RadioJoshua - Disco de la Semana - Aquamosh de Plastilina Mosh

RadioJoshua en su sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los sentidos ... Uno de los tantos grupos de la Avanzada Regia que empezó a hacer ruido a finales de los 90's, de una mezcla ecléctica entre el punk y el ambient pop, de orígenes tan distintos como lo fue la música de su primer material, eran la vanguardia en un ambiente que se impregnó de las ideas musicales del otro lado de la frontera con una mezcla de electrónica y trip hop,  letras muchas veces absurdas e incoherentes pero un enorme sentido del ritmo y de lo comercial, fueron pioneros en un género que todavía sigue dando de que hablar, una generación entera creció con ellos, nostalgia, música y mucho kitsch  

Plastilina Mosh - Aquamosh

Se inventó en la ciudad de Bristol, por decirlo de alguna manera, todo surgió del lado oeste del segundo puerto más importante de Inglaterra, una ciudad que ya había sido la cuna de varios géneros, algo misterioso ocurrió a finales de la década de los 80's, el puerto que había sido tan famoso en el siglo XVI como lugar de tráfico de esclavos contaba con una riqueza étnica que llevaba al menos 4 siglos de historia, en Bristol se encontraron los primeros habitantes de todo el Reino Unido que procedían del África, también a finales del siglo XIX llegaron personas procedentes de las colonias británicas como Jamaica y algunas islas del caribe, esto dio a ese puerto una mezcla tan interesante de tradiciones, cultura y sobre todo de música, en esa década de 1980, los artistas británicos comenzaron a interesarse mucho por los ritmos africanos y caribeños, comenzaron a experimentar con un sonido nuevo que llegaba a ellos en forma de discos de vinilo y que supieron (acertadamente) meter en sus tornamesas y equipos primitivos de mezclas, fue ahí cuando comenzó a realizarse el fino arte del sampler, el cual bien logrado crea mágicas atmósferas sonoras, es todo un arte el copiar y modificar un extracto de cualquier pieza y usarlo a conveniencia junto con una percusión que casi siempre sale de una caja de ritmos, con esos dos elementos, en Bristol a inicios de los 80's nació el Trip Hop, género de raíces africocaribeñas pero que por una coincidencia histórica encontró en los músicos británicos su cuna y su verdadero centro neurálgico, fue con un estilo de ritmo  jamaiquino llamado 'down tempo' que el Trip Hop encontró su base rítmica, esa forma de llevar el ritmo con parsimonía y elegancia distingue a esta forma de hacer música de cualquier otra, a partir de esa percusión se puede agregar todo tipo de acompañamiento, eso lo sabían hacer muy bien en aquellas épocas ochenteras la gran mayoría de los DJ's de los clubes de Bristol, pero uno en particular podría considerarse el punto de inflexión hacia una nueva forma de hacer música, había una comunidad de músicos llamada la Wild Brunch, que se juntaban los fines de semana para llevar sus vinilos de artistas del Soul, del R&B y del hip hop tradicional para jugar con las mezclas en un proceso creativo colectivo donde todos aportaban a la mezcla algo original y novedoso,  es en ese club donde nace, crece y se desarrolla el género, madura de una forma impresionante y alcanza gran popularidad, el sonido de Bristol comienza a darse a conocer más allá de esa ciudad portuaria, nada en el mudo sonaba igual a los que ahí se hacía y llega rápidamente a Manchester, a Liverpool y por fin a Londres donde se suscita una verdadera fiebre por el género, ahí comienzan a recordarse los nombres de esos alquimistas del sonido, de repente Adrian Thaws quien fuera un artista del graffiti y de raíces jamaiquinas se hace de una enorme fama con su seudónimo Tricky Kid, hasta que sólo se denomina Tricky, salen otros nombres de ese colectivo, de repente el mundo se inunda de Trip Hop, aparecen Massive Attack, Morcheeba, Portishead, todos ellos herederos de una tradición sonora que no se habría consumado de no ser porque la esclavitud llevo  ese lado del mundo las raíces de esa música, entre los grilletes y las bolas de hierro, los esclavos entonaban cánticos de libertad y justicia, no era gospel, no eran canciones de esperanza, eran ritmos avanzados usando las percusiones que sus endebles pero a la vez resistentes cuerpos les daban para pasar las noches solitarias en las barracas, mirando con esos ojos de hastío y rabia lo que del mundo les era arrebatado por los intereses económicos de las potencias europeas, de ahí ese estilo del down tempo que es hipnótico, es un ritmo que tiene componentes de abstracción increíbles, que hace soñar atmósferas sonoras tan distintas con voces o percusiones,  a partir de ese momento, finales del los 80's el Trip Hop llega a Estados Unidos y encuentra en el Bronx y en el lado oeste de es país como en los Ángeles su lugar de asentamiento, comienzan a figurar nombres en esa incipiente pero llena de dinero industria discográfica americana, pero a la vez influencian el nacimiento de otro sub género que es el industrial, una vertiente menos armónica y si más ruidosa con artistas como NIN, ese lado sur de la unión americana es un mercado codiciado por la industria, no solo de ese país sino también del nuestro, existió entonces la gestación de otro colectivo de músicos que llenó de música las estaciones de radio atestadas de redoba y banda de la ciudad de Monterrey a finales de los 80's, una noche de otoño de finales de esa década, estaban en el famoso bar del café Iguana de esa ciudad uno de los grupos más destacados de un movimiento que se le denominó la Avanzada Regia, se encontraban amenizando el lugar Jonás Gutiérrez conocido por sus estridentes sonidos de guitarra fruto de sus viajes al otro lado de la frontera para comprar equipo y pedales de efectos , también estaban ese día el gran guitarrista Rolly Támez, el baterista Omar Góngora y el Wiwa Punch en el bajo, es grupo llamado Koervoz de Malta combinaban el ruido de sus influencias como Sepultura, War y Black Sabbath con los ritmos afroantillanos de Mano Negra, era una mezcla extraña, subversiva e interesante, entre el público se encontraban la otra cara de la Avanzada, estaban los integrantes del grupo los Arcanienses, formado por los amigos de un joven pianista prodigio llamado Alejandro Rosso, ese grupo caracterizado por sus interpretaciones de música etérea y de corte clásico, quienes conocían la obra de los artistas de la época dorada del clasicismo austriaco y alemán como Bach, Beethoven y Schumman y las llevaban al rock, de esa mezcla tan extravagante años después saldría el grupo Plastilina Mosh, pionero en nuestro país de las cajas de ritmos y el Trip Hop en sus inicios, tomaron elementos que eran clichés de una época que no les perteneció, de la cual eran unos niños cuando estaban en auge, tomaron el estilo de Mauricio Garcés en su forma de vestirse, el cine de bajo presupuesto de los 70's para sus historias, tomaron elementos del funk y del hip hop, absorbieron el Trip Hop, se adueñaron de la forma de hacer samplers con elementos de los 60's y 70's, fueron kitsch, ese estilo que por mal gusto termina siendo adorable, dos elementos tan distintos en sus gustos, uno de ellos fan del metal y el rock más rudo, el otro escuchaba las variaciones Goldberg de Bach de Glenn Gould, las dos caras de una moneda que había sido lanzada por el destino, de juntar dos mentes prodigiosas en un mismo barco que estaba dirigido hacia el mismo destino, esa Avanzada regia nos dio tantos grupos buenos en sus épocas doradas, Monterrey fue la capital del rock de vanguardia, la cuna de un sonido que se gestaba con influencias de todo el mundo, estaban quienes hacían cambias/rock como el Gran Silencio, tremendamente influenciados por los grupos uruguayos y argentinos, estaban quienes hacían un Rock mucho más americanizado y comercial, un pop rock digerible y altamente armónico como Jumbo, quienes hacían un poco más de ruido y copiaban a The Beatles como lo fueron los Zurdok Movimiento, o copiaban el brit pop como Volován, hubo otros que se inclinaron más por los ritmos latinos y caribeños como los Kinky, otros que se copiaron a Green Day y todos los exponentes del Happy Punk como Panda, hubo quien mezcló el hip hop con redoba y banda como Control Machete, hubo rap y música de protesta de altos vuelos como los de La Última de Lucas, pocas veces una ciudad generaría tanta música en tan poco tiempo, fueron 10 años dorados donde la vanguardia venía del norte y los que habitamos esta parte de México apenas podíamos seguirles la pista, ese movimiento gestado a inicios de los 80's con grupos que solo se oyen sus leyendas como los Le Fruit Company, Eitaph, Rouxé y Midas Touch de los que solo nos quedan las historias en los lugares donde su música inundó los oídos de unos cuantos iniciados, eso que comenzó como totalmente underground llegó al mainstream a finales de los 90's, la enorme influencia que tenía el vecino del norte en esas bandas se veía hasta en la forma de escribir las canciones, así como en Bristol, del otro lado del mundo la escena se llenó de samplers aquí nos llenamos de guitarras, esa época dorada de la Avanzada Regia vió como la mayoría de sus grupos eran aceptados por un público lleno de ganas de escuchar cosas novedosas, el movimiento de Rock en tu Idioma había quedado atrás apenas 5 años antes, la gente estaba lista para lo nuevo, de ahí el gran éxito, para cualquier adolescente en los 90's esos discos se volvieron imprescindibles, las canciones himnos y esa nostalgia que inunda nuestras mentes cada vez que escuchamos canciones de la época son fruto de una era previa a la peor crisis económica de nuestra historia, previa a tantas cosas que en lo social y político nos toco vivir como meros espectadores, los tiempos cambian y en la música esa también es una máxima, la capacidad de adaptación a lo nuevo, hay personajes que sobreviven por más de 50 años en este ambiente donde renovarse o morir es la regla, en la música las cosas suceden de forma vertiginosa, pero los grandes trabajos siempre quedan como una huella indemne del paso del tiempo, al escuchar nuestros clásicos también traemos a nuestra memoria los lugares y las circunstancias del momento, nuestra mente es una caja de recuerdos, una caja de ritmo que late junto con nuestros corazones, no somos nada sin nuestras memorias, sin nuestra música, sin nuestras canciones.

