RadioJoshua - Disco de la Semana - Nevermind de Nirvana

Radio Joshua en su Sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los oídos ... Una de las bandas míticas del grunge con un paso breve pero firme en la escena musical de inicios de los 90's, inspirados en la vertiente de hard punk y hard rock naciente en Washington, el disco que llevó a la estratósfera a un grupo de origen humilde con la imagen icónica de Kurt Cobain, uno de los discos de la década de los 90's, influencia para muchas bandas actuales y parte del soundtrack de la vida de muchos de nosotros

Nirvana - Nevermind

      Tupelo, Mississippi y Aberdeen, Washington, poblaciones diametralmente opuestas, una enclavada en el sur de los Estados Unidos, cuna de la figura pública más famosa de ese país de los años 50’s, ahí nació Elvis Presley, la figura mediática por excelencia, el ídolo juvenil, el hijo pródigo de los medios de comunicación, a miles de kilómetros de ahí, a más de 30 años de distancia, nacería un joven que habría de dejar este mundo a la tierna edad de 27 años, que siempre reflejó la tendencia de vida o muerte tan claramente marcada en una personalidad siempre contradictoria, ¿que tienen en común Elvis Aarón Presley y Kurt Donald Cobain? citando a James Hector, 'la locura genuina de la vida', uno nació en un ambiente lleno de blues, lleno de calor, de huracanes y de agua, mucha agua, el delta del río más grande de ese país, es la cuna de uno de los ritmos más tristes y que más virtuosismo exige a sus músicos, fue el héroe de la cultura americana por más de dos décadas, Elvis era el rey, el otro nació en un ambiente también lleno de agua, pero que cae de forma torrencial a lo largo del año, el estado con mayor precipitación pluvial, un lugar frío, obscuro, denso en vegetación y bosques, el agua como hilo conductor de ambos entrañables personajes, uno expuesto en la tierra, emanando de las montañas y el otro cayendo del mismo cielo, cayendo de forma incesante todo el tiempo, sin embargo fueron hermanados por la tragedia, ambos personajes se volcaron hacia la búsqueda interior, hacia la exploración de un héroe de la cultura blanca y ambos cedieron a todas las presiones que el mainstream obliga a tener a quienes lo ejercen, ninguno pudo con el peso de la fama, ambos cedieron por ser reconocibles, más no reconocidos plenamente, Kurt Cobain luchaba en contra de la homogenización, luchaba porque no quería ser una estrella de Rock (con un origen humilde), de hacerse millonario en un mundo que le resultó siempre difícil de explicar, la inestabilidad generacional llegó a un punto crítico en los principios de los 90’s, la idea de que el bienestar se puede comprar a expensas de sacrificar la forma en que se obtiene, es ahí donde nace el mito de Nirvana, de la absurda expectativa de una generación que experimentó con todo lo que había a su alcance para conseguir una identidad, se les tachó de no tenerla, se les llamó Generación X, se les encasilló en un estereotipo trabajado desde los rincones más obscuros de los ardides publicitarios, de las deudas que crecían en la gente que nunca comprendió que la felicidad no se podía comprar con tarjetas de crédito o con pagos diferidos, Cobain ejerció un juego decadente, una espiral sin fin en sus adicciones, encontró en la música el escape de su propia realidad, jamás lo consiguió, durante los pocos años que duró Nirvana, esa banda cuya historia empezó en agosto de 1984 cuando el joven Cobain vendió su colección de discos y viajó más de 140 kilómetros para ver a su grupo favorito, el mítico Black Flag, el grupo de punk underground más grande que ha dado el estado de California, Cobain estaba decubriendo los matices de todas sus diferencias ideológicas, se reunió con su amigo de toda la vida y única persona en el mundo capaz de aguantar sus largas horas de ausencia fruto de una mente absorta en sus propios pensamientos, una mente acabada en un mundo que él mismo jamás entendió, Crish Novoselic, ese ente creativo, ese bajista que permanecía tras bambalinas por todo el circo mediático que Nirvana ofrecía, se les uniría David Grohl, un héroe de la Generación X, uno de los últimos virtuosos del rock punk más ácido que se recuerde, era el baterista de sus sueños, ahí se encontraban ellos tres, luchando públicamente con la bandera de la reconciliación, tratando de encajar todas esas contradicciones que su generación exigía, para los críticos Nirvana era una banda de perdedores, sin embargo en 1991, editaron el disco que modificó el panorama musical, hizo que las miradas dejaran de concentrarse en el pop aburrido y soso, el glam rock absurdo y sin sentido que impregnaba las estaciones de radio, ubicó a Seattle como el centro neurálgico de la producción musical, el disco que nos ha movido de nuestras propias entrañas los sentimientos de pertenencia de una era que ya no existe y de la que seguimos reuniendo sus pedazos con cada paso que damos, el disco más importante de la década de 1990, a 23 años de su edición. sigue siendo una obra redonda en todos los aspectos, otro grandioso disco para la historia.

