarra, Lora canta con un efecto de delay con el micrófono, algo adelantado para el año de su publicación, un tema muy adecuado para continuar con esa línea de blues.
- Don't Want You incorpora una armónica que fue interpretada por el maestro Rafael Salgado quien más tarde iba a ser parte del Tri, un blues mucho más tranquilo, muy similar al trabajo de Robert Johnson o de John Mayall, una escala de blues clásico en el bajo de Alejandro Lora y como casi todas las canciones que interpretaban en esos tiempos con una letra en inglés.
- El siguiente tema esta muy emparentado con el trabajo de Johnny Winter por esos pasajes de interludios sobre la línea de doce barras del blues clásico, Red Dressed Lady cuenta con un solo de flauta obra de Rodolfo Ibáñez, un tema que continúa sobre la temática de blues.
- Bring It On Home To Me, un tema mucho más melancólico en la letra y en la armonía, el solo del maestro Ernesto de León es por mucho de los mejores del disco, esa forma de pasar de una escala a otra y la fluidez de su sonido enmarcado por las líneas de bajo de Alejandro Lora, un grupo que en ese entonces fabricaba canciones llenas de inspiración.
- Una y Otra Vez, de una etapa primigenia de Three Souls y que más tarde Alejandro Lora iba a re interpretar con otro estilo en El Tri, es una versión inicial y extraordinariamente fabricada por la percusión de Carlos Hauptvogel, es sin duda el mejor tema del disco y que Lora canta con un sentimiento impresionante.
- El siguiente tema toma como base el estilo de Buddy Guy y de Albert King, un blues mucho más rítmico y acelerado, con esos clásicos contrapuntos en las voces, Sergio Mancera aporta el ritmo y el maestro Ernesto de León los riffs que asoman por toda la canción, un excelente tema.
- La obra de Vladimir Novokov inspira el siguiente tema, un blues experimental llamado Lolita con una enorme carga de cambios de ritmo y que nos recuerda el trabajo de Slim Harpo y más recientemente de Luther Allison, la batería de Carlos Hauptvogel lo ubica como uno de los mejores percusionistas de la historia del Blues de México, la voz de nuevo con un delay le da un aire mucho más sementero.
- Worried and Lonesome Blues continúa con esa tendencia bluesera pero mucho más con ese estilo del blues del Sur como lo hacía Bobby Rush, esos cambios de ritmo sobre una base pesada, casi pantanosa característico del blues de esa región, un tema de transición.
- Down The Road es otro tema de blues con alta carga sentimental que Alejandro Lora canta al estilo de Howling Wolf, casi un swing con un ritmo a destacarse.
- Déjenme Vivir ya marca un ritmo diferente, es mucho más rock que blues y con una letra de alta carga social, ya se comenzaba a ver la vertiente que habria de seguir Three Souls hasta su disolución en 1984.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Serú Girán de Serú GIrán

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... El talento unido de los mejores músicos de la primera época dorada del Rock Argentino se fusionó para un grupo de leyenda, el talento e inventiva que cada uno tenía, aunado a la ambición de trascendencia hicieron de este proyecto uno de los puntos artísticos más altos al que haya llegado el Rock en Latinoamérica, cuatro mentes brillantes, cuatro personalidades diametralmente opuestas plagados de genialidad, inventiva y una formación artística sólida crearon una de las joyas de la música Argentina, un legado del Rock para la posteridad

Serú Girán - Serú Girán

Para ti que sueñas con una realidad más allá de la percepción, para ti que en tus sueños encierras los designios de tu propio infinito, para ti que no duermes, para ti mis sollozos de vida eterna por tus desvelos ...