- Una explosión de talento, de jazz, ambient, hip hop, trip hop todo mezclado y aderezado de una forma tan impecable que habría de considerarlo la obra maestra de la Avanzada Regia -
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Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1998

Discográfica - Soni Music

Productor - Alejandro Rosso

- Recomendable Si Les Gusta -
Acoustic de Everything But The Girl, Who Can You Trust? de Morcheeba, Melody AM de Röyksopp, Hairway to Seven de Butthole Surfers, Dummy de Portishead, Things To Make and Do de Moloko, The Magnificient Tree de Hooverphonic, Koervoz de Malta de Koervoz de Malta, Arcanienses de Los Arcanienses

     El primer trabajo del grupo Plastilina Mosh es una obra redonda por donde se le observe, el trabajo de estudio conjuntó una producción que sabia hacia donde se dirigía el proyecto junto con un grupo de talentosos músicos que fueron reclutados por el dueto de Alejandro Rosso y Jonás Gutiérrez a inicios de los 90, en sus filas estaban el bajista Milton Pacheco quien dominaba el funk, estaban también el baterista Rully Támez, fue grabado en colaboración con los estudios de Soni en El Paso Texas y en Monterrey en el año de 1998, algo distante para una era donde la Avanzada Regia ya había dado mucho de que hablar y sin embargo este disco catapultó a la fama al dueto quien años más tarde no ha podido igualar otro disco de estas características.

Título del Disco
      El disco lleva por título una de las mejores canciones del catálogo de Plastilina Mosh, Aquamosh es la octava canción del disco.

Portada del Disco

    Un auténtico despliegue de imaginación, unas gotas de mercurio sobre una base de acrílico elegantemente detallado con esos brillos sobre las gotas.


Tracklist


1.    Niño Bomba  

2.    Afroman (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Ode To Mauricio Garcés (Recomendación 4 Estrellas)
4.    Banano's Bar (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Monster Truck (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Encendedor (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Bungaloo Punta Cometa (Recomendación 4 Estrellas)

8.    Aquamosh(Recomendación 4 Estrellas)

9.    I've Got That Milton Pacheco's Feeling (Recomendación 4 Estrellas)

10.  Pornoshop 

11.  Savage Sucker Boy 
12.  Mr P. Mosh 

Track By Track Momentos Cumbres
- El disco abre con la letra oligofrénica de la canción Niño Bomba, el primer sencillo que salió del disco, ese intro de bajo con el sello del slap style de Milton Pacheco acompañado de una percusión efectiva al estilo de los MC del hip hop clásico (véase Dr Dre, Public Enemy, entre otros tantos) la letra narrada a la vieja usanza del hip hop nos recuerda las rimas callejeras de los clásicos como los inolvidables A Tribe Called Quest, la guitarra llena de dub de Jonás Gutierrez de repente entra para acompañar esa percusión tan efectiva, inundando de sonidos la pista, Alejandro Rosso en su plan de contrapunto vociferando sus rimas y acompañándolo de sonidos onomatopéyicos, en el mundo alternativo el Niño Bomba era un arma secreta que se iba a utilizar para fabricar un atentado contra el Presidente, en nuestro mundo real ese mismo niño nunca llegó, a destacar esos contrapuntos del piano al estilo de órgano Hammond de Alejandro Rosso, una excelente forma de abrir el disco.
- Tal vez fue muy adelantado incluir Afroman como segundo tema del disco, tiene tanto que mencionarse de este tema, inicialmente ese intro de guitarra lleno de Wah contrasta de forma impecable con la línea de bajo de Milton Pacheco quien demuestra su dominio sobre el funk, Afroman es un paradigma en las canciones del catálogo de Plastilina Mosh, las programaciones de Alejandro Rosso transcurren como pequeños detalles que van cobrando tanta importancia en el desarrollo de la canción, esos efectos como de aeroplano son muestra de su dominio sobre la caja de ritmos, usando samplers que van y vienen a lo largo del tema, la forma de mencionar los versos y la forma de conjuntarse en los coros, es un diálogo en contrapunto entre los dos artistas, se complementan ambas voces de forma sutil pero efectiva, el piano que comienza a escucharse le añade ese toque entre retro y moderno, esta pieza parece haberse perdido hace años, es como si Funkadelic hubiera enterrado material inédito y se hubiera encontrado con el paso de los años, Afroman es un tema que define de forma impecable lo que significaba Plastilina Mosh en esos años 90's, un grupo atrevido que innovaba con el material que tenía.
- Banano's Truck son dos temas en uno, la primera parte transcurre sin pena ni gloria como un tema de hip hop lleno de distorsión en las voces que tal vez fue excedido en cuanto a su duración, recuerda las primeras épocas de hasta llegar a esos efectos en el interludio que anuncian un piano que va formando notas encima de la percusión, esa forma tan extraña y propia de agregar este instrumento es obra de Alejandro Rosso, quien desde Arcanienses ya se atrevía a hacer este tipo de incursiones sobre las percusiones, la pieza en esta parte se parece mucho a las composiciones de jazz latino al estilo de Chic Corea o del maestro Rubén González, también esa línea de improvisación se parece a las composiciones de Brad Meldhau con su power trío de Jazz cuando interpreta e improvisa sobre base de ritmo latino, Rosso hace de todo desde notas en contrapunto, variaciones sobre las escalas, asciende y desciende sobre las notas del piano clásico demostrando la formación como pianista clásico, es un tema que nos demuestra esa ambición funk que tenían en sus inicios, misma que se fue diluyendo a través de los años en sus trabajos posteriores.
- Monster Truck y ese inicio con guitarra con bastante distorsión, un rock atípico por los versos que semejan mucho a lo que realizaban las primeras bandas del Sur de Nueva York a mediados de los 80's, el riff de guitarra inicial es obra de Jonás Gutiérrez quien demuestra su enorme talento con el instrumento, la cadencia con la que se recitan los versos es muy similar en contenido al viejo estilo de los MC de Harlem, muy al estilo de los Jungle Brothers o de los ya citados A Tribe Called Quest.
- Una canción de transición con todo y sus scratcheos y loops muy al estilo de lo que hacían en sus años de gloria el grupazo Gang Starr, Encendedor es una mezcla muy interesante entre un rap muy bien logrado con todos de fusión, un poco de jazz rap, el uso de los sampleos hace muy variado el sonido de Plastilina Mosh, como si trataran de emular la vieja escuela de sampleo como los que hacía el legendario Ahmad Jamal con las canciones de Jazz Raping Desmonds, una muy buena canción que da paso a la parte más variada del disco.
- Bongaloo Punta Cometa es una tremenda canción, esta situada a medio camino entre lo que hacen los maestros de Morcheeba y The Roots, la letra es cantada por Jonás Gutiérrez, una letra francamente sin sentido, solo trata de emular una armonía de guitarra que se encuentra presente a lo largo de la canción, las voces femeninas distorsionadas y ese ritmo constante que sale de la tornamesa nos demuestran ese emblemático empleo de scratch y loops, el interludio es de lo mejor del disco, esa forma de combinar en contrapunto las guitarras y las notas de los samplers es formidable, una grandiosa canción que tampoco recibe el mérito que se merece.
- Una verdadera joya es la canción que le da el titulo al disco, Aquamosh es un híbrido de una canción de hip hop que se nutre del talento para el sampleo de Alejandro Rosso con las tornamesas, a destacar ese sampleo que hace muy al estilo de The Roots, la canción se llena de voces femeninas sampleadas y enriquecidas con tonos retro, la guitarra de Jonás Gutiérrez nos recuerda un pasado remoto con altas dosis de trémolo, el bajo de Milton Pacheco enriquece aún más el sonido, esos interludios llenos de sonidos hacen que Aquamosh sea una verdadera joya dentro del catálogo plastilino, los de Plastilina Mosh hacían muy buena música en sus inicios, se atrevían a innovar en un mercado que si bien ya había sido medianamente explotado aún requería de talento joven para terminar de encajar en una escena dominada por el pop y el rock.
- I've Got That Milton Pacheco Kinda es la mejor canción de todo el Aquamosh, es una de esas canciones al viejo estilo del Trip Hop, una hermosa fusión de hip hop con tonos pop aderezada con jazz fusión y un poco de dubstep, ese piano que se asoma en la canción es obra de Alejandro Rosso quien ya había dado muestras de ese enorme talento que tiene en la improvisación sobre las secuencias y los loops de sus tornamesas, las voces femeninas que cantan en francés le aportan ese toque de elegancia a una canción que no es conocida. tampoco valorada en ninguno de sus sentidos y sin embargo demuestra la enorme capacidad de invención que tenían en su primer trabajo, la guitarra llena de efectos se mezcla con una armonía ya de por si disfritable, es una de esas canciones que nos transportan a otro lugar, es ir a Bristol y toparse de frente con toda la escena de ese lugar de mediados de los 90's, es saludar a Morcheeba, a Massive Attack, a Tricky, hablarle de tu a Cibbo Matto y a Sneaker Pimps, incluyeron hasta cellos casi al final de la canción, ese solo de piano con eco del final es impecable, la mejor canción sin duda de todo el catálogo de Plastilina Mosh.
- Pornoshop, una canción de transición, un híbrido de hip hop con grime, un patrón complejo de 2 steps tan característico de ese estilo, toma elementos de dance hall y samplea una voz que es la misma que Kinky usaría años después en su famosa canción Ejercicio Número 16, de sonoridad obscura, la línea d e bajo sobre una escala menor le da ese aire de impotencia y sin embargo e suma canción que solo sirve de enlace, es la parte más obscura del disco y le quita algo de luminosidad a lo que ya había ganado con las canciones anteriores, prescindible sin lugar a dudas.
- Savage Sucker Boy continúa con esta parte densa y obscura del disco, se samplearon cortes de películas de acción para darle vida a la canción, que sin embargo se nota que fue un trabajo complementario que paso sin pena ni gloria, la letra bastante limitada, solo un mismo loop se va y viene a lo largo de una armonía construida sobre la caja de ritmos, es una canción también prescindible.
- Mr P. Mosh es una de  esas canciones que llegó para quedarse, no hubo quien naciera entre 1978 y 1985 que no se sabe esta canción, fue intrepretada una y otra vez en ese año de 1998, estaba hasta en la sopa, situada al final del disco, es una de las canciones mas flojas de todo el material y sin embargo fue la que más éxito mediático generó, tal vez por el coro pegajoso que se repite o por la musicalización de un video bastante extravagante que incluía hasta antiguas glorias del cine de vedettes, nadie lo sabe,´es una de esas piezas raras que se convierten en éxitos por casualidad, no sabemos aún porqué tiene tanto encanto, ese inicio con el bajo de Milton Pacheco construye una armonía sobre el loop de batería que Alejandro Rosso había creado, la letra habla de una especia de proxeneta venido a menos que narra su historia de desgracia por un personaje llamado el Sr P Mosh, algo así como un paria renegado, esa armonía se repite en los versos los cuales son oligofrénicos en muchos pasajes, las voces femeninas le añaden ese toque de mal gusto que encanta, la forma en que esta canción se hizo famosa es tan extraña como la canción en si misma, aquí convive todo lo kitsch, desde las camisas floreadas que tan de moda han vuelto a poner los de Little Jesus, los cadillacs antiguos, el cine de ficheras, comedia barata, los domingos de Raúl Velasco, las vedettes y hasta sonidos de antiguos bares, una canción que por muy mala se hizo famosa, una vez más se demuestra que el público hace suyas canciones que no tienen nada de interesante, porque son tan fáciles de asimilar que no se exige ningún esfuerzo de quien lo escucha.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Euforia de Fito Páez