' ... Nevermind vino en el momento exacto. Era música por, para y sobre un nuevo grupo de jóvenes que habían sido pasados por alto, ignorados o con los que se había sido condescendientes ... '

- Michael Azerrad, sobre Nevermind -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1991

Discográfica - DGC Records

Productor - Butch Vig

- Recomendable Si Les Gusta -

Slip It In de Black Flag, Versus de Pearl Jam, Superfuzz Migmuff de Mudhoney, Ozma de The Melvins, Core de Stone Temple Pilots,  Badmotorfinger de Soundgarden, Dirt de Alice in Chains, Hairway to Steven de Butthole Surfers, Mall de Gang of Four, Surfer Rosa de The Pixies, Come On Down de Green River, Hallowed Ground de Skin Yard, Return to Olympus de Malfunkshun

     ¿Porqué Nirvana y Nevermind tuvieron tan éxito? Hay muchas explicaciones, ya con su trabajo anterior, el sucio y rebelde Bleach, se había especulado que Cobain y compañía tenían tiempo preparando un disco mucho más elaborado y más completo que su álbum debut, reclutaron a uno de los mejores productores de la escena grunge, el gran Butch Vig, desde el inicio la cadena MTV apoyó su video del sencillo Smells Like Teen Spirit, la radio los apoyó también de una forma impresionante, fueron promocionados por el disco, por su actitud y por su sonido, pero estos factores que dependen de los medios de comunicación no son la explicación total del porqué de tanto éxito, ese grunge desteñido, esa mezcla de metal, de punk, la mezcla a cargo de Andy Wallace, esas melodías y esa furia no se compran con spots publicitarios, tampoco se compran pagando payola en la radio, todo eso fue confeccionado de forma muy atinada en el estudio, Nevermind marcó la madurez del pésimamente llamado Rock Alternativo (término estúpido y sin sentido), fue impulsado por festivales como Lollapalooza, se trabajaron varios aspectos del disco de forma digital pero la esencia del trabajo rudo y crudo dentro del estudio, que es la verdadera trinchera del músico para exponer sus ideas y trabajo resultó bellamente impecable, las sesiones solo duraron 6 meses, fue una atmósfera alegre, descuidada, la banda hacía inclusive covers en las sesiones, se notaba que era una buena época para el trío, se acercaban tiempos difíciles, después del 24 de septiembre de 1991, la vida, tal cual la conocimos en la música, el arte y la forma de vestir, nunca fueron iguales.    

Título del Disco

Originalmente el disco iba a llamarse Sheep, sin embargo en un cambio de planes Kurt Cobain tituló el disco Nevermind

Portada del Disco

Un clásico, la portada del bebé cuyo nombre es Specer Elden, quien en ese entonces tenía 3 meses de edad, hijo del fotógrafo Rick Elden, la imagen del bebé persiguiendo el billete de 1 dólar es una de las portadas más famosas de la historia.

Tracklist

1.   Smells Like Teen Spirit (Recomendación 4 Estrellas)
2.   In Bloom (Recomendación 4 Estrellas)
3.   Come As You Are (Recomendación 4 Estrellas)
4.   Breed (Recomendación 4 Estrellas)
5.   Lithium (Recomendación 4 Estrellas)
6.   Polly (Recomendación 4 Estrellas)
7.   Territorial Pissings 
8.   Drain You (Recomendación 4 Estrellas)
9.   Lounge Act (Recomendación 4 Estrellas)
10. Stay Away (Recomendación 4 Estrellas)
11. On A Plain (Recomendación 4 Estrellas)
12. Something in The Way
13. Endeless, Nameless

