RadioJoshua - Disco de la Semana - Artaud de Pescado Rabioso/Luis Alberto Spinetta

RadioJoshua con una recomendación más que agradable a los oídos ... El disco más importante del Rock Argentino en voz de uno de los artistas menos valorados, un enorme músico que dedicó toda su vida a explorar sus propios horizontes y límites musicales y personales, El Flaco siempre fue un músico elegante, virtuoso en su ejecución, un letrista destacado y partícipe de todas las etapas del Rock Argentino, desde Almendra, pasando por Invisible, Spinetta Jade, una carrera llena de momentos gloriosos que tienen como punto más alto este trabajo que enmarca un momento clave de su vida artística y personal

Pescado Rabioso/Luis Alberto Spinetta - Artaúd

Para ese artista atormentado, a ti que escribes y tu obra conmueve, tu obra será inmortal y para la posteridad de unos cuantos que verán con sus ojos tu propio mundo ... Para ti Flaco

El puerto de Marsella en Francia es el sitio neurálgico de la segunda ciudad más poblada de Francia, su escudo de armas ostenta su descripción heráldica orgullosamente, en el campo de argén o plata, la cruz del sur, el blasón Marsellés es conocido en todo el mundo e identifica a un puerto que ha sabido mantenerse activo a lo largo de casi 1500 años desde que un grupo de marinos focenses estableciera un centro vinícola en esa región del sur de Francia, Marsella es famosa por su puerto, pero lo es más por el accidente histórico de que en 1792, un capitán de Ingenieros llamado Rouget de Lisle asistió a una reunión con el alcalde de Estrasburgo, en el marco de la guerra Franco Austríaca, la petición de que se escribiera un himno patriótico inspiró a Lisle a componer el Canto para la Guerra del Ejército del Rin, sin embargo no se usó hasta que las tropas del ejército de Los Obligados entraron triunfantes en París entonando ese himno por los Campos Elíseos, al haberse escrito en Marsella los parisinos le denominaron La Marsellesa, se convirtió desde entonces en un cántico de orgullo (y según algunos el cántico patriótico más bello del mundo, que incluso Napoleón Bonaparte dijo acerca de el que habría de ahorrarles muchos cañones), casi 100 años después en ese mismo lugar nacería una de la figuras poéticas más importantes y reconocidas del mundo del arte escrito, Marsella vería nacer en una tarde de septiembre de 1896 a Antonin Artaud, polifacético personaje de las letras que entre sus múltiples dotes fue actor y dramaturgo, para Antonin los sueños eran la realidad, esos sueños se convertían en designios absolutos en un mundo donde lo real muchas veces se enfrentaba a lo imaginario, fue un artista que podríamos citar se encontraba en medio del dedaismo y el surrealismo y sin embargo es considerado más por su trabajo en el teatro, creo una forma de ejercer el arte escénico con su famoso Teatro de la Crueldad, Artaud siempre tuvo una vida difícil por lo que tenía mal carácter y padecía de nerviosismo e irritabilidad extremas, siendo niño padeció de meningitis y tenía visos de paranoia, padecía de neuro sífilis y frecuentaba los hospitales psiquiátricos y padecía de dolores musculares intensos que lo obligaban a ingerir grandes cantidades de fármacos, bajo ese contexto de sufrimiento crónico, Artaud adquiere un aire devoto intenso y a la vez frágil, conoce a André Bretón y queda para siempre marcado por el Manifiesto Surrealista, ya instalado en Paris sufre varios colapsos nerviosos y a la vez estrena en un año cuarto montajes teatrales que son un fracaso rotundo y tras esa caída y en la depresión que le siguieron, escribe la obra que habrá de sustentar las bases del Teatro de la Crueldad, su libro llamado El Teatro y su Doble, la idea de Artaud es dejar marcado al espectador por medio de situaciones inesperadas para llegar a las fibras más sensibles, Artaud logra construir su sello personal en el género, es seguido y admirado por algunos y escribe dos de sus más grandes obras literarias, el arte y la vida quedan retratadas en El Ombligo de Los Limbos y la forma tan increíble de narrar los motivos de un suicida en Van Gogh, El Suicidado de la Sociedad, Artaud vive la vida de forma intensa, escribe por varios años más, diagnostica que vive en una sociedad enferma  por lo que propone su curación por medio de las bases del dadaísmo que alguna vez practica, pero se sitúa mucho más surrealista, más ajeno de lo que vive día a día, para Artaud la vida esta basada en los pensamientos fuera de este mundo, la realidad es sólo un acuerdo entre lo que percibimos y lo que dejamos ser, su vida transcurre entre internamientos y terapia de electrochoques, además del dolor que siempre lo acompañó, escribió un libro que es el centro de este ensayo, en 1934 redacta Heliogábalo, o El Anarquista Coronado (un escrito controversial sobre un emperador romano) esa obra llegó a las manos de un niño que había nacido en Buenos Aires en 1950, uno de esos genios que ya estaba marcado por el destino, sus tíos eran empleados de la multinacional disquera Columbia Récords por lo que desde su tierna infancia ya tenía acceso a la música, un privilegio costoso en esa época,  le tocó vivir en su infancia, el Boom del Folklor Argentino y sin embargo el prefería entrar a escuchar los viejos vinilos de Bill Halley, eran finales de los cincuentas en la República Argentina, eran buenos tiempos, ese niño quien en vida recibió el nombre de Luís Alberto Spinetta habría de ser uno de los personajes centrales del Rock Argentino, habría de formar parte de tantos grupos que dieron vida y sentido a esa forma de escribir el Rock, su primer guitarra se la había regalado un ex defensa central del Club River Plate, el famoso Jose Gomezza y su primer maestro de guitarra había llegado por consejo de su padre quien era un cantante aficionado, después como sucede con los grandes genios se volvió autodidacta, ese niño que había crecido imitando a Louis Armstrong y a Little Richard  ya componía canciones desde los 11 años, a los 14 vivió la beatlemanía, compró el disco Beatles For Sale y su vida adquirió sentido, era el año de 1965 y Spinetta ya había compuesto un tema para la posteridad, a sus escasos quince años ya se estaba convirtiendo en leyenda, compuso plegaria para un Niño Dormido, tema clásico del Rock Argentino, El Flaco, como siempre le apodaron, no sólo es el espíritu de una generación de músicos que innovaron en una etapa en la que el Rock no se hacía de manera tan habitual, también fue un ídolo y una figura venerada desde sus comienzos, a los 16 ya estaba enlistado en 3 grupos, los Larkins, los Sbirros y Bundlemen con quienes estaría años después formando el grupo Almendra, tan peculiar era su forma de componer que lo mismo improvisaba folk que interpretaba una rumba o una samba, sabía jazz y blues y su sonido era elegante y a la vez virtuoso, cuando la vida concede a los hombres el don del talento algunos saben como aprovecharlo y el Flaco fue uno de ellos, a los 17 años Almendra ya estaba considerado el grupo de moda del Rock Argentino, eran la vanguardia, escuchaban lo mismo The Beatles que al entrañable Waldo de los Ríos, interpretaban piezas que eran complejas y exigían cierto nivel del público para entenderlas, en una época en que todo era una copia adaptada al idioma, Almendra fue un oasis en un desierto sonoro del que sólo sobrevivieron ellos y Los Gatos, ese año de 1967 le tocó ver como La Balsa se convertía en un éxito y después le tocó estar cerca de la época de las grandes revoluciones sociales en 1968, fue una época donde ser joven era un pecado en latinoamerica, se enlistó en la abrigadas anti dictadura, fue miembro activo de varios frentes de izquierda, escribió grandes temas con amplio sentido social, a los 20 escribe el primer disco de larga duración de Almendra y adquiere nuevamente el estatus de súper estrella, la portada enigmática de ese disco fue dibujada por el, luego vino una época obscura para el rock, al entrar a la década de los 70's y con la dictadura militar establecida fue difícil seguir haciendo música, fue una época donde las drogas y los vicios llegaron a su vida de forma vertiginosa, regala su guitarra a Pappo y viaja por 8 meses en una especie de retiro espiritual por toda Europa, al regresar forma con otros 3 grandes, David Lebón, Black Amaya y Oswaldo Frascino el grupo Pescado Rabioso, una banda legendaria con la que su imagen de súper estrella y su talento combinado lo vuelven a encumbrar en un país convulsionado por el gobierno de facto,  buscaron un sonido agresivo  y sin embargo sus bases jazzísticas no se lo permitieron, mezclaron acertadamente la psicodélica de la época con las raíces del folk y blues por todos lados, el grupo se separa y Spinetta se quedó con el nombre, David Lebón inspirado y conmovido por la forma en que todo termina le escribe 'Tema para Luis' donde una frase concluye todo lo que Spinetta representó en esa etapa de su vida 'este es el fin de una explicación de amor' Spinetta fue precursor de tantas cosas en el Rock Argentino y fue una de esas figuras enigmáticas y rodeadas por un halo de devoción y fervor por su música, le siguieron otras tantas bandas, Spinetta Jade e Invisible, pero nada fué como antes, el reconocimiento a un artista que estuvo presente en todas las etapas del rock argentino, que se reinventó y que poseía ese carisma que hace que puedan integrarlo en muchos proyectos, de carácter afable,  que componía  verdaderas joyas musicales, exploró una carrera solista a la vez que estaba metido en varios otros proyectos fue querido y respetado por lo que los más grandes, Charly García, Fito Paéz, entre otros tantos le rindieron homenaje y pleitesía en el año 2009 en el estadio del Vélez Sársfield en un momento cumbre del Rock, un concierto que fue llamado Spinetta y las Bandas Eternas, imaginando, como un cuadro pintado por el destino, se suben al escenario David Lebón enfundado en su guitarra, con esos lentes obscuros característicos y su bufanda blanca atada al cuello, David Cuitaia se sienta en el banco de la batería y el maestro Black Amaya toma con su particular estilo el bajo, el público guarda silencio, las luces se apagan y sólo están dos reflectores, uno sobre Spinetta quien empieza a interpretar los primeros acordes de Hola Dulce Viento y el otro sobre David Lebón quien es el que llevará la voz en la canción, el teatro de la crueldad dicta que la mejor forma de tener al público al pendiente de la obra es llevarlos al filo de las emociones, con una interpretación fantástica y ese riff que es a la vez nostálgico y evocador el Flaco interpreta ese himno del Rock, Lebón reza sobre el micrófono 'hola dulce viento, veo claramente en ti, eres como una amiga que se va' el público esta extasiado y la mayoría llora, es el momento de un delirio sentimental colectivo que no ha tenido igual en ningún otro instante del Rock Argentino, más de cincuenta mil personas lloran por la forma en que estos cuatro grandes se han reencontrado y han interpretado uno de sus tantos temas famosos, Artaud tenía razón, lo que más nos impacta es la forma en que se presenta la obra ante nuestros ojos, la vida se ve retratada como una magnificación de las emociones que recrean la percepción de la experiencia, nuestro teatro de la crueldad a veces no lo es tanto, es más bien un teatro de los sentimientos, Spinetta está en lo más alto del cielo del Rock Argentino, creó una obra solista llamada Artaud que rinde homenaje a un personaje atormentado, se inspiró en su vida para que él solo y su guitarra realizaran el mejor disco de la historia del rock Argentino, el teatro no ha cambiado, esta presente cuando miramos al cielo todo lo que amamos.