La escena es clásica, Alicia se encuentra sentada bajo un árbol junto a su hermana que leía un libro sin ilustraciones o dialogos, de repente un Conejo Blanco se aparece ante sus ojos, muestra su reloj y señala la premura de quien sabe que va a tarde hacia su destino, ambos bajan por el túnel de la madriguera y caen lentamente y sin hacerse daño hasta el fondo del pozo, ahí se encuentra una botella con el mensaje 'bébeme' y comienza una aventura sin igual en la literatura universal y que ha sido extraída de un mundo de fantasía hasta cobrar vida propia con sus personajes, Alicia en el País de las Maravillas es el libro más famoso de un escritor y matemático británico llamado en vida Charles Lutwidge Dodgson, sin embargo su pseudónimo es más famoso, todos lo conocen por Lewis Carroll, ese hombre que siendo niño sintió curiosidad por la iglesia Anglicana porque su padre fue diácono de la Iglesia de Ripon en el  extremo norte de Yorkshire en la campiña Inglesa, un paisaje frío y en extremo lluvioso, es la región con mayor numero de monasterios y abadías de todo el Reino Unido, por lo que aquí el clero anglicano tiene un poder inmenso, al joven Carroll no le costó trabajo escribir una obra de esas proporciones, siendo niño fue instruido bajo la estricta conducta de su padre, poseía una precocidad intelectual notable, a los 3 años aprendió a leer y a los 7 años leyó un libro que marcaría su vida por siempre, llegó a sus manos casi por azares del destino el libro de John Bunyan, el Progreso del Peregrino, una obra clásica que en manos de un niño genio no sería otra cosa mas que el detonante de su creatividad intelectual, ese libro (que es una Novela Alegórica sobre el bien y el mal) hizo que el pequeño Carroll comenzara a imaginar mundos distintos, más allá de los paisajes nublados y de las calles llenas de neblina donde crecía, sin embargo su conducta habrá de ser marcada desde temprana edad, a Carroll se le obligo a ser diestro, pese a que su tendencia de ser zurdo fue evidente desde sus primeros años, sufría de tartamudeo y tenía una personalidad introspectiva, desarrolló su talento intelectual y fue un notable fotógrafo y matemático, en 1865 publicó su libro más famoso y alcanzó la gloria de las letras a muy temprana edad, sin embargo desde los 12 años comenzó a experimentar una sensación extraña al escuchar a las personas, se dio cuenta poco a poco que estaba perdiendo el oído, fue una sensación progresiva que lo llevó a padecer sordera al final de la vida, esa situación lo alejó del mundo de los sonidos y en una extraña paradoja del destino, aquel escritor que dibujó un mundo muy alejado de la realidad que vivía a la sombra de las aventuras de una niña y un conejo, habría de ser la inspiración para un tema que más de cien años después habrían de componer cuatro músicos virtuosos en Argentina, varias son las historias que encierran los súper grupos como se les denomina esas bandas que se forman (muchas veces por simple empatía) de los integrantes ya consagrados y famosos de bandas distintas y que juntan sus talentos en proyectos alternos, mucho más complejos musicalmente hablando que sus bandas originales,nos situamos entonces en el verano de 1966 cuando surge en Londres el primer súper grupo, en ese año la mente brillante y creativa del grandioso bajista Jack Bruce deja su grupo The Graham Bond Organisation, se lleva al mítico baterista Ginger Baker y reclutan al gran Eric Clapton procedente de The Yardbirds, surge entonces el grupo Cream que por cuatro discos elabora un híbrido entre el blues, el rock con una altísima carga de psicodelia, solo dos años de actividad bastaron para que se siguiera su ejemplo, un año después en las entrañas del delta del Mississippi coinciden cuatro de los mejores blueseros de la historia en un grupo al que llamaron acertadamente The Super Super Blues Band, estaban conformados nada mas y nada menos que por Bo Didley, Muddy Waters, Howling Wolf y Little Walter, algunas presentaciones memorables y solo un disco de testimonio dejaron como legado para el mundo de la música, en 1968 el mundo del folk conmociona al juntarse otra súper banda, David Crosby guitarrista fundador y voz de The Byrds se junta con el enorme guitarrista de folk Stephen