Track by Track Momentos Cumbre

- La canción inicial es una rara canción que definió una era, a toda una generación Smells Like Teen Spirit, es la joya de la rebeldía post punk y a la vez es una canción que pertenece más al mundo del pop rock que del grunge por las innumerables veces que se ha repetido a lo largo del tiempo, las frases que no tienen relación entre sí, a veces son más monosílabos, las letras son incoherentes en un ambiente enrarecido de inicios de los 90's, Kurt Cobain escribió la letra después de escuchar y conmoverse con The Pixies y su álbum Surfer Rosa de 1988, la canción con sus cuatro acordes iniciales son tan característicos como lo son los 6 acordes iniciales de Smoke On The Water, como los 3 acordes de Blitzkrieg Bop, como los 4 acordes de Paranoid, son de esas canciones que son la versión moderna de las oberturas de la música clásica (por eso José Agustín no miente al decir que el Rock es la nueva música clásica) esos cuatro acordes casi copiados de More Than a Feeling de Boston y de The Kingsmen de Richard Berry son elaborados finamente en la producción de Butch Vig, llenos de distorsión al inicio y de más distorsión después, la mano izquierda de Cobain ejecutaba los acordes en quintas de una forma impresionante, su mano derecha jamás estuvo habituada a hacer largos riffs, su lenguaje guitarrístico era corto, pero era furioso, lleno de ira, su mano izquierda ejecuta el espíritu de la generación X, su mano derecha habla con el corazón de esa generación, juntas son la voz de la canción más escuchada de la década, la programaban hasta 20 veces en la navidad de 1991 en algunas estaciones de radio, la conocen todos, cada que se toca en algún lugar la gente reconoce esos acordes, reconoce que es Nirvana, reconoce que es Kurt Cobain aunque no sepan como se llaman los otros dos integrantes, es memorable como todo lo que la historia recuerda como parte de la memoria colectiva, de esos acordes y la batería de David Grohl con su set que ejecutaba como un ángel endemoniado, las piernas como pistones, los brazos como armas punzocortantes y esas figuras de percusión a 168 bits por minuto, el bajo es imperceptible al inicio, Krist Novoselic lo afinó en bemoles para que sonara más rudo, más intenso, después de la vorágine inicial, solo 2 notas y un compás de 4/4, luego el interludio con unos acordes arpegiados, un total de 24 pistas usó Butch Vig para lograr la mezcla final junto con Andy Wallace, el solo se disminuyó de velocidad, le agregaron distorsión a diestra y siniestra, se construyó un himno que debe su fama al portento de grunge que crearon con matices pop, la dualidad de un grupo que fue producto del marketing con un pasado de carencias, una canción entregada envuelta en celofán para un público harto de escuchar Glam Rock y Rap, la bomba estalló justo en el momento y lugar adecuados, se juntaron los planetas, una asombrosa coalición de factores, una alineación estelar con su epicentro en Seattle, una canción que hace de Nirvana la voz de la Generación X y que sin embargo obedeciendo a la dualidad de siempre se negaban a tocar en sus conciertos por el hecho de ser repetida hasta el cansancio.
- En 1990 ya se había grabado el demo de In Bloom sin embargo la sección percusión la habían hecho con Chad Channing, otra canción que alterna tomas tranquilas con la tempestad de las guitarras, Kurt Cobain grabó la parte de los riffs con una Fender Bassman que le dio ese toque tan pesado a ese riff y un amplificador Massa Bogie que le aporto muchísimo cuerpo al sonido de la guitarra, Novoselic y Grohl grabaron la parte rítmica en una toma, los coros fueron hechos con Grohl y Cobain, ese riff poderoso al inicio que se entreteje con los acordes en distorsión a la que se agrega lentamente la batería, dando paso posteriormente al bajo afinado un tono más grave de Novoselic, una canción poderosa con un solo con ese tono poderoso que aportan los graves de las Fender.
- La siguiente canción es tan identificable como la que abre el disco, esta afinada en un dos trastes más abajo que la afinación convencional, en las versiones en vivo se afinaba solo uno, sin embargo este detalle hace que la voz y la música suenen un tanto diferentes en las versiones en concierto, en Come As You Are, el riff es muy similar al riff de una canción del grupo Killing Joke, banda post punk británica, la canción en cuestión se llama Eighties, aunque están separadas por más de 10 años ambas canciones, también es similar al riff inicial de Life Goes On de la súper banda inglesa The Damned, pese a esas situaciones de plagio intelectual, el riff tiene la particularidad que es extremadamente divicil de ejecutar y de cantar, por lo que Cobain demuestra esa enorme capacidad innata que poseía de dominar el estilo vocal e interpretativo, el solo de guitarra se destaca por la duración de sus notas, de la intensidad con que se grabó, los cambios de batería de David Grohl son complejos y difíciles de imitar, es una enorme canción.
- Un ex carnicero de Seattle fue el responsable de dar inspiración al tema Breed, Tad Doyle, líder del grupo seminal de grunge de los 70's avecindado en Seattle, la batería de inicio de David Grohl es impresionante, el efecto inicial de la guitarra Fender de Kurt Cobain y esa percusión que viaja a velocidad luz, se agregan el bajo con efecto fuzz de Krist Novoselic, una canción de batalla, sin lugar a dudas de las canciones de corte más grunge de todo el Nevermind, los coros son contagiosos, la letra es absurda pues habla de problemas de salud que se resuelven con catárticos.