RadioJoshua en su sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los sentidos ... Uno de los exponentes más emblemáticos del Rock Argentino, poseedor de un estilo único y que ha evolucionado a lo largo de los años, más de 3 décadas dedicadas de lleno al arte, como músico, productor, cineasta y guionista, un hombre que ha sabido moverse en el mainstream de acuerdo a sus necesidades, de espíritu compositor, poseedor de un estilo que oscila entre el rock clásico, el blues, elementos de jazz y un sello tan personal que es reconocible por su timbre de voz y todas las cualidades musicales que sabe explotar en cada uno de sus trabajos, en el año 1996 graba un disco único en su tipo, lleno de virtuosismo y derrochando energía transgresora y retratando la vida cotidiana como pocos

Fito Páez - Euforia

Dicen que aprendió el oficio de escribir canciones de Rock en la calle, que no tuvo educación formal, esa educación que se vuelve invaluable cuando el talento es poco y que se convierte en nada cuando brota en cada momento, se forjó en una época donde subirse a un escenario era sinónimo de aventura, tras las lámparas de luces tenues y de colores, en los foros improvisados, tras los gritos del público que amaba u odiaba según era el caso, era el año de 1975 en Argentina, año en que se instauró definitivamente el Peronismo después de muchos años de dictadura y sin embargo esa suerte no iba a ser eterna, tras años de luchar por su democracia, en solo un año el país habría de ver la muerte de su líder democrático, sucederle Eva Perón y a observar con los ojos llenos de lágrimas y las manos llenas de ira como la junta militar regresaba al poder y hundía al país en una oleada de engaños y de muerte solo comparada con lo que pasaba en Chile con Augusto Pinochet, ese hombre cuya vida musical transcurría entre grupos fugaces se llama Juan Carlos Baglietto, nació en la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe, en el centro oeste de Argentina, la tercera ciudad más poblada del país, Baglietto se dio a conocer desde muy tierna edad cuando paseaba con su guitarra en las inmediaciones de la Plaza San Martín, a unos metros de ahí se encontraba el mítico teatro Rock&Feller donde debutó con su grupo Via Veneto y más tarde formó con Daniel Wirtz el legendario grupo Irreal, la pasión Rosarina por el teatro es muy conocida, abundan los lugares para exhibir obras y también para producirlas, en esa ciudad se podría mencionar que es el origen de muchas cosas, no solo Baglietto fue el precursor del Rock, es la figura más emblemática de la Trova Rosarina, un género único que se caracterizó siempre por su alto contenido social y su virtuosidad en la ejecución, esa mezcla tan increíble de rock, tango y folklore, se le unieron una vasta lista de músicos asentados en Rosario que habrían de cambiar el mundo musical de aquel país para siempre y sin embargo el antecedente se había dado hacía más de una década con el surgimiento de Los Gatos, banda seminal liderada por Ciro Fogliatta y Litto Nebbia, era 1964 y la dictadura pesaba sobre los hombros de todos los Argentinos, nadie imaginaría que a más de 10 años la libertad de expresión era una realidad y Bagletto tampoco imaginaba que después de ese vertiginoso año de 1974 habrán de cambiar las cosas de nuevo, fue una figura que permaneció en los años difíciles de la segunda dictadura argentina, fue de esa generación del 78 que vió como Argentina se compraba un mundial de Fútbol y vendía los derechos de televisión para el mundo en un país donde el único derecho aparente era obedecer los designios del General Jorge Videla y su junta Militar, ese gobierno de facto que instauró una política del terror, que peló con Chile por el Canal de Beagle y que estuvo en una guerra con el Reino Unido por las Islas Malvinas, ese entorno tan bélico hizo que la música de Rosario adquiriera ese espíritu de lucha que aún persiste en sus exponentes, Baglietto fue la voz de la protesta, fue el autor de las canciones de las Madres de la Plaza de Mayo y de sucesos tan tristes y vergonzosos como el Cordobazo de 1973, tras años de lucha su momento cumbre llegaría en el año de 1982,el lugar fue el mítico Estadio de Obras Sanitarias, en ese mismo día se libraba una batalla a miles de kilómetros de ahí, la Real Fuerza Aérea Británica se enfrentaba a la Fuerza Aérea Argentina al noroeste de la Isla de la Soledad, la guerra que Argentina no debió de luchar y que estaba perdida desde el inicio, ese hecho marcó a toda una nación, incluyendo a los músicos, en ese memorable recinto artístico se daría un concierto que quedó marcado para siempre por ser un encuentro de virtuosos, esa noche se presentó Baglietto con su grupo conformado por la crema y nata de la música de Rosario, esa noche, un 14 de Mayo de 1982, unidos por la obra Tiempos Difíciles se encontraban en escena Silvina Garré, Jorge Fandermole, Lalo de los Santos y un joven de apenas 18 años llamado Fito Páez, oriundo también de Rosario, hijo de la eminente concertista Zulema Ávalos y de Rodolfo Páez, ese adolescente había mostrado desde niño un enorme talento para la ejecución del piano, había aprendido casi como dogma de fe las 60 lecciones de Charles Luois Hannon (la biblia de los pianistas) y había sobrepasado a todos sus compañeros en el método de Carl Czerny, su tutor fue un profesor ucraniano quien le inculcó el gusto por los clásicos, así desde su tierna infancia sus inmaculados oídos escuchaban atentos las obras de  Clementi, Hummel, Salieri, Franz Liszt y Beethoven, todo ese bagaje de clásicos contrastaban con ese espíritu rebelde que mostró desde su infancia pintada de tragedia cuando su madre falleció cuando tenía apenas 8 meses de edad, su abuela fue quien con dedicación y apego absoluto habían de mostrarle todo ese universo antes desconocido de matices sonoros que salían de su piano Bechstein, Páez siempre ha sido un virtuoso, conocidas son las anécdotas de su enorme capacidad de memorización, de improvisación y de sus vastos recursos como concertista y compositor, desde los 14 años utilizaba ya sus famosos lentes tras tratar de aprender una lección de Salieri y darse cuenta de que no podía leer las notas de la partitura, siempre tuvo la visión de ser un músico avanzado a su tiempo cuando a los 16 años ya tocaba covers de Sui Géneris (eminente banda argentina en cuyas filas estaban nada más y nada menos que Charly García y Nito Mestre) a los 17 ya había formado una banda con sus compañeros del Colegio, eso nunca fue suficiente y en su búsqueda se fueron sumando nombres, ese arranque vertiginoso y fuera de proporciones hacía que se involucrara en cada vez más proyectos y con muchos de los nombres más famosos de la escena de Rosario, ese año en 1979  su banda ganó un concurso de música progresiva, bajo la mirada de los jueces de dicho evento se consagró como la figura más prominente del Rock Rosarino, ese día y casi como una visión del futuro, entre los jueces se encontraba Baglietto, el destino une armónicamente a los seres que habrán de cambiar el mundo, Baglietto no dudó en reclutarlo a sus filas y fueron compañeros de viaje por más de 3 años, mismos en que aprendió los sinsabores del escenario, fue tecladista oficial de Charly García, formó parte de la banda de Andrés Calamaro y en el añil de 1984 con apenas 21 años graba su primer disco como solista, ese primer trabajo fue visto con buenos ojos por la crítica, era una obra impresionante para un postadolescente que sabía a donde tenía que dirigir su enorme talento, ese talento que surgió como una necesidad tras la trágica pérdida de su madre, ese piano que se encontraba en su casa había sido tocado por los prodigiosos dedos de ella quien fue considerada una de las mejores pianistas latinoamericanas y que le dejó un legado y sobre todo una inspiración moral que lo hizo trascender en todos y cada uno de los proyectos que ha tenido desde entonces, su prodigiosa forma de escribir canciones y la calidad de su ejecución no hacen sino maravillarnos con cada una de sus obras, ha sufrido el dolor prácticamente desde su nacimiento, ha presenciado actos humanos terribles a lo largo de su vida y que lo han hecho sobreponerse de una forma impresionante, compuso Ciudad de Pobres Corazones tras el asesinato de su abuela en manos de su antiguo bajista, ha creado canciones de dolor, de desesperación pero también de esperanza que actualmente se sitúan entre los grandes himnos generacionales, se convirtió a la par en director de cine y guionista, una mente inquieta desde siempre, un alma que vive cada uno de sus conciertos como si fuera el último acto de su vida, Fito Páez significa tantas cosas para la música argentina, simboliza ese espíritu de la gente de Rosario, la virtuosidad de una mente llena de inventiva, la genialidad de quien fue tocado por la mano del arte desde siempre, el aplomo de quien ha sabido sobreponerse en el ambiente hostil de la industria musical y que salió a flote después de tantos problemas de adicciones, Páez indaga en sus canciones los intrincados caminos de las relaciones humanas, esos pactos que se firman entre nosotros y que nos acompañan a lo largo de nuestras vidas, retrata en sus composiciones desde lo más cotidiano hasta los más profundos y misteriosos sentimientos, sabe metaforizar de tal forma que nos adecua las letras a todas nuestras situaciones, es un autor para el público que busca elegancia y una prístina ejecución de las canciones, nos retrata de forma noble que sufrimos porque no tenemos la perspectiva adecuada, las sombras que aquí estuvieron ya no estarán, que no necesitaremos nada más. 