Stills que formó con Neil Young la legendaria banda Buffalo Springfield y unen talento con Graham Nash de The Hollies para conformar la alineación de Crosby, Stills, Nash and Young, grupo que junta el talento de 4 grandes guitarristas, a finales de ese año y con The Beatles casi desintegrados, John Lennon se junta (en su famoso 'Long Weekend') con Eric Clapton, Mitch Mitchell bajista de Jimmy Hendrix y con Keith Richards en el súper grupo The Dirty Mac, Clapton estuvo presente de nuevo al año siguinete en 1969 en otro súper grupo llamado Blind Faith junto con Steve Winwood de Traffic y Ginger Baker, en los 70's surgieron varios más, Emerson Like and Palmer, Wings (con Paul McCartney), The Weather Report, Journey, Bad Company, en los 80's Bob Dylan se junta con George Harrison, Jeff Lyne, Roy Orbison y Tom Petty y dan vida a The Traveling Wilburys, ya en los 90's surgen algunos más como Temple of The Dog (Soundgarden y Pearl Jam), A Perfect Circle y entrando en este nuevo milenio se formó Audioslave, Velvet Revolver, The Raconteurs, Atoms for The Peace entre otros, unir el talento de esa forma a veces trae como consecuencia muy pobres resultados, sin embargo en otras ocasiones se obtienen verdaderas joyas, quizás sin saberlo, en un día de 1977, Charly García, el genio de música Argentina, un personaje deificado por su cualidad de poseer oído absoluto y por su formación clásica asiste a un recital donde se encuentra el grupo de Pedro Aznar, un joven de escasos 25 años que se argumenta es uno de los mejores bajistas que se hayan visto, después de ver la actuación de Aznar con su grupo Alas, García no dudo un segundo en reclutarlo para su nuevo proyecto, es e que había sido gestado desde un año atrás cuando Charly García coincidió en un estudio de grabación con David Lebón, solo hacia falta que se uniera otro grande, Oscar Moro, un percusionista de jazz adaptado al rock entro a la agrupación ese mismo año con lo que la formación del primer súper grupo de la historia del rock Latinoamericano estaba ya establecida, Charly García había encontrado por fin compañeros de viaje que no solo le colocaban los pies sobre la tierra, eran tres mosqueteros que sabían hacia donde dirigir sus pasos, avanzaron como toda agrupación sobre un camino escarpado y dificil, sin embargo así fué desde la niño la vida de Charly García, esa mente inquieta y genial con atisbos de locura, que desde niño había sido educado bajo la estricta conducta de sus cuidadoras por los constantes viajes a Europa, de quien se cuenta una vez paseó un esqueleto por la calle, de quien se ha narrado historias tan extremas como la ocasión en que, en un arranque de histeria se lanzó desde un séptimo piso a la alberca de un hotel resultando ileso, quien desde niño padeció de estrés que lo condenaron a sufrir vitiligo y su tan peculiar bigote bicolor, las mentes geniales siempre tiene un halo de locura y en Charly García la genialidad le brotó desde la infancia cuando sus profesores de música le hacían aprendiese las obras competas de Chopin mismas que podía ejecutar sin problemas apenas a los 10 años, esa mente genial que estuvo recluido en una clínica de salud mental en Buenos Aires, esa misma genialidad que en algunos episodios de su vida parece abandonar en una extraña coincidencia con el Dr Jeckyll y Mr Hide, uno de los más grandes artistas que ha dado el Rock sin duda alguna, con una peculiaridad notable que es el contar con oído absoluto, es capaz de saber en que nota se sitúa cada sonido que se emite en el universo, por una extraña coincidencia del destino una de sus lecturas favoritas es Alicia en el País de las Maravillas, a Lewis Carroll la vida habría de condenarlo a perder la audición, la vida misma habría de darle a Charly García la capacidad de interpretar todo el mundo sonoro que se tiene al alcance, un camino en reversa para algunos, para otros un camino sinuoso, lleno de obstáculos, quizás es como Carroll escribió en su más célebre obra ... ¿Podrías decirme, por favor, qué camino debo seguir para salir de aquí? Esto depende en gran parte del sitio al que quieras llegar, dijo el Gato. No me importa mucho el sitio, respondió Alicia. Entonces tampoco importa mucho el camino que tomes, le contestó el Gato.