- Enciendo mis velas y lo único que descubro es Dios reza un verso de un himno generacional, Lithium es una joya del grunge, una canción impecable en todos los sentidos, el riff de apertura es complejo y transcurre en apenas 6 acordes, la forma de ejecutarlo es impresionante, el efecto de la guitarra apenas hace juego con la intensidad de la apertura del tema, la batería de David Grohl acompaña con síncopas y contrapuntos los versos que recita Kurt Cobain, el coro es aunque simple controversial, la forma en que se lleva el tema y el bajel en el interludio de Krist Novoselic son absolutamente grandiosos, un diamante dentro del catálogo Nirvanesco, una canción que tiene una interpretación en vivo impecable en el festival de Reading y la conocida presentación en los Premios MTV.
- En 1988 Kurt Cobain escribió una canción que iba a trascender en el tiempo, una oda terrorífica narrada en tercera persona, es como poner un espejo y describir todo lo que se ve, Polly es una belleza por donde se le vea, acústica, directa, sincera, una guitarra ayudada por un bajel discreto pero que llena todos los espacios huecos que genera el rasgueo de la guitarra acústica, sin embargo tiene una historia de tragedia y horror, una historia de secuestro y violación, Kurt Cobain narra desde el punto de vista del secuestrador, pese a que no era una canción de grunge, su crudeza es tal que es conmovedora.
- Una canción ideal para destruir guitarras y baterías es Territorial Pissings, grunge, punk y mucho rock se encuentran en una letra sin sentido que critica al machismo y habla sobre aliens, memorables son la presentaciones en vivo donde se tocaba la canción como la de Saturday Night Live donde destruyeron el escenario.
- Tobi Vail es otro de los nombres ocultos por la historia del Rock, ella fue la pareja de Kurt Cobain y a quien se atribuye la inspiración para temas como Smells Like Teen Spirit y este otro enorme tema llamado Drain You, una de las grandes joyas de Nirvana, para realizarla se usaron 6 pistas, una de ellas era de la guitarra limpia de Cobain y el resto era distorsión pura, Butch Vig engañaba a Cobain para que se grabaran más y más pistas de la canción para darle ese efecto de profundidad, se escuchan en los puentes varios juguetes que había llevado Cobain al estudio durante el puente, la batería de David Grohl es extraordinaria porque aporta el ritmo y los cambios son marcados y elegantes durante toda la canción, Krist Novoselic afinó su bajo un tono más grave lo que le da ese toque característico.
- Lounge Act es otra joya escondida en este grandioso disco, una vez más Tobi Vail inspiró la letra, fue una figura tan emblemática en la vida de Kurt Cobain que no sólo le dedicó canciones, tenía tatuado el logotipo de la casa disquera que promocionaba el grupo de Vail, un grupo llamado Bikini Kill que pasó sin pena ni gloria por el mundo del grunge pero que estaba afiliado a la casa disquera del grupo The Vaselines, musicalmente es una joya ese intro con el bajo de Krist Novoselic y la percusión de Grohl acompañando la guitarra con muy poca distorsión de Cobain, los cambios una vez más impecables, hacer cambios a esa velocidad es sumamente divicil, sin embargo los coros aportan esos cambios de ritmo descomunales, la letra habla de una relación fallida como otras tantas de Nirvana, con una frase contundente Me arrestaré a mí mismo y usaré un escudo.
- Stay Away es una canción que muestra el lado anti conformista de las letras de Kurt Cobain, sin embargo se trata de una canción de transición, una muestra de que las canciones grunge a veces son repetitivas, los interludios sostienen el peso de la canción por esa entrañable línea de bajo de Krist Novoselic acompañado de la percusión destructiva de David Grohl, el solo de batería del final es impecablemente construido.
- Los famosos falsetes de la voz de David Grohl en On a Plain son clásicos, es una muy buena canción caracterizada por ese nitro con la guitarra y ese efecto de palm mute y distorsión por todos lados, los versos y los coros son muy buenos, la percusión de Grohl y su voz le dan ese aire de pop, sin embargo es grunge gritando a todo lo que dan esas voces mezcladas, al final esas frases estilo mantea le dan el aire místico.
- Cuando Kurt Cobain andaba viviendo por los puentes de Aberdeen en Washington, o en cajas de cartón con los yonkees de la localidad o en salas de hospitales o en los dormitorios comunitarios escribió una joya de la música de los 90's, Something In The Way es una canción sub valorada y que sin embargo impregna todo lo que es el grunge, letras tristes y decadentes, armonías vocales desgarradas y mucho dolor, tanto dolor que la versión original se grabó desde 1990, fue tocada con una guitarra Stella de 12 cuerdas con 5 cuerdas de nylon que muy difícilmente se mantenían afinadas, el ritmo lento de la canción y la forma en que es ejecutada la hacían muy dificil de completar, Kirk Canning grabó la parte de violoncelo en el último día de grabaciones del Nevermind, una enorme canción que cierra el disco en su versión original, la versión Unplugged es más que conmovedora.
- Endless, Nameless, es una pista oculta al final de Something In The Way, resulta que hay 3 versiones del origen de la pista, una de ella dice que se deriva de Lithium cuando las sesiones para grabarla fallaron, otra dice que es una presentación en el teatro Paramount de Seattle en 1990 y la otra dice que es una versión de las grabaciones para John Peel en 1994, sea cual sea la verdad esta pieza solo se encuentra en las versiones británicas del Nevermind.