Lo que siempre intento con todas las personas que me vinculo es quedar en buenos términos. Si para algo sirve la inteligencia es para eso.
- Fito Páez -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1996

Discográfica - Warner Music

Productor - Fito Páez

- Recomendable Si Les Gusta -
Hotel, Dulce Hotel de Joaquín Sabina, Algo Mejor de Fabiola Cantillo, Filosofia Barata y Zapatos de Goma de Charlie García, Privé de Luis Alberto Spinetta, Ayúdame a Mirar de Juan Carlos Baglietto, Llegamos de los Barcos de Litto Nebbia, El último Salva a Todos de Coki Debernardi, Como un Pájaro Libre de Mercedes Sosa, Por Mirarte de Andrés Calamaro y Buen Dia, Día de Miguel Abuelo

     Fito Páez había realizado un muy buen disco en el año 94, el grandioso Circo Beat del que se desprendieron varios sencillos irónicos del artista y sin embargo Páez tenía la necesidad de transmitir toda la carga emocionar que traía dentro, había planeado un disco en vivo y en esas épocas se había puesto de moda las grabaciones en vivo (como los MTV Unplugged), por lo que Páez decidió tomar el control de toda la producción y se aventuró a la grabación en vivo y en tiempo real de su más intenso disco en vivo, Euforia fue grabado en una sola sesión en los famosos estudios de Telefe de Televisión Argentina, fue lanzado bajo el sello de Warner Music y desde su lanzamiento fue un verdadero hito en la historia de los discos en vivo del Rock Latinoamericano, es un disco que permitió capturar toda la intensidad de sus presentaciones en vivo y tiene como cualidad el dejar asomar esa virtuosidad que Fito Páez despliega en cada concierto, tuvo como colaboradores a importantes músicos de la talla de Gabriel Carámbula, Guillermo Vadalá y Laura Vázquez, así como Alina Gandini en el piano de acompañamiento, si bien se realizarn covers de muchas de sus famosas canciones, estas versiones en vivo fueron más conmovedoras que muchas de sus antecesoras, se trata de un trabajo muy completo y lleno de calidad, uno de los mejores discos en vivo que se tengan memoria del Rock Latinoamericano

Título del Disco
     La emoción del lanzamiento del disco produjo en Fito Páez ese estado de ánimo, Euforia es un titulo fuerte y de largo alcance, todo en la producción estuvo a su cargo.  

Portada del Disco

    Una elegante portada que sitúa a Páez en el centro de la escena con su conocida pose de guitarra de aire y un enorme reflector sobre su cabeza, fue tomada en los estudios Telefe, resalta los bordes amarillos con el título y su conocido logotipo con las letras del apellido de Páez estilizadas.


Tracklist


1.    Y Dale Alegría A Mi Corazón  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Cadáver Exquisito (Recomendación 4 Estrellas)

3.    11 y 6 (Recomendación 4 Estrellas)
4.    El Chico de la Tapa (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Mariposa Tecknicolor (Recomendación 4 Estrellas)

6.    Circo Beat (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Tus Regalos Deberían de Llegar (Recomendación 4 Estrellas)

8.    Por Siete Vidas (Cacería)

9.    Tumbas de la Gloria (Recomendación 4 Estrellas)

10.  Parte del Aire (Recomendación 4 Estrellas)

11.  Tres Agujas (Recomendación 4 Estrellas)
12.  Dar es Dar (Recomendación 4 Estrellas)
13.  A Rodar Mi Vida (Recomendación 4 Estrellas)
14.  Un Vestido y Un Amor (Recomendación 4 Estrellas)
15.  Ciudad de Pobres Corazones (Recomendación 4 Estrellas)
16.  Del 63'