Serú Girán es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.

- Revista Pelo, acerca de Serú Girán -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1978

Discográfica - Sazam Music

Productor - Billy Bond

- Recomendable Si Les Gusta -

Billy Bond de Billy Bond and The Jets, Confesiones de Invierno de Sui Generis, Pescado 2 de Pescado Rabioso, Tiempos Difíciles de Juan Carlos Baglietto, La Banda de los Caballos Cansados de Leon Gieco, La Máquina de Hacer Pájaros de La Máquina de Hacer Pájaros, Fotos de Tokio de Pedro Aznar, Peluson of Milk de Luis Alberto Spinetta, Almendra I de Almendra, El León de Manal

Título del Disco

Homónimo del nombre de la banda, Serú Girán es un lugar mítico y hermoso según dicen en la canción

Portada del Disco

Una de las portadas más enigmáticas de la historia del Rock Latinoamericano, el vagón de un ferrocarril con una ventana que da hacia una vía misteriosa, grabado sobre la madera con pintura blanca el nombre del grupo y unos números que hasta la fecha nadie sabe que significan QB 32304, hace referencia quizás a la última pieza llamada El Mendigo del Andén, el disco es obra del estudio del fotógrafo Eduardo Maia Do Vaie


Tracklist


1.    Serú Girán  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Voy a Mil (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Cosmigonon (Recomendación 4 Estrellas)

4.    Separata (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Seminaré (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Autos, Jets, Aviones, Barcos (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Eiti-Leda (Recomendación 4 Estrellas)

8.    El Mendigo del Andén (Recomendación 4 Estrellas)

Track By Track Momentos Cumbres

- El disco abre con un trabajo operístico llamado Serú Girán, la primer canción que grabó el grupo en Sao Paulo y que contiene una letra en latín que parece no significar nada por el hecho de que Serú Girán es un lugar mítico y hermoso, para ejecutar esa canción Charly García utilizó como apoyo una orquesta de 24 elementos que fue dirigida por Daniel Goldberg y que fue también asistido por Billy Bond, los estudios El Dorado en Brasil fueron testigos de cómo una orquesta completa con toda la sección de viento se encargó de darle apertura a esta canción, para la grabación de la sección de piano Charly García usó un piano de cola Yamaha CP70, de esa apertura podemos mencionar muchas cosas, se parece tanto la secuencia de notas que ejecuta Charly García a Nocturno Número 2 de Chopin, también se parece mucho al estilo de la introducción del Réquiem en Re Menor de Mozart sobre todo en la sección de viento de los primeros 2 minutos, la guitarra con distorsión de David Lebón encamina a la segunda parte de la canción que inicia con la percusión de Oscar Moro y una figura impresionante de bajo de Pedro Aznar, todo eso sucede mientras García canta una línea cosmigonón, gisofanía, serú girán, esto bajo la técnica del cadáver exquisito, muy explotado por los artistas surrealistas y que en el Rock Argentino ya tenía como antecedente la canción Por de Pescado Rabioso en su disco Artaud, se acomodaron las palabras de forma tal que al pronunciarlas fueran dando armonía con la voz, un trabajo de producción grandioso al conjuntar la parte orquestal con los arreglos de guitarra que Lebón iba entretejiendo, la canción llega a un momento épico donde se cambia el compás y la percusión eleva la atmósfera etérea a un momento volcánico, Pedro Aznar se adueña de la escena por unos instantes para demostrarnos su maestría en la ejecución del bajo, hasta aquí solo se prepara el momento de llegar al momento cumbre que ocurre cuando Lebón inicia un solo que se acompaña de flautas y violines, al primer violín se escucha al maestro Syd Sharp quien aporta su experiencia como primer violín de la orquesta sinfónica de Brasil, le añade un momento de dramatismo, esa flauta una vez más construyen un peldaño sobre el cual escala toda la demás orquesta, es una de esas canciones que podríamos escuchar por primera vez y pensar que se trata de algo fuera de este mundo, una de esas piezas que se imaginaron en la mente brillante de estos cuatro gigantes de la música, etérea, casi mística, una epopeya de notas llevadas de la mano por caminos que no se recorrieron antes en el Rock Argentino, a García le hacía falta contar con un caballo orquestal y con otros 3 jinetes que lo acompañaran en su recorrido musical, Serú Girán es una de las más épicas canciones de Rock Latinoamericano de todos los tiempos.