Pero antes que nada te quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. 

- Luis Alberto Spinetta sobre Artaud -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1973

Discográfica - Talent/Microfón

Productor - Jorge Álvarez y Luis Alberto Spinetta

- Recomendable Si Les Gusta -
Almendra II de Almendra, Desatormentándonos de Pescado Rabioso, El Jardín de los Presentes de Invisible, Alma de Diamante de Spinetta Jade, Los Ojos de Spinetta y los Socios del Desierto, Candiles de Aquelarre, Color Humano III de Color Humano, La Grasa de las Capitales de Serú Girán, Saltaba Sobre las Nubes de Juan Carlos Fontana y Peluson of Milk de Luis Alberto Spinetta

     

Título del Disco
El disco esta dedicado a la memoria de Antonin Artaud quien fue uno de los escritores franceses más importantes del siglo XIX y que además es considerado el padre del Teatro moderno.     

Portada del Disco

La portada tiene muchas particularidades, para empezar no es una portada cuadrada, es octagonal con los bordes afilados, esta diseñada sobre un fondo verde y una mancha amarilla en la esquina derecha y un pequeño retraso de Antonin Artaud  en ese mismo lugar, los colores obedecen a la siguiente referencia sobre Artaud ¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte. El verde para la resurreción y el amarillo para la descomposición, la decadencia?


Tracklist


1.    Todas las Hojas Son Del Viento  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Cementerio Club (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Por (Recomendación 4 Estrellas)
4.    Superchería (Recomendación 4 Estrellas)

5.    La Sed Verdadera (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Cantata de Puentes Amarillos (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Bajan (Recomendación 4 Estrellas)

8.    A Starosa, El Idiota (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Las Habladurías del Mundo (Recomendación 4 Estrellas)

Track By Track Momentos Cumbres

- Una oda folk propositiva abre el disco con la canción emblemática de una época donde Luís Alberto Spinetta era el poeta de una nación, él junto con David Lebón tenían una característica, ser unos letritas consumados, Todas las Hojas Son del Viento es una canción llena de matices y arreglos folk que nos recuerda los primeros años de Bob Dylan o a Johnny Cash y un sentido poético estilo Victor Parra, la letra de la canción es sencilla, casi minimalista y roza momentos cumbre cuando en su estribillo dice una frase que fué mencionada en la canción Aún Sigo Cantando de los Enanitos Verdes, Todas las hojas son del viendo, ya que él las mueve hasta la muerte, dos voces superpuestas de Spinetta donde da ese efecto de estar cantando consigo mismo y su guitarra acústica que construyó una melodía impecable, el solo del final también es memorable, la fragilidad de la experiencia humana y de la vida misma está cantada en esta enorme pieza.

- Un clásico llega con el segundo tema, Cementerio Club es un blues de doce barras con un acompañamiento de síncopas en la batería que le da más bien un matiz jazzístico, la letra habla de un hipotético cementerio de músicos muertos, tiene dos frases que son para la posteridad Justo que pensaba en vos, nena, caí muerto y Qué solo y triste voy a estar en este cementerio, qué calor hará sin vos en verano, el punteo de los interludios sirvió de inspiración para el solo de la canción Te Para Tres de la versión Unplugged de Soda Stereo muchos años más tarde, es una canción muy al estilo de Almendra, grupo seminal del rock argentino que lo integraron Emilio del Guercio, Luis Alberto Spinetta, Rodolfo García y Edelmiro Molinari quienes marcaron una época con ese grupo y que tenía siempre esa influencia del jazz clásico, Cementerio Club es de esas canciones que encantan por el simple hecho de que al ser construidas sobre una base de blues la improvisación es clave para el desarrollo de la misma, Spinetta nos demuestra su dominio sobre ambos géneros, un músico superdotado.

- Por es una canción muy corta, es un arreglo de guitarra que recita un verso extremadamente alegórico, una letra inspirada en la alegoría surrealista del Cadaver Exquisito del que Artaud también hacía referencia, es una composición en secuencia como lo hacía en la poesía Federico García Lorca o Pablo Neruda, una idea que va agregando elementos nuevos con cada frase o verso y así sucesivamente, Por es una canción que habla sobre la relación de Spinetta y Patricia Salazar con quien estaba unido en ese momento de su vida y con la que procrearía 4 hijos, adapta las palabras que va narrando sin una lógica establecida, por ejemplo la palabra gesticulación llega ahí porque sigue la métrica únicamente, es una de esas composiciones que nos hacen pensar el gran nivel artístico que tenía encima Spinetta, un poeta auténtico que emplea las palabras por su duración y para que encajen en los compases, que entren por la forma en que se articulan los versos, algo arriesgado para la época, pero es otra genialidad que encontramos en Artaud.