Track By Track Momentos Cumbres

- Euforia inicia como si se tratara de una obertura, la orquesta de Carlos Villavicencio de los estudios de Telefe abren el disco con esas notas que salen de la sección de metales y violines, Y Dale Alegría a Mi Corazón recuerda mucho obras clásicas como El Rapto en el Serrallo de Mozart por esa forma en que se despliegan las flautas y la sensación de marcha que avanza poco a poco con cadencia y elegancia, también tiene mucho parecido con La Italiana de Algeria de Rossini por esas pausas cadenciosas que resaltan en el inicio de los versos,  pero también ese inicio rimbombante que se diluye poco a poco semeja mucho a Lohengrin y Tannhäuser de Wagner con esas elaboradas introducciones de la ópera alemana clásica, ese inicio es tan único que no hay otra obra en el Rock Latinoamericano que inicie así, Páez de estricta formación musical sorprende a todos con esta hermosa pieza de menos de 2 minutos de duración, la letra que pronuncia es poesía pura, una oda a la nostalgia y al apego, es una canción de amor y una plegaria llena de sentimiento, sin otro intermedio que toda la orquesta y su voz, Páez va montado en ese enorme caballo orquestal, comanda las notas con su voz, las llena de matices, las impregna con parsimonía, las sombras que aquí estuvieron ya no estarán, recita en un verso, y ya verás que no necesitaremos nada más, extraordinaria forma de abrir el disco.
- ¿Quieren conocer el alcance de un músico virtuoso?, ¿Quieren escuchar como se construye una armonía en el piano y se improvisa sin dar tregua en un interludio? ¿Quieren escuchar una amalgama de jazz y tango enmarcada en un compás de 4/4? Todo eso tiene Cadáver Exquisito, es una canción impresionante, esa introducción con esas notas de órgano son obra de Alina Gandini, la batería es responsabilidad de Gabriel Pomo (así se llama), el bajo tan elaborado y tan increíblemente ejecutado es de la autoría de Guillermo Vadalá, la primer parte de la canción con esa estructura tan marcada en el compás se rompe en el momento del interludio, aquí hay virtuosismo puro de todos, la orquesta se agrega en un momento clave durante ese lapso de la canción, se abre camino poco a poco y llega el momento cumbre de la improvisación, Fito Páez se regodea, hace alarde de su capacidad en el piano, inicia con esos riffs de piano al estilo de Dimitri Shostakovich, imita a Raul Di Blasio en un lapso de la canción, ejecuta armonías, hila fraseos por más de 2 minutos, es un diccionario de habilidades, es una interpretación impresionante, Páez demuestra que tiene tanto talento para regalar que es capaz de hacer de una armonía toda una cadena de improvisación.
- Cuando Fito Páez grabó su disco Giros en el año de 1985 incluyó una canción que abría con un piano prístino y evocador, 11 y 6 es una balada hermosa, el intro del piano inicia en una escala menor y termina en una mayor, se agregan poco a poco la guitarra del maestro Gabriel Carámbula y la percusión de Nico Cota, es una historia de amor en un ambiente marginal de la ciudad de Rosario, una historia en 2 partes que habría de continuar en su disco Tercer Mundo y en la siguiente pieza del disco Euforia, una historia de amor llena de nostalgia de un pasado que no volverá, los versos son elocuentes pero hay una frase que llena de sentimiento toda la pieza 'y si reía le daba la luna', 11 y 6 esta situada dentro del catalogo de Fito Páez como una de sus canciones con mayor carga emocional y sin embargo siempre se sitúa por debajo de sus éxitos clásicos.
- La continuación de 11 y 6 es El Chico de la Tapa, termina en tragedia lo que comenzó como una pieza de amor, la niña muere en un hospital y el muchacho se convierte en delincuente, esta canción tiene ese extraño encanto de ser una canción trágica narrada al viejo estilo del blues trasatlántico de un alcance intermedio entre Jimmy Reed y Willie Dixon, los riffs de guitarra de Gabriel Carámbula llenos de wah son extraordinarios, ese acompañamiento de Alina Gandini para acompañar a Páez en el piano de complemento es de destacar, una canción de transición de letra mordaz y llena de ira en los versos 'no voy a morir de amor' recita Páez y ese final a la vieja usanza del blues.
- El mejor tema de Fito Páez según algunos llega con una versión impecablemente construida y desmenuzada lista para el deguste de un público que siempre quiso una versión más lenta de tan importante pieza, Mariposa Tecknicolor tiene muchas virtudes a destacar, para empezar la letra es una declaración de principios que enarbola muchas etapas de la vida de Fito Páez, al tratar de entender la letra nos situamos en Rosario en la década de los 70's, están presentes todos sus iconos y toda su historia, están su abuela y su tía (el sacrificio de mis madres y los zapatos de charol), su instrucción escolar en los colegios religiosos (los domingos en el club salvo que cristo sigue ahí en la cruz) esas mañanas de nostalgia, la catedral de Nuestra Señora de Rosario (las columnas de la catedral) el Estadio Gigante de Arroyito del Club Rosario Central (la tribuna grita gol el lunes por la capital), todo lo que significa la vida para Fito Páez está en esa canción, de sus amores (cada vez que me miras, cada sensación) del ambiente de la dictadura (vi sus caras de resignación, los vi felices llenos de dolor) de sus esperanzas por una vida mejor (la melancolía de morir en este mundo y de vivir sin una estúpida razón), el coro proyecta tantas cosas, la Mariposa Tecknicolor es una metáfora de una mutación en un mundo gris hacia el vuelo libre lleno de vida y color, de una realidad obtusa y sin futuro por una esperanza que se ve delante de nuestros ojos, está ahí delante de quien la escucha, es una pieza poética y llena de alegorías, llena de virtuosismo en su ejecución, una armonía construida para el piano, para que esos dedos prodigiosos nos conduzcan a un instante fuera de esta realidad, esa Mariposa que levanta el vuelo efímero hacia el cielo, después de sufrir una transformación y situarse por encima de su origen, parte de la tierra y no tiene límite en el cielo,  también nos habla de su expectativa en el amor, lanza un verso para quien pueda tomarlo (cada vez que me miras, cada sensación, yo te conozco de antes, desde antes del ayer, cuando me fui no me alejé), todos giramos bajo el sol, todos tenemos esa sensación de esperanza cuando las cosas no salen bien, es un himno generacional y una canción que trasmite un sentimiento de superación, de vacío, y que con el paso de los años se ha transformado y adaptado por el tiempo vertiginoso que vivimos, sin embargo esta versión nos da esa impresión de que este tema es mucho más que un hit, es una historia de vida narrada para todos nosotros.
- El disco continua con otro enorme tema, Circo Beat nos recuerda las buenas épocas de las big band blues de los 50's, es como si Sonny Boy Williamson llegara desde el más allá a narrarnos una historia urbana como pocas hay, o si Louise Jordan regresar de la tumba con su piano y coros, el Circo Beat es una muestra de que Fito Páez maneja las metáforas de una forma impecable, ese circo al que ya se ha hecho alusión en tantos y tantos discos de Rock aquí se retrata de forma mucho más musical, cita a varios artistas y se burla de las personas que no entienden que la vida es un circo de tres pistas lleno de historias por doquier, esta pieza es blues y un poco de jazz, en el interludio se le da toda la oportunidad para que el maestro Gabriel Carámbula demuestre sus hablidades de improvisación con esas escalas de blues en la guitarra, es una pieza que dio su nombre a un disco, una canción de largo alcance que maneja tantos estilos y tiene una letra muy adecuada para la musicalización, grandioso tema.
- No llegamos a la mitad del disco y ya todos son unos temas impresionantes y sin embargo el momento de más nostalgia llega con Tus Regalos Deberían De Llegar, el piano es evocador, una escala menor y una letra que nos sitúa en una tragedia 'caminando en la neblina que disipa el corazón, las violetas de tu sangre vivirán' un aire fúnebre y triste, Fito Páez canta esta pieza con tal sentimiento que conmueve, se acompaña de los celos de la orquesta de Carlos Villavicencio y se agrega también un clavinet obra de Nico Cota, es una pieza que a pesar de ser tan triste demuestra el otro lado de Páez, quien es capaz de escribir una canción festiva y después mostrarnos el otro lado humano, la tristeza hecha canción 'la bestial naturaleza del amor'.
- Por Siete Vidas es una canción latina por antonomasia, las percusiones al estilo Afro Cuban All Stars, como si estuviéramos en un ambiente del trópico, las percusiones de Gringui Arenas, es una canción que narra una historia de amor en la guerra, específicamente en una playa, hace alusión a la Guerra de las Malvinas en varios de sus versos, a la desesperación de vivir en una ciudad, el bajo de Guillermo Vadalá es extraordinario, nos transporta a un ambiente al estilo Jaco Pastorius, ese jazz fusión con una excelente armonía, las trompetas se unen al aire festivo de la canción, sin duda un excelente tema.
- Una de las canciones más celebradas de Fito Páez de toda su discografía es sin duda la siguiente Tumbas de la Gloria es un tema que se encuentra dentro de lo más grande que ha compuesto Páez, es una canción narrada como una historia en primera persona, la letra es tan evocadora 'tu amor cambió mi vida como un rayo, para siempre, para lo que fue y lo que será', el piano como elemento conductor de la armonía, se agrega la orquesta poco a poco hasta adoptar el rol protagonista en los versos, esas trompetas que resuenan por todo lo alto son obra de Nico Cota, quizás un poco subvalorada a veces pero está al nivel de sus más grandeshits, no con el conocimiento mediático pero sin en lo musical es muy completa.
- Parte del Aire es una balada pop muy nostálgica, un tema que está ambientado para la reflexión, transcurre lenta y paulatinamente entre los coros, entre las percusiones y entre los metales, se complementa con una adecuada armonía del piano que va por pasajes suaves, Fito Páez con su enorme capacidad de crear atmósferas agradables.
- El siguiente tema es un jazz clásico, en Tres Agujas hay evocaciones de todos esos grandes pianistas de Jazz que ha dado Argentina, desde Carlos Cutaia hasta Carlos Franzetti, pasando por Rubén Ferrero, este tema semeja mucho a las composiciones de Burton Greene, Gerry Mulligan solo por citar algunos, es una canción con una letra nostálgica hasta el paroxismo, un tema que se disfruta siempre en compañía. 
- Dar es Dar es un tema que está provisto de un bagaje musical tan vasto que se conjugan una serie de estilos tan diversa que su ejecución en vivo por su ritmo y compás es muy complicado, va desde un aparente compás de 3/4 al 4/4 con suma facilidad, la letra también destaca por su simplicidad pero a la vez por belleza que destila, es una especie de balada de jazz que deja esa sensación de espíritu sibarita en las frases, es otro de esos temas clásicos que se quedó dentro del gusto más por la versión en vivo que por la original.
- A Rodar mi Vida es uno de esos temas que pone de buenas, se cuenta una historia que podría transcurrir en cualquier momento y en cualquier lugar, ese aire festivo que dan la sección orquestal de metales la hace todavía más llena de vida.
- Un Vestido y Un Amor es una canción tan famosa como lo son sus famosos lentes y su cabello rizado, una canción dedicada a Cecilia Roth, que se encontraba convaleciendo de hepatitis, cuando Páez la conoció quedó más que prendado de ella y le compuso esta canción, el significado de la canción nos sitúa la situación sentimental de Roth en ese momento, la letra es bastante nostálgica, en esta versión Fito Páez se hace acompañar únicamente con el arreglo de cuerdas orquestal que tenía Carlos Villavicencio, es quizás uno de sus temas con mayor carga emocional, esa frase de 'margaritas en el mantel' es de sus frases más recordadas.
- Del disco más obscuro de Fito Páez una versión de su tema clásico Ciudad de Pobres Corazones, es un tema de orígenes funestos y complicados de asimilar para los que conocemos su historia, surge de un homicidio lo cual ya es trágico, pero surge particularmente por el homicidio de la abuela de Páez quien había sido su figura materna al fallecer su madre a sus escasos 8 meses, la canción tiene ese aire denso y obscuro, ese álbum es extremadamente visceral, se aprecia la rabia y el desasosiego que tenía al escribir todos esos temas, se exilió en Tahití para componer los temas, muestra una etapa tan complicada de su vida que quedó plasmada desde el titulo de la canción.
- Del 63 es el último tema del disco, es una canción casi autobiográfica, una especie de jazz fusión de muy buena manufactura, cierra el disco de forma estupenda con ese aire jazzístico que se vislumbró desde el primer momento.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Canción Animal de Soda Stereo