RadioJoshua - Disco de la Semana - A Night at The Opera de Queen

Radio Joshua en su Sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los oídos ... En su tiempo fue la producción musical más cara de la historia, un álbum que consolidó un estilo intermedio entre el pop y el Hard Rock, el cuarto álbum una de las bandas más importantes de la Gran Bretaña de los 70’s - 80’s, la obra que fue concebida como el proyecto musical más importante de sus carreras, un verdadero clásico

Queen - A Night at The Opera

      En el cobertizo de alguna casa de la campiña inglesa a mediados de los años 50's, se encuentra el joven Brian May junto con su padre, reconocido ingeniero en aeronáutica, se encuentran diseñando lo que será la guitarra más famosa del rock, toman la madera de una chimenea y las válvulas de una vieja motocicleta,  agujas de coser antiguas y crean la guitarra Red Special, la única en su tipo en el mundo, lo que haría que un hecho inverosímil para ojos de cualquier persona, pero para el joven May quien habría de estudiar y convertirse en un reconocido investigador en Astrofísica el universo era el límite, mientras elaboraban una pieza única, a miles de kilómetros de ahí, en Zanzíbar crecía una de las mentes creativas y una de las mejores voces que ha tenido el rock, el joven Farrok Bulsara, hijo de ingleses pero nacido en Tanzania, que por accidente histórico era colonia inglesa en aquellas épocas, en un momento dado de la historia, a  finales de los 60’s, el joven Farrok habría de establecerse en Inglaterra donde estudiaría diseño gráfico y continuaría con sus clases de piano, se cambiaría el nombre por un verso que le recitaría su madre cuando era un niño para ser conocido desde ese momento como Freddy Mercury, May, Mercury y el baterista Roger Taylor quien no sólo se destacó como un gran baterista sino como un cantante connotado que alcanza niveles de soprano con sus 3 octavas de voz forman un grupo llamado Smile, años más adelante se les une uno de los mejores bajistas de su generación, el gran John Deacon, todos con estudios universitarios, May se matricula en su doctorado en Astrofísica, Deacon termina su carrera en ingeniería en electrónica  Taylor en odontología y Mercury en artes y diseño, corre el año 1970 en la Inglaterra postbeatle, fue el año en que dejó de existir el cuarteto de Liverpool, fue el año en que se formó Black Sabbath, en que David Bowie edita The Man Who Sold The World, año en que José José deja a todos boquiabiertos después de su presentación en el Festival OTI, año en que se registra el peor ciclón en la historia de la humanidad y azota a Pakistán Oriental y George Harrison en un acto humanista realiza el mítico Concierto para Bangladesh, es el año en que se formó Queen, en que debido a su nombre desataron críticas por la sociedad conservadora inglesa de la época, con su primer obra la crítica los puso en la mira y con la primer canción de su primer disco causaron furor, una pieza ya clásica llamada 'Keep Yourself Alive' un mar de guitarras superpuestas combinadas con percusiones contundentes, con sus dos trabajos posteriores fueron decreciendo en popularidad y aumentando en críticas, sin embargo todo cambia en 1975, cuando decidieron crear un disco que marcara época, un disco que enmarca todo lo que la agrupación fué, es y seguirá siendo, un pop rock bien hecho, con armonías difíciles de imitar, con ese sello que son los coros con las voces de tan eminentes músicos, siempre fueron únicos en su estilo, más allá del Hard Rock o del Glam Rock que ellos mismos sin querer impulsaron, más allá de ese estilo inigualable en la batería de Taylor con sus sets de dos baterías unidas, del talento innegable de Deacon con su bajo exquisito en técnica y acompañamiento, más allá de lo que significa el nombre de Brian May como el héroe de guitarra que representa y aún más allá de lo que la voz y talento de Freddy Mercury hayan aportado al mundo de la música, más allá de todo eso, Queen es para el Rock actual un digno representante del buen gusto musical. 