- Superchería es un tema que está integrado por tres temas a la vez, un vals inicial, un intermedio de rock y un jazz swing en los interludios, la palabra Superstición se repite una y otra vez con algunos monosílabos mezclados, sin embargo no es un tema a descartarse, al contrario, la forma en que se integran las tres partes es a destacar, en esta pieza Spinetta se hace acompañar de Rodolfo García en la batería y de Emilio del Guercio en el bajo, es un tema que semeja mucho a la canción Figuración de su etapa con Almendra.

- Las luces que saltan a lo lejos, no esperan que vayas a apagarlas jamás es lo que Spinetta dedica a su público en su enorme tema La Sed Verdadera, es solo Spinetta con sus guitarras acústicas y eléctricas en una especie de diálogo con aquellos que esperaban encontrar la salida de sus problemas con sus temas y que lo habían elevado el estatus de ídolo, esa especia de conversación personal al estilo de Rayuela de Julio Cortázar, abre tu mente al mundo y las guitarras con sonidos grabados de fondo, un tema impresionante.

- Una suite de 9 minutos, el auténtico punto neurálgico del disco es Cantata de Puentes Amarillos, surrealista, lleno de virtuosismo, inspirado en el libro de Heliogábalo de Antonin Artaud y en lo forma en que pintaba Van Gogh, Spinetta expresó su solidaridad con todos los marginados del mundo, es una canción impresionante, a lo largo del tiempo que dura va transcurriendo por tantos pasajes que es admirable la forma en que se construyó sobre una base acústica el resto de los arreglos, toda la letra es simbólica en todos los aspectos, la sangre es en referencia a la oreja cortada de Van Gogh y a la forma en que asesinaron a Heliogábalo, los puentes amarillos son una forma de mencionar la pintura de Van Gogh, la forma en que enlaza los acordes es por si misma increíble, cambia de forma, transmuta es todo menos pop, es una canción que nos obliga a pensar, que nos exige cierto nivel de conocimiento previo, emparentada en su construcción con Crisálida de Pescado Rabioso 2, A Day in The Life de The Beatles, tiene tantas frases tan surrealistas que es imposible separar la canción en partes, es mejor escucharla poco a poco y adentrarse en los instantes llenos de virtuosismo que encierra, 'nunca la abandones, puentes amarillos', Spinetta en pleno, Spinetta exorcizando sus demonios, llevándonos a pasajes oníricos de la mano de su guitarra, la realidad política de su país en los 70's y todo el armamento de recursos musicales que poseía, Cantata de Puentes Amarillos es sin duda una de las mejores canciones del Rock Argentino de todos los tiempos.

- Bajan es la canción mas comercial del disco y sin embargo no deja de ser una canción cuya construcción melódica es impecable, una forma de denominar a la vida transcurriendo con prisa, a veces sin detenernos a pensar en nada, un tema de rock que grabó con su hermano Gustavo Spinetta y su entrañable amigo ex Almendra, Emilio del Guercio, un tema hasta cierto punto hippie, el solo de guitarra del final es festivo, se nota la influencia de Billy Halley en la forma que construyó el solo.

- A Starosta, El Idiota, es una canción enigmática, Starosta eran una figuritas con las que Spinetta jugaba siendo niño, el Idiota hace referencia a como le apodaban a Antonin Artaud, al que Claudio Roy le llamó El Idiota Sagrado, es una canción armada en 4 partes, la primera supuestamente interpretada por Spinetta al piano aunque no aparece en los créditos del disco, la segunda parte una especie de Revolución 9 de The Beatles donde se aprecia inclusivo She Loves You y el llanto de una mujer, la siguiente parte es Spinetta con su guitarra acústica en un patrón melódico diferente, otros acordes y otro ritmo, es una canción que acaso sería la única o la más floja del disco, aún así es un extraordinario tema.

- Un tema impecable cierra esta obra de arte, Las Habladurías del Mundo es un tema latinizado por la influencia que había ejercido Carlos Santana en una etapa de la vida musical de Luis Alberto Spinetta, utiliza recursos como la imitación de la voz con la guitarra, que usaba muy comúnmente George Harrison, es un tema que engloba una obra llena de momentos destacables, es un disco que tiene como principal virtud ir en contra de todo y no aportar éxitos, sino una obra total.

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RadioJoshua - Disco de la Semana - Senderos de Traición de Los Héroes del Silencio

RadioJoshua en su sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los sentidos ... Desde Zaragoza, España, el segundo disco de una de las bandas emblemáticas de esa región, una obra que puede considerarse su punto creativo más alto, un trabajo introspectivo, lleno de símbolos y de sonidos que se fusionaron en un material que contiene varios de sus grandes temas, exploran sentimientos como la ira, tristeza, frustración y la melancolía, un obra con matices góticos, rock en su más puro estado, hard rock y hasta pasajes pop, un disco que los dejó posesionados como una joven promesa dentro de la escena rock Española de inicios de los noventa

Héroes del Silencio - Senderos de Traición

Para ti que escribes sin saber por el gusto de hacerlo y compartirlo, por todo aquello que te inspira y te conmueve...