RadioJoshua en su sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los sentidos ... Iniciando la ultima década del siglo pasado, el trío de Buenos Aires llevaba ya 8 años con un éxito moderado, tras 4 discos de estudio se dieron a la tarea de confeccionar uno de los mejores discos de Rock Pop Argentino de la década, siguiendo con la herencia setentera y aportando su estilo personal, Soda Stereo se reinventó, dejando de lado la vertiente electrónica registrada en sus discos pasados y mostrando que la música y el Rock en Español ya no sería el mismo después de este gran trabajo, de una época donde la experimentación y la orientación hacia lo digital comenzaba a dominar la escena, Cerati, Bosio y Alberti vuelven a las raíces con letras maduras, un sonido fresco y vigente y con la inspiración de crear de uno de los himnos del Rock, su disco más completo

Soda Stereo - Canción Animal

El 26 de junio de 1935, el gran músico Alberto Vacarezza se encuentra en el Cementerio de Chacarita en Buenos Aires, Argentina, despidiendo a su gran amigo Carlos Gardel, juntos habían creado uno de los géneros más representativos de la música popular, el tango, que tanta fama había dado a la capital Argentina, Vacarezza sin embargo se había inclinado mucho más a un subgénero literario llamado sainete y en uno de ellos hacía mención a una de las calles más famosas de todo Buenos Aires, la Avenida Corrientes, tras la cual sucede casi toda la vida cultural de la ciudad, esa enorme avenida cruza de este a oeste la capital y pasa por casi todos los barrios importantes, desde el Río de la Plata, al centro financiero de la ciudad, la Plaza de la República, el Edificio de la Helvética y la Librería Pigmalión, en esa avenida se encontraba el Teatro Apolo y el vetusto Teatro Piliteama, ese camino discurre a través de los barrios de Almagro y Balvanera mismos que vieron nacer tantas historias de inmigrantes alemanes, italianos, franceses y holandeses, sin embargo su origen fue humilde, cuenta la leyenda que surge como el Sendero del Sol y en el siglo XVIII era un simple camino de tierra que unía la costa del Río de la Plata y que se desdibujaba en el horizonte de la pequeña aldea de campesinos y gauchos bonaerenses, la actual Corrientes se origina en su extremo oriental en Puerto Madero, continúa hacia el oeste y transcurre como un hilo que va entrelazando la historia cultural y social argentina, hay tantas anécdotas alrededor de ella, quizá la más orgullosa de todas es que la bandera argentina se hizó por primera vez en una tarde de 1812 en lo alto de la catedral de San Nicolás de Bari, junto al característico obelisco de la Capital Federal, un hecho histórico también se dio en 1882 cuando se inaugura en famoso teatro Odeón, cuna del tango, lugar donde Carlos Gardel presentó al mundo sus muy conocidas obras, ahí se interpretó  por primera vez Mi Noche Triste y Caminito (conocidos como el segundo y tercer himno no oficial argentinos) en ese teatro como si se tratase de un lugar de contrastes, se presentó el mejor bandoneonista de todos los tiempos, el gran Astor Piazzola, ese músico políglota de descomunal talento (hablaba 5 idiomas a la perfección) que hizo de la interpretación de un instrumento tan peculiar todo un arte, Piazzola no sólo era un virtuoso, siempre  deleitaba a un público que se identificó siempre con su música innovadora, ahí Margarita Xirgú presentó piezas poéticas de Federico García Lorca, el gran pianista Wilhem Kemp presentó conciertos de Rachmaninov y Liszt, en ese lugar lleno de mitos y de historias Luis Alberto Spinetta dio uno de los mejores conciertos de su vida con su banda Pescado Rabioso en 1972 y los excéntricos Les Luthiers se establecieron por dos años como uno de los grupos consentidos de la gente porteña, ese teatro no sobrevivió al paso del tiempo, fue demolido una mañana de 1990, pero sobre esa avenida Corrientes, yendo hacia el oeste se viven a diario historias de arte y triunfos, se puede encontrar también otro símbolo de la expresión cultural en el Teatro el Gran Rex y otros tantos sitios llenos de historias, al parecer esa avenida tenía dominada y acaparada toda la vida bohemia de la capital  y sin embargo uno de los sucesos musicales más importantes sucedió hasta el otro lado de la ciudad de Buenos Aires, sobre el pasto del legendario Estadio José Amalfitani, (la casa del Club Velez Sarsfield) se presentó en Enero de 1990 un cartel publicitario para un concierto que habría de ser mitificado dentro de la cultura del Rock Argentino como el momento cumbre de una banda llamada Soda Stereo, ese día, tras los reflectores que apuntaban hacia el grupo Inglés de Tears of Fears que abrió el escenario y ante un público de más de 32 mil asistentes, el viejo campo del Fortín habría de ser testigo de un momento lleno de nostalgia, esa noche, Gustavo Cerati, enfundado en su icónica guitarra azul, (la misma con la que había creado riffs memorables en los trabajos anteriores de Soda Stereo) habría de cederle el micrófono y el momento estelar a uno de los músicos más venerados y recordados de la escena del Rock Argentino, David Lebón, ese músico que había formado parte de todos los grupos importantes como una pieza clave por sus letras y su guitarra, que había sobrevivido a una etapa primigenia del Rock al crear junto con Norberto Napolitano la legendaria banda Pappo Blues, que había crecido y madurado ante la adversidad de las adicciones, había renacido una y otra vez y se juntó con el Flaco Spinetta en el súper grupo Pescado Rabioso y había soportado el enorme peso de ser el guitarrista de acompañamiento de Charly García en el grupo Serú Girán, esa mágica noche, las luces del estadio enfocaron a Lebón, quien con su ya acostumbrado estilo intermedio entre el rock y el blues interpretaría junto con Cerati la famosa pieza Terapia de Amor Intensiva, ese momento, un encuentro de dos generaciones, la vieja guardia compartía el escenario con la nueva era del Rock Argentino, esa noche marcó el rumbo que había de tomar Soda Stereo, un grupo que había librado ya varias batallas en pos del reconocimiento, habían editado sus primeros discos haciendo copias de The Police, habían experimentado con la electrónica incipiente de mediados de los 80's con su disco Nada Personal, habían hecho casi de todo y sin embargo regresaron a las raíces del Rock con uno de los mejores discos que se hayan realizado en ese país del cono sur americano, se juntaron con otra mente prodigio del Rock Argentino, unieron esfuerzos con el gurú musical de Cerati, el enorme Daniel Melero, quien no sólo les dio la mano como productor, les ayudó a la depuración del sonido encaminándolo hacia los orígenes, alejandolos de la parafernalia electrónica y  situándolos en un espacio que los hacía sentir cómodos, las letras se volvieron sofisticadas, llenas de metáforas, Cerati había descubierto ese hilo conductor de su prosa cuadro cantaba en el coro de la escuela del Instituto San Roque, y se tomaba las tardes libres de la preparatoria para hacer visitas médicas para un laboratorio, desde siempre idolatró a Andy Summers, soñó con interpretar covers de The Cure y Queen en el viejo Cabaret del Parque Centenario, tenía 16 años, los sueños de la etapa adolescente se hacían poco a poco realidad, una tarde se encontró con un compañero de la escuela de Publicidad de la Universidad del Salvador, Hector Bosio uno de los mejores bajistas latinoamericanos que creció bajo instrucción militar y coincidió con la visión y el sueño de Cerati, ellos se juntaron con Charly Alberti, eminente baterista hijo de el más grande percusionista argentino de la historia (el mítico Tito Alberti) y entre los tres formaron una de las bandas de mayor arrastre y popularidad de todos los tiempos, apoyados por la industria musical, trascendieron en una época en que la vertiente mercadotécnica y artística, era realizar discos de Rock en Español bajo la etiqueta de Rock en tu Idioma, tuvieron la bondad de saber ser triunfadores, pero ellos no trazaron el camino, esa senda inició allá por los años 50's, fueron herederos de los que se atrevieron a imitar primero e innovar después, desde la época de Los Beatniks (el primer grupo de Rock Argentino del que se tenga registro), adoptaron de Litto Nebbia y Los Gatos la audacia y el espíritu de ser lo novedoso, la vanguardia, únicos e irrepetibles, pioneros en una tierra que solo tenía tango y boleros hasta 1940, ellos llevaron la fiebre del rock que tardíamente llego a Sudamérica,  sucedieron a León Gieco en su forma abstracta de observar la vida, su prosa poética, su rock difícil de asimilar en los 70's, complicado de entender aún ahora, aprendieron de los pasajes folk de Juan Carlos Baglietto y los plasmaron en varias de sus obras, esa música simple, sencilla y directa, esa que sale del corazón y es hablada por generaciones, convivieron con verdaderos ídolos de las masas como Luca Prodán y su grupo Sumo, Walter Giardino y Rata Blanca, Indio Solari y sus Redonditos de Ricota, Charly García y Nitto Mestre en sus épocas de Serú Girán, con Miguel Abuelo y sus Abuelos de la Nada y fueron la voz de una generación dorada de músicos argentinos de inicios de los 80's, sus nombres son recordados por sus grupos que formaron, Marciano Cantero (Enanitos Verdes), Miguel Zavaleta (Suéter), Andrés Calamaro, Vicentico (Los Fabulosos Cadillacs), Ariel Rot (Los Rodríguez), Pedro Aznar y Federico Moura (Virus), todos ellos circunstancialmente los acompañaron en el camino, algunos tuvieron más fama que otros y sin embargo la música que interpretaron siempre se complementó con el orgullo argentino, emprendieron todos ese camino bajo el Sol y sin embargo Soda Stereo siempre se impulsó de toda esa tradición sonora y fueron un paso adelante, en una linea ascendente que parecía no tener ocaso, se reencontraron hace algunos años para un publico que sólo conoció sus éxitos y nunca apreció que, ante sus ojos y llegando por sus oídos, estaba una leyenda, creíamos que serían para siempre, pero para Soda el tiempo se acabó hace 4 años cuando perdieron en el viaje a Cerati, se quedó dormido eternamente en un Sueño Stereo, a un millón de años luz de casa, para algunos la larga marcha de la vida se acaba antes de apreciar su legado, para algunos por fin Cae el Sol.