- Voy a Mil demuestra varias cosas, nos muestra a un Pedro Aznar en plenitud de facultades por su virtuosismo en la ejecución del bajo, desde que inicia la canción con ese riff bluesero de la guitarra de David Lebón y la percusión en 4/4 de Oscar Moro, desde el inicio Aznar se adueña de la canción, su bajo es otra guitarra, lleva otro ritmo, contrapuntea en cada verso que Lebón y Charly García cantan bajo la técnica del eco con lo que se establece un diálogo al recitar los versos, los interludios llegan con los solos de guitarra cortos pero efectivos de Lebón, Charly García acompaña con su piano y con algunos solos de guitarra en los versos, es una canción que nos demuestra que lo mismo ejecutaban jazz, rock, blues, lo que fuera, eran una máquina aceitada de hacer música, exactos como relojes suizos, capaces de improvisar sobre la marcha, en tan solo 3 minutos dan cátedra de acoplamiento, de ritmo, de cambios de compás, es una canción obligada en el catálogo de Serú Girán, el final es de leyenda, la forma en la que culmina la canción es de celebrar, dos piezas épicas para empezar un disco que será legendario, los interludios son lo mejor de la canción, esa forma de Oscar Moro de hacer los cambios de ritmo de forma tan natural, sin trabajo alguno, Aznar era sin duda el mejor bajista de Argentina y probablemente de todo el Rock Latinoamericano en esos años, la forma en la que demuestra su capacidad con ese diálogo de guitarra y bajo al final de la canción es memorable.

- Cosmigonón es una pieza que emplea, en las manos de Charly García un sintetizador Minimoog y un ARP Solina Ensamble que le permiten a David Lebón en técnica de tapping construir una melodía bastante inusual para la época, no hay una pieza similar en esa época en el Rock Argentino, el único precedente era de febrero de ese año de 1978 con la pieza Eruption de Van Halen, innovación pura en esta pieza.

- Separata es una pieza donde la figura principal es el piano en contrapunto de Charly García, la sección orquestal da un soporte melódico adecuado para que los acordes que ejecuta en su piano de media cola sirvan de enlace y de guía para el desarrollo de una historia lírica que habla sobre la soledad y la necesidad de introspección, tal vez por la forma en la que el grupo se formó no hubo tiempo de asimilar lo que sucedía, existe un aire de nostalgia también sabía que mi casa estaba lejos, lejos, lejos de todo, y faltaba poco para subir a tocar, una canción íntima de García que fue haciéndose cada vez más fastuosa por los arreglos de orquesta, es una pieza hermosa y breve.

- En 1977 Charly García y David Lebón coincidieron en Buzios, Brasil y compusieron una maqueta de lo que más tarde daría forma a Seminaré, la pieza más conocida del disco y que entraña una singular belleza, es una de esas canciones que permitieron el éxito inicial de Serú Girán, un supergrupo que se formó con la crema y nata de los músicos argentinos de la época, es aquí donde se aprecia su grandeza, esa introducción con el piano de Charly García que lentamente va dibujando una melodía que inicia con una nota de Sol en una progresión de acordes mayores lo que le da una luminosidad inmensa, la orquesta que dirigió Daniel Goldberg sirve de telón de fondo para que ese piano Yamaha entreteja una historia con una letra llena de nostalgia, es una diatriba de amor, No hay fuerza alrededor, No hay pociones para el amor ¿Dónde estás? ¿Dónde voy? los versos cantados por David Lebón con una tesitura suave y melancólica, similar a su forma de cantar en su etapa de Pescado Rabioso, el bajo de Pedro Aznar como siempre es un instrumento que lleva una historia aparte, esos contrapuntos en los coros, la forma en la que maneja una melodía que se enlaza con los versos, que lleva su propio ritmo y su propia distancia en los coros, Aznar fue bajista del trio de Pat Metheny por lo que sus influencias de jazz las explota hasta donde es posible, Oscar Moro lleva de la mano la percusión con el fondo de guitarra acústica que interpretó Lebón y que también le da una estructura de soporte muy importante a la canción, es una de esas piezas que nos sitúan en un mundo aparte, es una especie de pop progresivo que va transcurriendo en instantes llenos de sutil belleza, una canción memorable en un disco que ya era para la historia, pequeños trozos de gloria aderezados con una letra contundente, Si pudieras olvidar tu mente, frente a mi, se que tu corazón diría que si, sabiduría pura al servicio de la música, un estado mental llevado a una realidad distinta, la nostalgia hecha poesía.