Dicen que empezó a escribir y el mundo se llenó de simbolismo, era una época distinta, el escritor debía convertirse en un vidente por medio de un largo camino para desordenar poco a poco sus sentidos, un proceso que habría de cabiarle la vida y que tendría que ir narrando con el paso de la tinta y las hojas, él mismo lo había comprobado desde su infancia en Charleville, cerca de las Ardenas, a unos pasos de los bosques densos e impenetrables de la región septentrional de Francia, fue el más grande poeta francés de su tiempo quien inició su vida literaria a la corta edad de ocho años cuando compuso sus primeros sonetos y versos, a los 12 ya escribía en latín, escribía con tal realidad de sus miedos y fobias internas que conmovió a sus contemporáneos, tuvo un paso fugaz de solo unos años en el mundo literario y en el de los mortales, ese genio se llamó Arthur Rimbaud sería recordado por esa capacidad genial de escribir sobre todo lo que veía e imaginaba, una mente llena de recursos para la narración que habría de influenciar el mundo de las letras francesas por dos siglos, Victor Hugo se refirió a el como el Pequeño Shakespeare, de él se desprenden nombres como André Bretón, Henry Miller, William S. Borroughs, músicos como Bob Dylan, cineastas como Pierre Paolo Pasolini, esa mente inquieta de un niño de la campiña francesa que fue educado bajo la instrucción militar al estilo Napoleón Bonaparte por su padre y quien tuvo en Paul Verlaine al amor de su vida, esa persona que fue adicto al absentha y al hachís y que vivió varios años en la calle, que consideraba que el mundo era un misterio por descifrar, al crear el Simbolismo el mundo ya no sería el mismo porque las escenas de la naturaleza, las acciones de los seres humanos, tanto emocionales como físicas y todo el resto de fenómenos existentes no serán nombrados para expresarse a sí mismos; serán más bien plataformas sensibles destinadas a mostrar sus afinidades esotéricas con los ideales primordiales, esos ideales como el amor y la redención, la fe y la espiritualidad individual habrían de considerarse esenciales para vivir en un mundo hostil y decadente pero que encierra encanto y esperanza, Rimbaud habría de ser influenciado por otro personaje de las mismas características, un artista de la palabra llamado Charles Baudelaire, un hombre de vida bohemia y de excesos, influenciado por Edgar Allan Poe y por Theophile Gautier, que lo mismo escribía poesía y criticaba a los clásicos de la música como Richard Wagner, de un estilo único que oscila entre lo sublime y lo diabólico, entre lo elevado y lo grosero, entre el ideal y lo angustiante, su obra Las Flores del Mal se convierte en la antítesis de las buenas costumbres, le valió una condena por inmoralidad porque encuentra la belleza en lo más bajo y degradante del género humano, en todos sus vicios y sus pecados, siendo señalado como el más grande de los poetas malditos, un alma trágica que se trató de ganar la vida retratando las malas costumbres, con un estilo único, avasallador, difícil de entender, una lectura que quedó para la posteridad y que fue retomada por toda la cultura beat de Nueva York de los años 50's, esos autores vieron en la obra de Baudelaire una enorme fuente de inspiración,esa generación de músicos y escritores a los que Herb Caen bautizó bajo ese apelativo tan despectivo al no consideradlos artistas norteamericanos, bajo esa etiqueta fueron mostrados como la alternativa a toda la parafernalia europea bohemia, Allen Ginsberg, Jack Kerouac y William Borroughs elevaron sus nombres a un pedestal por esa forma tan directa de retratar los vicios de una sociedad en los tiempos de la guerra de Vietnam, eran otras épocas, memorias de un tiempo lejano que no nos tocó vivir y sin embargo aún resentimos sus secuelas, una ideología lejana que parece seguir el lema de que la forma sigue a la función como estableció la escuela de la Bauhaus a inicios del siglo y de la que derivan tantas formas de arte y diseño, con una enorme influencia en la música, sobre todo en un grupo que fue pilar de la música británica de los asó 70's y 80's, esa banda se llamó The Cult, con raíces punk y de psicodelia fueron la banda que mas habría de influenciar a un joven de la provincia de Zaragoza en España, su padre, medico de profesión, le había comprado una batería de medio uso la cual había aprendido a tocar y sin embargo escuchó el llamado de las cuerdas y se habría de convertir en uno de los guitarristas más icónicos del Rock Español, ese joven que en vida se llama Juan Valdivia, construyó un estilo tan característico en la escena española que sus composiciones y su forma de tocar son únicas, en el año de 1981 formó junto con su hermano y un primo la banda Zumo de Vidrio, la escena rock de Zaragoza de inicios de los 80's incluía también, al grupo que formaba uno de los músicos jóvenes mas reconocibles de la región, ese grupo que llevó por nombre Proceso Entrópico tenía en la voz a Enrique Ortiz de Landázuri, quien años más tarde cambiaría su apellido a Bunbury, los hermanos Valdivia fueron los sobrevivientes de una época donde no se encontraba mucho rock en España, sin embargo tenían como influencia notable a los grupos de la escena rock británica como New Model Army y The Cult, leían a los autores de la generación Beat y se sabían la obra de los poetas malditos, es en esos libros que cambian su nombre a uno que los haría famosos, se hacen llamar los Héroes del Silencio después de una controversia con una de sus primeras canciones que se llamaba Héroe de Leyenda, titulo adoptado de la lectura de Paul Verlain, ese grupo efímero se convirtió en la semilla de Héroes, se les uniría el talento de un bajista de Calatayud, el maestro Joaquin Cardiel con ese sello tan particular y el baterista Pedro Andreu quien habría de estar con ellos en dos etapas distintas, así el 16 de diciembre de 1984 se presentaron por primera vez en su natal Zaragoza, un lugar apartado de todo lo que en Madrid        se estaba produciendo musicalmente hablando, en Zaragoza no encontraron obstáculos, dominaron un lugar que no era conocido por sus artistas de rock, era más bien conocido por otras virtudes artísticas y sin embargo supieron moverse dentro de su lugar de origen, sus letras siempre fueron inspiradas en los clásicos, Baudelaire les aportó su espíritu decadentista que fue tan utilizado en las primeras canciones que grabaron, de William Blake tomaron sus poemas como El Camino del Exceso, Bunbury cambió su nombre por un personaje de la obra de Oscar Wilde de la obra de teatro La Importancia de Llamarse Ernesto, La Sirena Varada, título de una de sus canciones está tomado de un texto de un escritor eminente de la Generación del 27 llamado Alejandro Casona y Pablo Neruda con su poema Opio del Oeste inspiró su canción del mismo nombre, es notable la forma en que construyeron su carrera comenzando desde España, se fueron extendiendo en Europa y el salto hacia nuestro continente se dio casi de forma natural, Héroes del Silencio es uno de esos grupos que el tiempo volvió clásicos, siempre mostraron blasones de calidad interpretativa quizás no con la elocuencia de otros grupos de Rock Españoles que no lograron tener el éxito mediático y que musicalmente eran más complejos y pro positivos, menos arrogantes, más arriesgados e incluso más sinceros en cuanto a su propuesta y pese a todo nadie puede negar un legado que comenzó a gestarse mucho tiempo atrás, hace más de 30 años en esa región del centro de España (muy cerca del Rio Ebro) que fue asediada por los ejércitos de Napoleón durante la Guerra de la Independencia, el bisabuelo de Arthur Rimbaud estuvo en una de las batallas (por las que a Zaragoza se le conoce como La Heroica) pese a que se firmó ahí mismo la capitulación en 1809, habían pasado casi 200 años para que una revolución musical sucediera en ese lugar, mucho tiempo después se dio esa explosión de rock en los famosos teatros de la ciudad, como la Sala Oasis, la Casa del Loco y la Sala Reset, nadie sueña con la eternidad, a todos se nos ha enseñado a soñar a pequeños pasos y ese espíritu de trascendencia inunda la mayor parte de nuestras mentes, los autores del Simbolismo que influenciaron las letras de Héroes del Silencio tomaron como molde la mayor parte de los sentimientos más humanos y los dotaron de condiciones que los mostraban más cercanos a nosotros, a veces tan difíciles de entender los sentimientos y los valores cambian de acuerdo a nuestras circunstancias, esa transmutación, tangible en las obras decadentistas nos ubica dentro de un mundo donde las emociones juegan un papel importante en nuestras vidas, William Blake lo enarbola en su famoso soneto de una sola cuartilla titulado Eternidad 'Quien así encadenare una alegría, malogrará la vida alada, pero quien la alegría besare su aleteo, vive en el alba de la eternidad'

Siempre he compuesto letras, incluso cuando no cantaba. Son muy individualistas, intento expresar en ellas lo que llevo dentro. (...) La mayoría de nuestras canciones hablan de la duda y por lo tanto hay frases que no tienen mucho que ver unas con las otras. (...) Hay gente que opina que nuestros textos no quieren decir nada, es que no consiguen identificarse, o que simplemente no les llegan. (...) Nosotros no somos graciosos, escribimos sobre sentimientos y no sobre historias concretas
- Enrique Bunbury -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1990

Discográfica - EMI

Productor - Phil Manzanera

- Recomendable Si Les Gusta -
Zumo de Vidrio de Zumo de Vidrio, The Art of Waiting de Alan Boguslavski, La Forma de mover tus Manos de Elefantes, Los Chulis de Los Chulis, Bushido de Bushido, Quiero Hacerte Gritar de Los Piratas, El Ángel de Raphael, Miren Iza de Miren Iza, Mensajes al Viento de Niños del Brasil, Como Me Acuerdo de Robi Draco Rosa y El Manifiesto Desastre de Nacho Vegas 

     Después de su disco debut, Héroes del Silencio enfrentaron el reto de realizar su mejor obra con la ayuda de uno de los productores más famosos de la escena del rock, el gran Phil Manzanera ex guitarrista del súper grupo Roxy Music fue el genio encargado de extraer toda la esencia del grupo en el estudio de grabación, fue editado en los estudios Kirios de Madrid propiedad de la multinacional EMI y mezclado en Suiza en Zúrich, Keith Bessey fue el encargado del sonido tan directo y contundente en aquel año de 1990, es una obra que muestra un grupo completamente acoplado, aunque algunas canciones fueron concebidas varios años antes el material que se obtuvo de esas sesiones de grabación desde 1989 dejó de lado varias versiones inéditas de algunas canciones, mismas que fueron lanzadas en el álbum Rarezas (las maquetas y demos que se tenían de algunas composiciones fueron resguardadas por mucho tiempo), en una época donde el pop reinaba las estaciones de radio, Senderos de Traición aportó una fuente de inspiración para varios grupos que precedieron esa época de Rock Español, fue una influencia notable por muchos años y nunca más se logró una obra tan completa en la discografía de los Héroes del Silencio, se trata sin duda alguna del mejor trabajo de la agrupación, fue nombrado como el segundo mejor disco de la historia del Rock Español y es una obra obligada cuando se habla del legado del Rock Iberoamericano.

Título del Disco
      Senderos de Traición es un título con toda la carga de Simbolismo por la influencia que tuvieron los músicos con la vertiente simbólica desde Rimbaud hasta Baudelaire.