El reflejo de que somos un grupo pop, pero absorbimos la cultura rock. Es donde más nos distorsionamos, pero es este disco a su vez uno de nuestros puntos más altos.
- Gustavo Cerati, hablando sobre el disco Canción Animal -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1990

Discográfica - Sony Music

Productor - Soda Stereo

- Recomendable Si Les Gusta -
Silencio de Los Encargados, Travesti de Daniel Melero, Colores Santos de Daniel Melero y Gustavo Cerati, Entre Rosas de Leo García, Doble A de Andrea Alvarez, Para Terminar de Fricción, Algo Mejor de Tweety González y Fabiana Cantillo, Locura de Virus, La Máquina del Tiempo de Los Twist, Artaúd de Pescado Rabioso y Cosas Mías de Los Abuelos de la Nada

     Después de un disco de éxito moderado como lo fue el Doble Vida de 1988, Soda Stereo dio de baja a su manager y productor para darle el trabajo de creación a Daniel Melero, de ese trabajo de conjunto salió también un proyecto posterior con Gustavo Cerati en el disco Colores Santos, Melero fue muy hábil en extraer todas las cualidades interpretativas del grupo sabiendo que estaba en la antesala de uno de los mejores trabajos de la banda, el disco fue grabado en la ciudad de Miami y muchos de los temas que salieron de las sesiones de grabación fueron desechados hasta completar los 10 temas que conformaron el disco, siendo definitivamente el mejor trabajo del grupo, sobresale también la conformación de la gira más exitosa del grupo, la llamada Gira Animal de 1990 hasta finales de 1991.

Título del Disco
El álbum originalmente se iba a llamar Tensión e Integridad pero de último momento se cambió a Canción Animal por una canción que contiene el disco, es uno de los títulos más recordados de todo el catálogo de Soda Stereo   

Portada del Disco

La controvertida portada del disco contiene a una pareja de leones copulando y fue prohibida en una gran cantidad de países latinoamericanos, no fue sino hasta la primera mitad de los 90's que fue editada la edición original en todas las series, esa portada fue sustituida en las ediciones anteriores por una menos conceptual con la foto del grupo y las letras en color azul y amarillo.


Tracklist


1.    (En) El Séptimo Día  (Recomendación 4 Estrellas)

2.    Un Millón de Años Luz (Recomendación 4 Estrellas)

3.    Canción Animal (Recomendación 4 Estrellas)

4.    1990 (Recomendación 4 Estrellas)