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1975

Discográfica - EMI, Parlophone

Productor - Queen y Roy Thomas Barker

- Recomendable Si Les Gusta -

Ghost of a Smile de Smile, Shove It de The Cross, The Cosmos Rocks de Queen y Paul Rodgers, Mr Bad Guy de Freddy Mercury, Star Fleet Project de Brian May y Fun In Space de Roger Taylor

     El disco que hizo aún más famosos a los integrantes de Queen estuvo precedido de mucha polémica desde su concepción, para empezar se trataba de la obra más cara producida por un grupo de Rock, fue planeada para grabarse en 4 estudios de forma simultánea con los cuatro integrantes separados entre sí, cada uno concentrado en lo que les correspondía grabar, iniciaron en el país de Gales grabando las pistas de percusión y bajo para después en Londres grabar la voces, el encargado de la producción fue Roy Thomas Barker, llevó al grupo a los afamados estudios Ernst donde se había grabado el Show de Terror de Rocky, ya desde su disco anterior se había vislumbrado que se requeriría un cambio en la forma de grabar sus futuros discos y habrían de repetir la fórmula con su trabajo posterior el también clásico A Day In the Races, altamente influenciados por su trabajo Queen II, A Night at The Opera tiene el mérito de funcionar como un trabajo redondo, de haber utilizado avanzadas técnicas de grabación incluyendo una mezcla muy afortunada que se deja ver en varios de los temas, el proceso de grabación terminó a finales de 1975 con un total de 4 meses de trabajo en el estudio, resulta ser también meritorio al mezclar varias de las vertientes musicales que había ido recopilando Queen a lo largos e su carrera, desde temas de ópera Rock clásicos hasta hard rock y pop fino y elaborado, A Night at The Opera dio las bases para las grabaciones en estudios simultáneas, a las mezclas de voces armonizadas y al empleo de diferentes niveles de grabación multipista, mismos méritos que hasta la fecha siguen siendo utilizados.

Título del Disco

Toma el nombre de una famosa película de los Hermanos Marx (Chico, Groucho, Zeppo, Gummo y Harppo) de 1935, que además fue la primera que rodaron para la MGM, el gusto por las películas de los Hermanos Marx se extendió para titular otro disco de Queen, el famoso A Day In The Races.

Portada del Disco

El logo del disco fue diseñado por Freddy Mercury, representando elementos típicamente ingleses como los leones raspantes, el cisne y la letra Q de Queen irradiando luz, una portada reconocible y para la posteridad

Tracklist

1.   Dead On Two Legs (Recomendación 4 Estrellas)
2.   Lazing On a Sunday Afternoon 
3.   I'm In Love With My Car (Recomendación 4 Estrellas)
4.   You're My Best Friend (Recomendación 4 Estrellas)
5.   39 (Recomendación 4 Estrellas)
6.   Sweet Lady (Recomendación 4 Estrellas)
7.   Seaside Rendezvous 
8.   The Prophet's Song (Recomendación 4 Estrellas)
9.   Love Of My Life (Recomendación 4 Estrellas)
10. Good Company
11. Bohemian Rapsody (Recomendación 4 Estrellas)
12. God Save The Queen

Track by Track Momentos Cumbre

- El despido de Norman Sheffield, antiguo mánager de la banda fue la veta de inspiración para el tema inicial, el controvertido Death On Two Legs, una canción mordaz y políticamente incorrecta, una de las letras más malintencionadas que haya escrito alguna vez Freddy Mercury, que saca a relucir un espíritu maligno que ya se había vislumbrado en el disco previo en la canción Flick Of The Wrist, la canción abre con un muy complejo arreglo de arpegios in crescendo, tan complejo es que alcanza niveles auténticamente de pandemónium, el ex manager Sheffield se negó siempre a comprarle a Mercury un piano de media cola (Gran Piano) blanco al considerarlo una auténtica excentricidad, sin embargo en esta canción Mercury elabora el riff de la melodía precisamente con un piano de esas características, a partir de ese intro se crea una atmósfera siniestra sobre la cual la percusión de Roger Taylor elabora un complejo compás que John Deacon sigue con asombrosa precisión, Brian May con esa enorme capacidad de crear riffs intencionadamente incrementó la distorsión y con su mítica guitarra Red Special contribuye con un sin número de riffs, es una enorme canción para abrir el disco. 

- Lazing on a Sunday Afternoon, es una muy breve balada de estilo bodevile muy en estilo de los años 20’s, con Freddy Mercury, la cual canta con un estilo bastante extraño pues para grabarla lo hicieron en el estudio adaptando su voz con un sonido que sale de un tarro de cerveza, la progresión de piano se realizó con un piano de media cola, es la canción más corta de todo el catálogo Queenesco.