Portada del Disco

    La portada es icónica, es una imagen del grupo sobre un fondo blanco y el emblema formado por dos dragones y una cruz, obra del Estudio Pedro Delgado


Tracklist


1.    Entre Dos Tierras  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Maldito Duende (Recomendación 4 Estrellas)

3.    La Carta (Recomendación 4 Estrellas)
4.    Malas Intenciones (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Sal 

6.    Senda (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Hechizo (Recomendación 4 Estrellas)

8.    Oración (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Despertar (Recomendación 4 Estrellas)

10.  Decadencia 

11.  Con Nombre de Guerra (Recomendación 4 Estrellas)
12.  El Cuadro II

Track By Track Momentos Cumbres

- El disco abre con una canción que se reconoce desde sus primeras notas, Entre Dos Tierras y ese intro con acordes de la guitarra del maestro Juan Valdivia con ese delay y el chorus tan característico, se tienen que esperar casi 5 segundos desde el inicio de la canción para ese memorable inicio, esa forma de encajar las repeticiones del delay en un compás de 4 cuartos es magistral, se repiten ese círculo de guitarra hasta que entra la batería del gran Pedro Andreu con una percusión que se escucha tan fuerte e intensa y realza aún más el sonido de la guitarra, el bajo de fondo del maestro Joaquín Cardiel nos da esa impresión de que estamos ante una estampida de toros salvajes, es casi un martillo que percute poco a poco los oídos y nos prepara la escena para que Enrique Bunbury comience a recitar los versos con ese fraseo al estilo de Raphael, no es Jim Morrison aunque muchos así lo vean, es solo un cantante barítono con un estilo que siempre ha oscilado entre el cantante clásico de bodevil y el intérprete de Rock, es en esa pose que se sitúa siempre, ese aire de misticismo de la canción sumado a lo grandioso del solo de guitarra de Valdivia ponen a Entre Dos Tierras como una canción que ya es memorable desde que inicia hasta que termina.

- Un arpegio de cuerdas anuncia la segunda canción, una balada pop de largo alcance, Maldito Duende nos sitúa en una dualidad bastante elocuente, una expresión retórica de estados de ánimo contradictorios, habla sobre la grandeza y la decadencia, existen muchas versiones al respecto y musicalmente es una joya, a través de los minutos va desdoblando su esencia, esos interludios con los acordes arpegiados de forma magistral por Juan Valdivia que solo le añade un poco de chorus a su guitarra, nos muestran su enorme capacidad de lograr pasajes armónicos complicados de imaginar, los coros también son sobresalientes, pero los interludios son lo más destacable, la batería de Pedro Andreu sabe marcar esos lapsos donde el ritmo es parsimonioso y aquellos donde se debe ir en pandemónium, es una canción que se intrepreta siempre porque tiene esa cualidad de los clásicos, nos remonta a una época donde la metáfora se vuelve indispensable para la expresión de símbolos e ideas abstractas donde las palabras no alcanzan para describir todo lo que se vive.

- Un diálogo entre el bajo de Joaquín Cardiel y la guitarra de Juan Valdivia enmarcan el inicio de La Carta, una canción con una notable influencia en las composiciones de The Cult, pero también hay mucho de Peter Frampton en esa guitarra de Valdivia, se nota también la influencia de Mark Knopfler en la forma de interpretar los fraseos de la guitarra, es una pieza que se fue armando poco a poco con una base rítmica llena de profundidad, un ritmo clásico de 4/4 y unos interludios bien logrados con esa melodía de guitarra, la letra habla sobre el final de una relación con puntos suspensivos, algo que parece no tener final, nostalgia y varias evocaciones a la tristeza, una canción que Enrique Bunbury interpreta de una forma muy sensible, otro clásico.

- El intro de Malas Intenciones es impresionante, los arpegios de guitarra de Juan Valdivia se vuelven a hacer presentes desde el inicio de la canción, la percusión que marca en sus platillos Pedro Andreu sirven de marco para después entrar con las sección de tarola, muchas cosas a destacar sobre la letra, una diatriba con una carga sentimental intensa, no me importa lo que pienses sin duda no me entero ya, es una de esas líneas intensas de la canción que definitivamente llega a lo más profundo del subconsciente, los coros también son a destacar pues Joaquín Cardiel contribuye con una parte vocal en este segmento de la pieza, hay un interludio donde se repite el arpegio y alcanza tintes épicos al entrar al segundo verso, el cual también destaca por su melancolía y ahora se que no comprendes, no tenemos nada en común, la parte del solo de Valdivia destaca por la utilización de delay lo cual añade aún más profundidad en su interpretación, existe otra línea que tiene una carga de nostalgia inmensa quisiera no pensar más de un segundo en ti, esta es una de esas piezas que son memorables, no solo porque musicalmente son muy llamativas, también hay que señalar el hecho de que puede adaptarse a varias situaciones desde una venganza hasta una plegaria de compasión, como sea es una de las canciones que más interpretaban los Héroes en sus giras y que definitivamente está grabada en la memoria de muchos de nosotros como parte del soundtrack de nuestras vidas.

- Sal es solo una breve introducción para una pieza memorable, la voz de Enrique Bunbury a la que se le añade un eco

- La guitarra con delay y Flanger de Juan Valdivia anuncia una percusión que semeja una estampida, el bajo de Joaquín Cardiel acompaña la percusión de una manera formidable, esa alegoría del inicio de un nuevo camino nos sitúa entonces en una disyuntiva, dar o no dar ese paso, Senda es una canción con tintes épicos en los coros, en los versos se nota siempre esa carga de simbolismo que acompañaba a las composiciones de los Héroes del Silencio, hay muchos pasajes que se distinguen por esa forma tan característica de escribir, hay momentos que denotan una lectura profusa e intensa de los libros del simbolismo francés como Rimbaud y Verlaine, hay también instantes de Baudelaire, también hay un final como pocos, los coros que se repiten una y otra vez para dar paso a esa guitarra de Valdivia que ya nos ha hipnotizado a lo largo de todo lo que va del disco, es el alma del grupo, todo se construye alrededor de esa forma de intrepretar la guitarra.

- Hechizo es una canción que habla sobre las drogas, sobre ese efecto alucinante de ciertas sustancias, desde el intro con esas dos notas que se repiten de forma intensa, la percusión de Pedro Andreu no hace más que enmarcar un estado alterado de conciencia, no es la primera vez que me encuentro cerca de conocer la locura dice la primer parte de los versos, brazos agotados, evocaciones de imágenes que están por todos lados, la canción en sí misma ya es un alucine, es como sumergirnos en un viaje donde la percusión nos lleva con ese ritmo frenético a otro lado, al espacio exterior, la guitarra tiene varios momentos importantes, la voz de Enrique Bunbury viaja a una velocidad intensa, Hechizo es de esas canciones que se quedan grabadas en la memoria, hay una frase que es contundente a este hecho ganar o perder se que nunca me importa, lo que embruja es el riesgo y no a donde ir, enorme canción.

- Una plegaria, un grito de ayuda es el que llega con Oración, es un tema lleno de belleza y elegancia, nos envía a otra época, es una memoria de alguien que ha sufrido y nos comparte esa angustia envuelta en celofán para que sea menos doloroso escuchar esos lamentos, el intro de guitarra es impecable, es prístino y lleno de matices, esa percusión en 3/4 donde se agrega el bajo para armar una estructura de melancolía en el ritmo, la guitarra construye pasajes complicados una y otra vez y se desenvuelve hasta formar acordes en los interludios que al ser tan evocadores no llevan letras, las notas son las que hablan poco a poco, hay tantas frases que son intensas no hay oración capaz de decidir por mi es una de esas frases que se volvió épica, es una de esas joyas que suceden de vez en cuando, a veces cuando nuestra capacidad humana no nos da para encontrar respuestas se recurre a alguna respuesta en otro lado, el solo de guitarra es a la vez intenso y lleno de fuerza, es una de esas canciones que nos dejan pensando en la posibilidad humana de la redención, de la búsqueda del bienestar propio pese a las circunstancias.