5.    Sueles Dejarme Solo (Recomendación 4 Estrellas)

6.    De Música Ligera (Recomendación 4 Estrellas)

7.    Hombre al Agua 

8.    Entre Caníbales (Recomendación 4 Estrellas)

9.    Te Para Tres (Recomendación 4 Estrellas)

10.  Cae el Sol (Recomendación 4 Estrellas)

Track by Track Momentos Cumbre

- El disco inicia con uno de los temas clásicos de Soda Stereo, con esta canción abrieron todos y cada uno de los conciertos de la famosa Gira Animal de 1990,   (En) El Séptimo Día, Soda da cátedra de ritmo y de cohesión como grupo, el tan peculiar ritmo en un compás de 7/8 queda marcado con la entrada de la batería de Charly Alberti con una estructura melódica muy compleja y esa línea de bajo de Zeta Bosio que es impecablemente construida para ese compás, ese compás de 7/8 es muy característico de la música del medio oriente, es música de caravanas y de gente nómada, una canción para iniciar el viaje, tal vez sin regreso, tal vez de ida y vuelta, vuelca nuestro corazón de ritmo y nos llena la cabeza con notas que emanan de las tarolas y los cimbeles de esa batería, se nota inmediatamente la gran influencia de Stewart Copeland (esos famosos ritmos sincopados que lo hicieron mítico) en la percusión de Alberti, la letra es una alegoría de la creación mesiánica en un rock puro y total, la guitarra de Cerati marca uno de sus característicos riffs usando únicamente distorsión y overdrive, que se puede pedir al abrir un disco que una canción tan contundente y directa, rock en su estado puro.
- Después de un primer clásico entra otro a escena, la canción que se iba a llamar No Vuelvas adquirió un título mucho más atractivo, Un Millón de Años Luz es un tema que nace de la influencia enorme en el grupo inglés Squeeze, particularmente en una canción llamada Tempted (de su segundo álbum, el famoso East Side Story), esa introducción tan característica de teclado es obra del gran músico Tweety González quien podría ser considerado el colaborador y músico de sesión más importante en la historia de Soda Stereo, a partir de esa introducción tan etérea se construyó poco a poco una armonía llena de contrastes, después de ese inicio tan parsimonioso, se da el golpe de farola que anuncia como la entrada a un pasaje lleno de luz uno de los riffs más famosos de Gustavo Cerati entra a escena, la guitarra se enfrenta al contrapunto del bajo de Zeta Bosio en una armonía definida por el mismo Cerati, situada a medio camino entre el Bolero de Ravel y Tempted, la letra es una oda a lo inalcanzable de la belleza y de una diatriba hacia la misma, un encuentro que puede ser el ultimo, a fin de cuentas un amor inalcanzable.
- La belleza y sensualidad que emana de Canción Animal, tema de altísimo calibre, ese intro con esa atmósfera muy en la sintonía de las aperturas estilo Emir Kusturica o Ennio Morricone, recuerdan esas canciones épicas de las aperturas de los Westerns clásicos con ese riff, también evoca las clásicas canciones de The Ventures en su etapa más tranquila con esas guitarras llenas de trémolo, el riff es de una presencia impresionante, abre con un rasgueo hacia arriba que le da ese aire hipnótico, la batería de Charly Alberty dominando un horizonte lleno de elegancia y la línea de bajo de Zeta Bosio complementa ese compás de 2/4 al que se le agregan poco a poco elementos de sintetizador, el coro es prácticamente una plegaria, una canción en la que convergen una serie de estilos como una amalgama de sentimientos primigenios, es una canción de amor y a la vez de desprecio, salvaje y llena de energía, una serie de frases que resumen esa esencia casi tribal que encierra 'cada lágrima de hambre, el más puro néctar, no hay nada más dulce que el deseo en cadenas ... cuando el cuerpo no espera lo que llaman amor, más se vive y se vive', el solo es entrecortado al final de su ejecución, tiene tanta energía que por si sólo podría ser otra canción, la canción encierra todo el arte de la portada original, sentimientos humanos vueltos frases, el deseo en su estado puro, una declaración de principios, un extraordinario tema.
- 1990 es uno de esos temas de Soda Stereo que no han recibido el enorme crédito que se merece, es entro de guitarras arpegiadas mezcladas una a una, una haciendo armonía y la otra contrapunteando de forma impecable, la batería en 4/4 de Charly Alberti y Zeta Bosio haciendo hasta coros, 1990 es una canción festiva y muy rítmica, tiene mucho de Los Gatos en sus primeros discos, y sobre todo de el maestro Ciro Fogliatta en sus interpretaciones al piano, una estructura de rock clásico bien llevada en su transcurrir, desde la introducción hasta el final, Alberti haciendo síncopas por todos lados con una facilidad pasmosa, Gustavo Cerati elaboró una letra que si bien es simple, está llena de metáforas sobre ese momento que vivían como grupo y en lo personal cada uno de ellos, 1990, una canción tan actual a 24 años de distancia.
- Apenas 12 minutos del disco y ya era un clásico, otra gran canción de rock en su estado puro y salvaje llega con Sueles Dejarme Solo, un hard rock con un riff memorable, esa entrada con la guitarra eléctrica de Cerati y la frase de apertura presagian una ola de guitarras y distorsión 'nena nunca voy a ser un súper hombre' recita al inicio, la percusión de Charly Alberti hace un complemento épico con el sintetizador de Tweety González que suena a veces como un piano y otras como un órgano, dándole ese aire también de blues a una canción de desamor, el solo, uno de los más energéticos del catálogo de Soda, quizás es sólo comparable con el de Sweet Sahumerio o el de Primavera 0, otra canción de largo alcance, rock y más rock, música para levantarse del asiento y confirmar de una vez por todas que ya eran una leyenda.
- El tema insignia de toda la generación de músicos argentinos llega en un sitio de privilegio, a medio álbum, la canción número 6 del disco es simple y sencillamente el himno de Soda Stereo, el tema que más se conoce y que más veces se intrepreta, tiene una influencia que se extiende a más de dos décadas de distancia, un riff inicial tan reconocible como cualquier monumento histórico, se construye a partir de una sucesión de 4 acordes, aparentemente simple pero a la vez tan compleja, tiene ese sello que solo Gustavo Cerati podía darle a una sucesión tan básica pero encierra un truco armónico extraordinario, ese descenso del Sol al Re es el éxito de ese riff, es el lugar donde se concentra toda la fuerza de la canción, se produce a la mitad de la estrofa, esa asincronía entre versos y armonía le da ese aire de introspección, invita al escucha a preciar toda la canción porque no entra al inicio ni al final, el remate de esos dos acordes se da en cada mitad de los versos, es una armonía dentro de una armonía, ese inicio queda complementado con las seis notas de bajo de Zeta Bosio, la percusión de Charly Alberti refuerza toda la energía del riff principal, el órgano que se escucha de trasfondo en cada verso es obra de nuevo del gran Tweety González, le da esa sensación de himno orquestal, De Música Ligera es una canción redonda por donde quiera que se le vea, la letra se dio de manera espontánea, lo primero que llegó fue la frase 'de aquel amor de música ligera', esa sensación de mundos opuestos que convergen en un sueño, música simple, de guitarra, bajo y batería, rock clásico, sin preámbulos, lleno de vitalidad, se grabó una mañana de 1990 en un estudio de Miami, en una sola toma y tiene esa extraña cualidad de que al interpretarse se podía improvisar con los acordes y con la estructura, como quedó de manifiesto en su Último Concierto Parte I en el Estadio Monumental de River cuando ante más de 90 mil personas se intrepretó yendo de la mitad al inicio y al final, como un encore que presagiaba una pausa, como una última canción y que encierra uno de los momentos más emotivos de la historia del Rock Latiniamericano, el solo es de una belleza impresionante, esta hecho para tocarse en estadios y para nosotros mismos, para recordar todas y cada una de esas notas al miedo tiempo que nuestra mente evoca momentos de nostalgia, de historias personales, todos han adaptado esa canción a sus necesidades, a los recuerdos de un pasado que puede resultar tan remoto o reciente como se necesite, De Música Ligera, una pieza memorable que está en la mente de cada uno de nosotros y que con el tiempo va adquiriendo una personalidad propia, un himno generacional que constituye un legado a la posteridad, pocas canciones de este peso en el Rock, pocas piezas tan respetadas y veneradas, aún la tocaran toda la vida le seguiríamos encontrando algo nuevo y lleno de encanto, porque las piezas memorables nunca van a perder vigencia, jamás pierden su brillo, las flores de antaño siempre tienen encanto, esta y otras piezas van a seguir siendo siempre de todos nosotros.
- Hombre al Agua es una canción que podríamos citar como de transición quizás el tema más flojo de todo el disco y aún así es una enorme pieza, los efectos de sonidos del mar al inicio de la canción son obra de Tweety González, la letra habla sobre lanzar un desafío, una afrenta hacia algo desconocido, podemos tomar varios pasajes de ella como una reflexión hacia el cambio, el riff de guitarra como siempre es impecablemente construido, la batería con su ritmo siempre preciso y exacto y esos cambios vertiginosos que de repente nos regala la percusión, el bajo también tiene mucho que aportar al dar esa cohesión entre los riffs de guitarra y esa forma de Alberti de siempre de marcar los compases uno a uno siempre.
- Daniel Melero colabora en un tema que también es épico, Entre Caníbales es una pieza que desde el inicio ya nos marca una tendencia que durará alrededor de 4 minutos, la frase de inicio es bastante interesante 'una eternidad espere este instante', iniciando un solo de guitarra que es tan limpio que se desdobla lentamente segundo a segundo, ese inicio tan único hace que la canción sea una pieza que se interpretaba obligadamente en todos sus conciertos, la interpretación del disco del Ultimo Concierto I es quizás la más famosa, es una versión en acústico que nos deja ver toda la estructura armónica con 6 acordes de la canción.
- Uno de los más grandes temas de Soda Stereo llega en esta canción, un momento cumbre musical y espiritualmente hablando, Gustavo Cerati confiesa una etapa tan complicada de su vida con una auténtica poesía, Te Para Tres nos sitúa en un café de Buenos Aires, en la mesa están sentados Cerati, su hermana y su padre, quien les da la noticia de que padece cáncer terminal, la forma en que se construye la canción no tiene igual en todo el catálogo de Soda, es una canción minimalista, sólo una guitarra acústica y si acaso unos cuantos esbozos del sintetizador del Tweety González hacen que la armonía destaque mucho más, su padre murió 2 años después en 1992, es una canción extremadamente personal para Cerati, es un momento de exorcismo y de introspección, la forma en que nos comparte un momento así de doloroso es solemne, en la versión que Cerati hace en Confort y Música Para Volar, ejecuta el clásico punteo de Luis Alberto Spinetta de su canción Cementerio Club, una pieza poética y sentimental hasta el paroxismo, momento cumbre del grupo en apenas 2 minutos y medio.

- Un enorme disco termina con el mejor tema segundo a segundo de todo el catálogo de Soda Stereo, es una canción que nos remite el extraordinario disco Houses Of The Holy de Led Zeppelin en su grandioso tema The Ocean por esos coros que recitan armoniosamente Zeta Bosio y Charly Alberti, una especia de armonía vocal forzada en aras de engrandecer un tema ya de por si enorme, el punteo de guitarra es de lo mejor de Cerati, acompaña toda la percusión precisa con síncopas y remates de Alberti, es una canción que culmina con una etapa donde Soda Stereo se consolidó como el grupo pionero del Rock Argentino en una escena ya de por si llena de virtuosismo que continúa hasta nuestros días, la frase del final defino todo lo que resultó ser este disco 'Buenos Aires, Argentina, Buenos Aires, humedad!', el mejor disco de Soda Stereo llega a su fin.