- Roger Taylor es un gran baterista, pero otro de sus talentos ha sido siempre la voz, tiene dos octavas más de rango que Freddy Mercury lo cual ya lo ubica como soprano bajo, esta cualidad permitió siempre a Queen el elaborar armonías vocales que supieron explotar a lo largo de su honrosa historia, la canción I'm In Love With My Car es una muestra de ese enorme talento, la letra un tanto nihilista habla sobre la gran afición de Taylor por los autos y deja escuchar al final de la misma el sonido del Alfa Romeo de Taylor, es una canción que podríamos ubicar en la vertiente del rock clásico llegando en algunos pasajes al Hard Rock, es una canción de transición.

- En Queen todos los músicos eran virtuosos en sus instrumentos, virtuosos en sus profesiones y grandes letritas, John Deacon reconocido como un gran bajista de la década de los 70's y 80's también era un buen escritor de historias, You're My Best Friend es una canción que Deacon dedicó a su esposa Verónica y la cual inicia con un piano eléctrico mismo que Freddy Mercury se negó a tocar por el efecto tan extraño que le habían añadido, los coros son impresionantes, la armonización a tres voces de Bryan May, John Deacon y Roger Taylor se ubica como una de las mejores de toda la historia del Rock, tal versatilidad armónica en las voces permitieron que cada canción donde se empleaban coros mejoraran mucho en presencia y profundidad vocal, You're My Best Friend también contiene los ya clásicos riffs de Brian May quien era muy aficionado a los efectos estridentes los cuales conseguía con una moneda de 6 peniques, ese sonido tan metálico es su sello junto con su pedal Whammy.

- Brian May aporta su granito de arena en la composición con la genial pieza '39, una hermosa letra de amor llevada sin lugar a dudas a una posición privilegiada dentro del catálogo de Queen, se trata de una balada folk, de excelente manufactura, una letra que ronda el misterio en cuanto a su inspiración, hay quien afirma que Herman Hesse inspiró las estrofas, hay quien afirma que se trata de una canción que habla sobre las historias de los soldados de la Segunda Guerra Mundial, la canción '39 es la número 39 en la historia de Queen, Roger Taylor aporta sus ya conocidos falsetes en las voces y la sección de guitarras es impresionante, guitarras acústicas llevadas al paroxismo en la sección de los versos, es una de las joyas escondidas en el catálogo Queenesco.

- Sweet Lady es otra enorme canción del disco, en ella se aprecia desde las notas iniciales toda la técnica depurada y virtuosa del gran Brian May y el sonido característico de su guitarra Red Special y su peculiar forma de tocar las cuerdas con la mano derecha y una moneda de 6 peniques, ese particular timbre metálico aunado a su efecto whammy hizo que la guitarra de Brian May fuera el eje en una gran cantidad de temas, incluso de su carrera solista, la batería de Roger Taylor es ejecutada de forma impresionante, Taylor siempre recuerda esa grabación como la más dificil de toda su carrera, acompaña al bajo y a la batería a la misma velocidad en los solos finales, es otra joya escondida de Queen, impresionante canción.

- El blues de los años 20's se hace presente en la muy interesante pieza Seaside Rendezvous, una canción que también tiene mucho de estilo Foxtrot, en ella Freddy Mercury y Roger Taylor utilizan un kazoo que es una variante del Mirlitón, un instrumento musical que aporta a las voces un sonido muy peculiar y único, durante su estancia en Tenerife por razones de su carrera de Astrofísica, Brian May escuchó el sonido en el Carnaval de Santa Cruz y adquirió un Kazoo, mismo que fue empleado en esta canción.

- La primer canción de Power Metal de la historia del rock se acredita a la pieza The Prophet's Song, la cual es a la vez la canción más larga del catálogo de Queen, en total son 8 minutos de rock que ya raya en lo progresivo, sin embargo se ubica a medio camino entre lo que es un verdadero Power Metal y el progresivo, la letra es gracias a los recuerdos oníricos de Brian May, es una pieza obscura y potente, con muy elaborados riffs de May, las percusiones de Roger Taylor que se encontraba en su época de mayor talento son muy complejas y los cambios de ritmo también destacan por su dificultad, un enorme tema.