- Despertar es otra enorme canción, todo se olvida al despertar una vez más recita Enrique Bunbury en los coros de la canción, una evocación al mar como sucedió desde su primer disco El Mar No Cesa nos ubica en un entorno portuario donde la guitarra de Juan Valdivia comienza a trazar instantes como oleaje intenso, como ya es su costumbre esos arpegios a toda velocidad lo distinguen en los inicios, soñar entre arena y espuma es otro fragmento destacable, la canción habla también del perdón, de esa facultad humana de olvidar a quien nos hizo mal dolosa e inconscientemente, la pieza tiene una furia y un ritmo que nos hacen sentir una tempestad de guitarra, bajo y batería y la interpretación vocal que termina por completar una canción redonda, otro clásico.

- La canción con más tintes de Rock llega hasta Decadencia, de los últimos temas del disco, es un rock clásico con una guitarra con abundante distorsión por parte de Juan Valdivia y una percusión a un ritmo que nos recuerda las épocas del Hard Rock, es un tema de transición con una letra metafórica muy compleja de entender, es un tema que nos enseña el camino hacia el final del disco, un tema absolutamente prescindible. 

- Con Nombre de Guerra es una canción sobre una prostituta como hay muchas en el Rock, hay tantas y de diversos estilos, como Roxanne de The Police, Charlotte The Harlot y 22th Acacia Avenue de Iron Maiden, Dixie de Dildo, Vendedora de Caricias de Panteón Rococó, Pretty Tied Up de Guns & Roses, Your Shamefull Heaven de My Dying Bride, An Erotic Alchemy de Moonspell, La Calle es su Lugar de GIT, Bad Girls de Donna Summer, Three Wooden Crosses de Randy Travis, 53rd y 3rd de The Ramones, hay tantas y tantas que es un tema ciertamente no tan ajeno al rock, en esta pieza de Heroes hay varias cosas que son destacables como todos los pasajes armónicos que construye Juan Valdivia con su guitarra, desde los acordes, los arpegios en los versos, el solo de guitarra que es tan limpio, esta canción muestra la mano de Phil Manzanera para la producción aumentando la carga de guitarra y reduciendo el resto de los instrumentos, tal como sucedía en sus producciones con otros grupos latinoamericanos.

- El Cuadro II es la última pieza del disco, es un tema que culmina una etapa creativa que no tuvo otro momento igual con Héroes del Silencio, ningún otro trabajo superó este disco y llegó en un momento ideal, en el Cuadro hay evocaciones artísticas muy bien logradas, pero no deja de ser el tema que cierra el disco.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Aquamosh de Plastilina Mosh

RadioJoshua en su sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los sentidos ... Uno de los tantos grupos de la Avanzada Regia que empezó a hacer ruido a finales de los 90's, de una mezcla ecléctica entre el punk y el ambient pop, de orígenes tan distintos como lo fue la música de su primer material, eran la vanguardia en un ambiente que se impregnó de las ideas musicales del otro lado de la frontera con una mezcla de electrónica y trip hop,  letras muchas veces absurdas e incoherentes pero un enorme sentido del ritmo y de lo comercial, fueron pioneros en un género que todavía sigue dando de que hablar, una generación entera creció con ellos, nostalgia, música y mucho kitsch  

Plastilina Mosh - Aquamosh

Se inventó en la ciudad de Bristol, por decirlo de alguna manera, todo surgió del lado oeste del segundo puerto más importante de Inglaterra, una ciudad que ya había sido la cuna de varios géneros, algo misterioso ocurrió a finales de la década de los 80's, el puerto que había sido tan famoso en el siglo XVI como lugar de tráfico de esclavos contaba con una riqueza étnica que llevaba al menos 4 siglos de historia, en Bristol se encontraron los primeros habitantes de todo el Reino Unido que procedían del África, también a finales del siglo XIX llegaron personas procedentes de las colonias británicas como Jamaica y algunas islas del caribe, esto dio a ese puerto una mezcla tan interesante de tradiciones, cultura y sobre todo de música, en esa década de 1980, los artistas británicos comenzaron a interesarse mucho por los ritmos africanos y caribeños, comenzaron a experimentar con un sonido nuevo que llegaba a ellos en forma de discos de vinilo y que supieron (acertadamente) meter en sus tornamesas y equipos primitivos de mezclas, fue ahí cuando comenzó a realizarse el fino arte del sampler, el cual bien logrado crea mágicas atmósferas sonoras, es todo un arte el copiar y modificar un extracto de cualquier pieza y usarlo a conveniencia junto con una percusión que casi siempre sale de una caja de ritmos, con esos dos elementos, en Bristol a inicios de los 80's nació el Trip Hop, género de raíces africocaribeñas pero que por una coincidencia histórica encontró en los músicos británicos su cuna y su verdadero centro neurálgico, fue con un estilo de ritmo  jamaiquino llamado 'down tempo' que el Trip Hop encontró su base rítmica, esa forma de llevar el ritmo con parsimonía y elegancia distingue a esta forma de hacer música de cualquier otra, a partir de esa percusión se puede agregar todo tipo de acompañamiento, eso lo sabían hacer muy bien en aquellas épocas ochenteras la gran mayoría de los DJ's de los clubes de Bristol, pero uno en particular podría considerarse el punto de inflexión hacia una nueva forma de hacer música, había una comunidad de músicos llamada la Wild Brunch, que se juntaban los fines de semana para llevar sus vinilos de artistas del Soul, del R&B y del hip hop tradicional para jugar con las mezclas en un proceso creativo colectivo donde todos aportaban a la mezcla algo original y novedoso,  es en ese club donde nace, crece y se desarrolla el género, madura de una forma impresionante y alcanza gran popularidad, el sonido de Bristol comienza a darse a conocer más allá de esa ciudad portuaria, nada en el mudo sonaba igual a los que ahí se hacía y llega rápidamente a Manchester, a Liverpool y por fin a Londres donde se suscita una verdadera fiebre por el género, ahí comienzan a recordarse los nombres de esos alquimistas del sonido, de repente Adrian Thaws quien fuera un artista del graffiti y de raíces jamaiquinas se hace de una enorme fama con su seudónimo Tricky Kid, hasta que sólo se denomina Tricky, salen otros nombres de ese colectivo, de repente el mundo se inunda de Trip Hop, aparecen Massive Attack, Morcheeba, Portishead, todos ellos herederos de una tradición sonora que no se habría consumado de no ser porque la esclavitud llevo  ese lado del mundo las raíces de esa música, entre los grilletes y las bolas de hierro, los esclavos entonaban cánticos de libertad y justicia, no era gospel, no eran canciones de esperanza, eran ritmos avanzados usando las percusiones que sus endebles pero a la vez resistentes cuerpos les daban para pasar las noches solitarias en las barracas, mirando con esos ojos de hastío y rabia lo que del mundo les era arrebatado por los intereses económicos de las potencias europeas, de ahí ese estilo del down tempo que es hipnótico, es un ritmo que tiene componentes de abstracción increíbles, que hace soñar atmósferas sonoras tan distintas con voces o percusiones,  a partir de ese momento, finales del los 80's el Trip Hop llega a Estados Unidos y encuentra en el Bronx y en el lado oeste de es país como en los Ángeles su lugar de asentamiento, comienzan a figurar nombres en esa incipiente pero llena de dinero industria discográfica americana, pero a la vez influencian el nacimiento de otro sub género que es el industrial, una vertiente menos armónica y si más ruidosa con artistas como NIN, ese lado sur de la unión americana es un mercado codiciado por la industria, no solo de ese país sino también del nuestro, existió entonces la gestación de otro colectivo de músicos que llenó de música las estaciones de radio atestadas de redoba y banda de la ciudad de Monterrey a finales de los 80's, una noche de otoño de finales de esa década, estaban en el famoso bar del café Iguana de esa ciudad uno de los grupos más destacados de un movimiento que se le denominó la Avanzada Regia, se encontraban amenizando el lugar Jonás Gutiérrez conocido por sus estridentes sonidos de guitarra fruto de sus viajes al otro lado de la frontera para comprar equipo y pedales de efectos , también estaban ese día el gran guitarrista Rolly Támez, el baterista Omar Góngora y el Wiwa Punch en el bajo, es grupo llamado Koervoz de Malta combinaban el ruido de sus influencias como Sepultura, War y Black Sabbath con los ritmos afroantillanos de Mano Negra, era una mezcla extraña, subversiva e interesante, entre el público se encontraban la otra cara de la Avanzada, estaban los integrantes del grupo los Arcanienses, formado por los amigos de un joven pianista prodigio llamado Alejandro Rosso, ese grupo caracterizado por sus interpretaciones de música etérea y de corte clásico, quienes conocían la obra de los artistas de la época dorada del clasicismo austriaco y alemán como Bach, Beethoven y Schumman y las llevaban al rock, de esa mezcla tan extravagante años después saldría el grupo Plastilina Mosh, pionero en nuestro país de las cajas de ritmos y el Trip Hop en sus inicios, tomaron elementos que eran clichés de una época que no les perteneció, de la cual eran unos niños cuando estaban en auge, tomaron el estilo de Mauricio Garcés en su forma de vestirse, el cine de bajo presupuesto de los 70's para sus historias, tomaron elementos del funk y del hip hop, absorbieron el Trip Hop, se adueñaron de la forma de hacer samplers con elementos de los 60's y 70's, fueron kitsch, ese estilo que por mal gusto termina siendo adorable, dos elementos tan distintos en sus gustos, uno de ellos fan del metal y el rock más rudo, el otro escuchaba las variaciones Goldberg de Bach de Glenn Gould, las dos caras de una moneda que había sido lanzada por el destino, de juntar dos mentes prodigiosas en un mismo barco que estaba dirigido hacia el mismo destino, esa Avanzada regia nos dio tantos grupos buenos en sus épocas doradas, Monterrey fue la capital del rock de vanguardia, la cuna de un sonido que se gestaba con influencias de todo el mundo, estaban quienes hacían cambias/rock como el Gran Silencio, tremendamente influenciados por los grupos uruguayos y argentinos, estaban quienes hacían un Rock mucho más americanizado y comercial, un pop rock digerible y altamente armónico como Jumbo, quienes hacían un poco más de ruido y copiaban a The Beatles como lo fueron los Zurdok Movimiento, o copiaban el brit pop como Volován, hubo otros que se inclinaron más por los ritmos latinos y caribeños como los Kinky, otros que se copiaron a Green Day y todos los exponentes del Happy Punk como Panda, hubo quien mezcló el hip hop con redoba y banda como Control Machete, hubo rap y música de protesta de altos vuelos como los de La Última de Lucas, pocas veces una ciudad generaría tanta música en tan poco tiempo, fueron 10 años dorados donde la vanguardia venía del norte y los que habitamos esta parte de México apenas podíamos seguirles la pista, ese movimiento gestado a inicios de los 80's con grupos que solo se oyen sus leyendas como los Le Fruit Company, Eitaph, Rouxé y Midas Touch de los que solo nos quedan las historias en los lugares donde su música inundó los oídos de unos cuantos iniciados, eso que comenzó como totalmente underground llegó al mainstream a finales de los 90's, la enorme influencia que tenía el vecino del norte en esas bandas se veía hasta en la forma de escribir las canciones, así como en Bristol, del otro lado del mundo la escena se llenó de samplers aquí nos llenamos de guitarras, esa época dorada de la Avanzada Regia vió como la mayoría de sus grupos eran aceptados por un público lleno de ganas de escuchar cosas novedosas, el movimiento de Rock en tu Idioma había quedado atrás apenas 5 años antes, la gente estaba lista para lo nuevo, de ahí el gran éxito, para cualquier adolescente en los 90's esos discos se volvieron imprescindibles, las canciones himnos y esa nostalgia que inunda nuestras mentes cada vez que escuchamos canciones de la época son fruto de una era previa a la peor crisis económica de nuestra historia, previa a tantas cosas que en lo social y político nos toco vivir como meros espectadores, los tiempos cambian y en la música esa también es una máxima, la capacidad de adaptación a lo nuevo, hay personajes que sobreviven por más de 50 años en este ambiente donde renovarse o morir es la regla, en la música las cosas suceden de forma vertiginosa, pero los grandes trabajos siempre quedan como una huella indemne del paso del tiempo, al escuchar nuestros clásicos también traemos a nuestra memoria los lugares y las circunstancias del momento, nuestra mente es una caja de recuerdos, una caja de ritmo que late junto con nuestros corazones, no somos nada sin nuestras memorias, sin nuestra música, sin nuestras canciones.