- Toda la influencia del jazz fusión y de las técnicas de Jaco Pastorius en el bajo están presentes en un enorme tema llamado Autos, Jets, Aviones, Barcos, una canción con un aire latino muy presente, el intro con una percusión de samba, empleando inclusive los instrumentos del ritmo que nació en Bahía y que en los 70's estaba tan en boga, un ritmo que nace en África con raíces en Angola y el Congo, el empleo de su compás de 2/4 y la batucada característica llena los primeros minutos de esa pieza, una especia de samba funk como lo que realizaba la Banda de Rio Negro de Jamil Joanes, se nota inmediatamente la influencia de Sao Paulo, lugar donde se grabó el disco, sin embargo la canción transcurre hasta llegar a un interludio donde comienza a tomar una forma un tanto más de blues y rock clásico, similar al trabajo de Pink Floyd en su etapa de Meddle o del Wish You Were Here, la canción sufre una nueva transformación hacia el ambiente festivo de la samba de nuevo, un final estrepitosamente virtuoso cierra una pieza que entraña tanto virtuosismo como muy pocos temas que fusionan géneros tan distintos al rock, la sección de samba fue acompañada por el grupo Nova Conciencia de Salvador de Bahía.

- Eiti-Leda es un tema memorable, el intro característico de esa época de Charly García, similar a lo que hacía años antes en Sui Géneris y que no le daban tanta oportunidad de hacer en La Máquina de Hacer Pájaros, fue escrita por Charly García cuando tenía 17 años y sufría de constantes instantes de depresión, interpreta el piano con un Fender Rhodes, un ensamble de cuerdas ARP y con una variación de un Clavinet por lo que ese aire clásico inunda toda la canción, en la versión de Sui Géneris el maestro Nito Mestre ejecutó la flauta transversa pero en la versión de este disco de Serú Girán se sustituyó la flauta transversa por una sección de viento dirigida por Daniel Goldberg y que Billy Bond contrató ex profeso para algunas canciones, Eiti-Leda encierra una letra que es poesía pura, en una etapa de Charly García que fue difícil y extremadamente intensa, lejos fuera de casa no tengo nadie que me acompañe a ver la mañana recita David Lebón mientras traza acordes con su guitarra, es una canción que está compuesta de varias piezas unidas entre sí, dura alrededor de 8 minutos donde una vez más nos dan muestra de virtuosismo, después de 2 minutos de introducción inicia una fase donde se realiza una versión mucho más funk, dejando ese aire orquestal rimbombante se asoma esta sección donde se da rienda suelta a la imaginación, un aire de libertad tanto en la interpretación como en la letra, Pedro Aznar da cátedra de ritmo con su bajo, Óscar Moro lleva la percusión a un nivel magistral y David Lebón asoma algunos solos durante ésta y la sección del interludio, el piano de Charly García acompaña en contrapuntos, Aznar llega a un punto de grandilocuencia como pocos antes del solo de Lebón que construye una sección de algunos segundos donde se aprecia la forma tan intensa de ejecución instrumental que alcanzaban, si en la versión en estudio había tanta capacidad interpretativa debió de ser un deleite verlos en vivo, la letra una vez más nostálgica en el final de la canción donde se retoma ese aire festivo y orquestal, esta es otra pieza magnífica, una construcción armónica con detalles por todas partes, es una odisea de ritmo y sonido, una canción que por si sola podría estudiarse en una reseña aparte Eiti-Leda tiene su lugar en lo más alto del cielo del Rock Argentino y de Latinoamerica, es una odisea rock progresiva hasta el paroxismo.

- El Mendigo del Andén es una pieza hermosa, otro grandioso tema que cierra un disco que no tiene igual en el Rock Argentino, Flavinho y Luiz Carlos fueron los ingenieros de sonido en el estudio El Dorado en Sao Paulo y le extrajeron toda la esencia de interpretación a cada uno de los instrumentos que se ejecutaron en esta obra musical, la letra de esta canción es de las mejores del grupo sin lugar a dudas, yo se que me quieres y esta bien, yo seré siempre el mendigo del andén, de un pueblo fantasma donde no pasa el tren, la forma en que se lleva la canción en la primera parte, flemática, con parsimonia contrasta con una segunda parte donde nuevamente hay evocaciones al bossa, al jazz fusión y sobre todo encierra ese aire festivo tan característico, la flauta transversa de la orquesta y nuevamente el papel preponderante del violín hacen de esta forma de cerrar el disco algo para recordar por siempre, grandiosa obra de cuatro virtuosos para la posteridad, existen discos que son fáciles de escuchar, Serú Girán nos exige como escuchas cierto nivel de abstracción y de introspección para encontrar los significados que encierra, es un disco para mentes inquietas, es una obra intelectual muy completa, mas de media hora de extraordinaria música, un disco que debería de estar presente en la formación musical de todos nosotros.