- Mary Austin es un nombre que ha sido olvidado por la Historia del Rock, pero que quedó plasmado para siempre en el recuerdo de los fans de Queen como la inspiración de la hermosa balada al piano llamada Love of my Life de Freddy Mercury, fue la pareja sentimental de Mercury por mucho tiempo, Brian May como gran músico que es ejecuta el arpa en la canción de una forma magistral con algunos arreglos de guitarra sobre la misma, con una enorme influencia de Chopin en sus arreglos de piano y con May ejecutando su clásica guitarra de doce cuerdas, el empleo del Rubato también es característico de los temas de Chopin, por lo que Love of My Life si bien es un tema de desamor este peculiar estilo de frenar la intensidad de la canción la hace una melodía bella y con una cadencia digna de destacarse, otro grandioso tema del disco.

- Brian May se destacó por sus dotes de multiinstrumentista y en Good Company ejecutó de forma magistral el banjo (instrumento que dominaba a la perfección), una canción de transición que da paso a la canción más conocida de Queen.
- Desde el punto de vista musical una rapsodia es una canción que se arma de diferentes partes que no tienen nada que ver entre sí, es un modo de musicalización que derivó del Romanticismo, muy usada por los artistas desde mitad del siglo XV, desde el punto de vista histórico, Bohemian Rapsody es una canción que pertenece a la crema y nata del Rock, no hay una canción siquiera que se le acerque en cuanto a su complejidad, tanto en armonía como en la letra, es simplemente el punto artístico más alto al que llegó Queen, los intentos por elaborar esta canción datan desde el primer disco de Queen, donde Freddy Mercury comenzó a experimentar con las armonías vocales de los cuatro integrantes del grupo, se grabó en 3 semanas, en 4 estudios diferentes, desde Gales a Londres, fueron alrededor de 150 horas de grabación y es el sencillo mas costoso que se haya producido por un grupo de Rock, la pieza consta de 6 partes que se entrelazan de una forma impresionante, con la particularidad que no tiene una secuencia de versos como en cualquier otra canción, la introducción destaca por la armonización de voces superpuestas de Mercury y el sonido del piano de media cola, aquel piano blanco del que emanaban verdaderas evocaciones de los clásicos, se parece mucho a las obras de Rachmaninov, semeja mucho en partes a Rapsodia para un tema de Paganini o a otras obras de estilo mucho más romántico como las de Johannes Brahms como la Segunda Rapsodia, toda la parte inicial está armonizada en Si Bemol, la entrada del bajo de John Deacon marca el fin de la introducción y una pequeña sección que contiene un solo de Brian May, en este punto la letra se transforma en un tema fatalista, a veces inclusive cae en los excesos, sin embargo queda enmarcado por el piano en repetición de Mercury hasta que Roger Taylor entra con la percusión, en este momento el tiempo de la canción y los acordes se vuelven diferentes, de repente todo vuelve a la tranquilidad, ese vaivén le da a Bohemian Rapsody su toque de canción épica, rimbombante, fantástica, la Red Special ruge para dar parte a la tercera sección donde los coros entrelazados de las tres voces restantes se funden a un nuevo solo de Brian May, ese solo es muy famoso pues fue grabado en una sola toma y hace contraparte de forma exacta con el resto de la melodía, es un solo famoso también porque emplea únicamente overdrive sin añadir más efectos, un sonido distorsionado pero a la vez muy puro, da paso a la parte más elocuente de la canción, la parte operística en la que se emplearon numerosos trucos de grabación, más de 180 cintas superpuestas dan esa sensación de profundidad en los coros, se creó una auténtica pared de sonido entre los graves y los agudos, donde las notas altísimas que alcanza Roger Taylor sirven para darle cuerpo a esta sección, los nombres de Scamamouche, Fandango, Galileo, Fígaro, Bismilah y demás personajes establecen una serie de diálogo con el eje central de la letra que no es más que una persona huyendo de sus propios demonios, esta parte es impresionante por la forma en la que se acopló todo ese sonido y se amalgamó de forma altamente digerible, es un auténtico juicio con una parte acusadora y otra que defiende, esta sección tardó 20 días en ser grabada, más de 145 repeticiones fueron necesarias y el trabajo de producción fue enorme, es la parte auditiva más compleja del disco, un auténtico logro de los ingenieros de sonido de los estudios Rockfield de Londres, al final se da paso a la sección con más Rock de la canción, el solo de Brian May es acompañado por la percusión de Roger Taylor y el bajo incesante y vibrante de John Deacon, es una verdadera avalancha de ritmo y virtuosidad, los remates en los metales de la batería de Taylor anticipan un coro más para dar paso al final de la canción, no existe ninguna canción en la historia del Rock como esa y eso es importante porque una obra de arte no es posible compararla con ninguna otra, es una canción para la historia.
- God Save the Queen es la versión que Brian May le hizo al himno de la Gran Bretaña y fue interpretado en el techo del Palacio de Buckingham en el 2002, además que era la canción con la que cerraban sus conciertos.