- Una explosión de talento, de jazz, ambient, hip hop, trip hop todo mezclado y aderezado de una forma tan impecable que habría de considerarlo la obra maestra de la Avanzada Regia -
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Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1998

Discográfica - Soni Music

Productor - Alejandro Rosso

- Recomendable Si Les Gusta -
Acoustic de Everything But The Girl, Who Can You Trust? de Morcheeba, Melody AM de Röyksopp, Hairway to Seven de Butthole Surfers, Dummy de Portishead, Things To Make and Do de Moloko, The Magnificient Tree de Hooverphonic, Koervoz de Malta de Koervoz de Malta, Arcanienses de Los Arcanienses

     El primer trabajo del grupo Plastilina Mosh es una obra redonda por donde se le observe, el trabajo de estudio conjuntó una producción que sabia hacia donde se dirigía el proyecto junto con un grupo de talentosos músicos que fueron reclutados por el dueto de Alejandro Rosso y Jonás Gutiérrez a inicios de los 90, en sus filas estaban el bajista Milton Pacheco quien dominaba el funk, estaban también el baterista Rully Támez, fue grabado en colaboración con los estudios de Soni en El Paso Texas y en Monterrey en el año de 1998, algo distante para una era donde la Avanzada Regia ya había dado mucho de que hablar y sin embargo este disco catapultó a la fama al dueto quien años más tarde no ha podido igualar otro disco de estas características.

Título del Disco
      El disco lleva por título una de las mejores canciones del catálogo de Plastilina Mosh, Aquamosh es la octava canción del disco.

Portada del Disco

    Un auténtico despliegue de imaginación, unas gotas de mercurio sobre una base de acrílico elegantemente detallado con esos brillos sobre las gotas.


Tracklist


1.    Niño Bomba  

2.    Afroman (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Ode To Mauricio Garcés (Recomendación 4 Estrellas)
4.    Banano's Bar (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Monster Truck (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Encendedor (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Bungaloo Punta Cometa (Recomendación 4 Estrellas)

8.    Aquamosh(Recomendación 4 Estrellas)

9.    I've Got That Milton Pacheco's Feeling (Recomendación 4 Estrellas)

10.  Pornoshop 

11.  Savage Sucker Boy 
12.  Mr P. Mosh 

Track By Track Momentos Cumbres
- El disco abre con la letra oligofrénica de la canción Niño Bomba, el primer sencillo que salió del disco, ese intro de bajo con el sello del slap style de Milton Pacheco acompañado de una percusión efectiva al estilo de los MC del hip hop clásico (véase Dr Dre, Public Enemy, entre otros tantos) la letra narrada a la vieja usanza del hip hop nos recuerda las rimas callejeras de los clásicos como los inolvidables A Tribe Called Quest, la guitarra llena de dub de Jonás Gutierrez de repente entra para acompañar esa percusión tan efectiva, inundando de sonidos la pista, Alejandro Rosso en su plan de contrapunto vociferando sus rimas y acompañándolo de sonidos onomatopéyicos, en el mundo alternativo el Niño Bomba era un arma secreta que se iba a utilizar para fabricar un atentado contra el Presidente, en nuestro mundo real ese mismo niño nunca llegó, a destacar esos contrapuntos del piano al estilo de órgano Hammond de Alejandro Rosso, una excelente forma de abrir el disco.
- Tal vez fue muy adelantado incluir Afroman como segundo tema del disco, tiene tanto que mencionarse de este tema, inicialmente ese intro de guitarra lleno de Wah contrasta de forma impecable con la línea de bajo de Milton Pacheco quien demuestra su dominio sobre el funk, Afroman es un paradigma en las canciones del catálogo de Plastilina Mosh, las programaciones de Alejandro Rosso transcurren como pequeños detalles que van cobrando tanta importancia en el desarrollo de la canción, esos efectos como de aeroplano son muestra de su dominio sobre la caja de ritmos, usando samplers que van y vienen a lo largo del tema, la forma de mencionar los versos y la forma de conjuntarse en los coros, es un diálogo en contrapunto entre los dos artistas, se complementan ambas voces de forma sutil pero efectiva, el piano que comienza a escucharse le añade ese toque entre retro y moderno, esta pieza parece haberse perdido hace años, es como si Funkadelic hubiera enterrado material inédito y se hubiera encontrado con el paso de los años, Afroman es un tema que define de forma impecable lo que significaba Plastilina Mosh en esos años 90's, un grupo atrevido que innovaba con el material que tenía.
- Banano's Truck son dos temas en uno, la primera parte transcurre sin pena ni gloria como un tema de hip hop lleno de distorsión en las voces que tal vez fue excedido en cuanto a su duración, recuerda las primeras épocas de hasta llegar a esos efectos en el interludio que anuncian un piano que va formando notas encima de la percusión, esa forma tan extraña y propia de agregar este instrumento es obra de Alejandro Rosso, quien desde Arcanienses ya se atrevía a hacer este tipo de incursiones sobre las percusiones, la pieza en esta parte se parece mucho a las composiciones de jazz latino al estilo de Chic Corea o del maestro Rubén González, también esa línea de improvisación se parece a las composiciones de Brad Meldhau con su power trío de Jazz cuando interpreta e improvisa sobre base de ritmo latino, Rosso hace de todo desde notas en contrapunto, variaciones sobre las escalas, asciende y desciende sobre las notas del piano clásico demostrando la formación como pianista clásico, es un tema que nos demuestra esa ambición funk que tenían en sus inicios, misma que se fue diluyendo a través de los años en sus trabajos posteriores.
- Monster Truck y ese inicio con guitarra con bastante distorsión, un rock atípico por los versos que semejan mucho a lo que realizaban las primeras bandas del Sur de Nueva York a mediados de los 80's, el riff de guitarra inicial es obra de Jonás Gutiérrez quien demuestra su enorme talento con el instrumento, la cadencia con la que se recitan los versos es muy similar en contenido al viejo estilo de los MC de Harlem, muy al estilo de los Jungle Brothers o de los ya citados A Tribe Called Quest.
- Una canción de transición con todo y sus scratcheos y loops muy al estilo de lo que hacían en sus años de gloria el grupazo Gang Starr, Encendedor es una mezcla muy interesante entre un rap muy bien logrado con todos de fusión, un poco de jazz rap, el uso de los sampleos hace muy variado el sonido de Plastilina Mosh, como si trataran de emular la vieja escuela de sampleo como los que hacía el legendario Ahmad Jamal con las canciones de Jazz Raping Desmonds, una muy buena canción que da paso a la parte más variada del disco.
- Bongaloo Punta Cometa es una tremenda canción, esta situada a medio camino entre lo que hacen los maestros de Morcheeba y The Roots, la letra es cantada por Jonás Gutiérrez, una letra francamente sin sentido, solo trata de emular una armonía de guitarra que se encuentra presente a lo largo de la canción, las voces femeninas distorsionadas y ese ritmo constante que sale de la tornamesa nos demuestran ese emblemático empleo de scratch y loops, el interludio es de lo mejor del disco, esa forma de combinar en contrapunto las guitarras y las notas de los samplers es formidable, una grandiosa canción que tampoco recibe el mérito que se merece.
- Una verdadera joya es la canción que le da el titulo al disco, Aquamosh es un híbrido de una canción de hip hop que se nutre del talento para el sampleo de Alejandro Rosso con las tornamesas, a destacar ese sampleo que hace muy al estilo de The Roots, la canción se llena de voces femeninas sampleadas y enriquecidas con tonos retro, la guitarra de Jonás Gutiérrez nos recuerda un pasado remoto con altas dosis de trémolo, el bajo de Milton Pacheco enriquece aún más el sonido, esos interludios llenos de sonidos hacen que Aquamosh sea una verdadera joya dentro del catálogo plastilino, los de Plastilina Mosh hacían muy buena música en sus inicios, se atrevían a innovar en un mercado que si bien ya había sido medianamente explotado aún requería de talento joven para terminar de encajar en una escena dominada por el pop y el rock.
- I've Got That Milton Pacheco Kinda es la mejor canción de todo el Aquamosh, es una de esas canciones al viejo estilo del Trip Hop, una hermosa fusión de hip hop con tonos pop aderezada con jazz fusión y un poco de dubstep, ese piano que se asoma en la canción es obra de Alejandro Rosso quien ya había dado muestras de ese enorme talento que tiene en la improvisación sobre las secuencias y los loops de sus tornamesas, las voces femeninas que cantan en francés le aportan ese toque de elegancia a una canción que no es conocida. tampoco valorada en ninguno de sus sentidos y sin embargo demuestra la enorme capacidad de invención que tenían en su primer trabajo, la guitarra llena de efectos se mezcla con una armonía ya de por si disfritable, es una de esas canciones que nos transportan a otro lugar, es ir a Bristol y toparse de frente con toda la escena de ese lugar de mediados de los 90's, es saludar a Morcheeba, a Massive Attack, a Tricky, hablarle de tu a Cibbo Matto y a Sneaker Pimps, incluyeron hasta cellos casi al final de la canción, ese solo de piano con eco del final es impecable, la mejor canción sin duda de todo el catálogo de Plastilina Mosh.
- Pornoshop, una canción de transición, un híbrido de hip hop con grime, un patrón complejo de 2 steps tan característico de ese estilo, toma elementos de dance hall y samplea una voz que es la misma que Kinky usaría años después en su famosa canción Ejercicio Número 16, de sonoridad obscura, la línea d e bajo sobre una escala menor le da ese aire de impotencia y sin embargo e suma canción que solo sirve de enlace, es la parte más obscura del disco y le quita algo de luminosidad a lo que ya había ganado con las canciones anteriores, prescindible sin lugar a dudas.
- Savage Sucker Boy continúa con esta parte densa y obscura del disco, se samplearon cortes de películas de acción para darle vida a la canción, que sin embargo se nota que fue un trabajo complementario que paso sin pena ni gloria, la letra bastante limitada, solo un mismo loop se va y viene a lo largo de una armonía construida sobre la caja de ritmos, es una canción también prescindible.
- Mr P. Mosh es una de  esas canciones que llegó para quedarse, no hubo quien naciera entre 1978 y 1985 que no se sabe esta canción, fue intrepretada una y otra vez en ese año de 1998, estaba hasta en la sopa, situada al final del disco, es una de las canciones mas flojas de todo el material y sin embargo fue la que más éxito mediático generó, tal vez por el coro pegajoso que se repite o por la musicalización de un video bastante extravagante que incluía hasta antiguas glorias del cine de vedettes, nadie lo sabe,´es una de esas piezas raras que se convierten en éxitos por casualidad, no sabemos aún porqué tiene tanto encanto, ese inicio con el bajo de Milton Pacheco construye una armonía sobre el loop de batería que Alejandro Rosso había creado, la letra habla de una especia de proxeneta venido a menos que narra su historia de desgracia por un personaje llamado el Sr P Mosh, algo así como un paria renegado, esa armonía se repite en los versos los cuales son oligofrénicos en muchos pasajes, las voces femeninas le añaden ese toque de mal gusto que encanta, la forma en que esta canción se hizo famosa es tan extraña como la canción en si misma, aquí convive todo lo kitsch, desde las camisas floreadas que tan de moda han vuelto a poner los de Little Jesus, los cadillacs antiguos, el cine de ficheras, comedia barata, los domingos de Raúl Velasco, las vedettes y hasta sonidos de antiguos bares, una canción que por muy mala se hizo famosa, una vez más se demuestra que el público hace suyas canciones que no tienen nada de interesante, porque son tan fáciles de asimilar que no se exige ningún esfuerzo de quien lo escucha.