RadioJoshua - Disco de la Semana - Re de Café Tacvba

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... Un disco barroco en su construcción, universal en su expresión, variado en su instrumentación, un cocktail de ritmos y uno de los discos más importantes del Rock Mexicano, un clásico del que derivaron en influencia muchos de los grupos de crossover actuales, no es The White Album en español, se parece más a Graceland

Re - Café Tacvba

El día 4 de agosto del año 1997 apareció una columna muy polémica en el diario norteamericano The New York Times, el crítico musical John Pareles escribió una crítica del segundo álbum de la banda mexicana Café Tacvba donde se refería al disco como 'El White Album' del Rock en Español, semejante afirmación no hizo más que revolotear las aguas del Rockcito hecho en México, tal adjetivo que se le impuso, también haría muy pesada la responsabilidad de cuatro músicos formados en el underground de la periferia del Distrito Federal, un tanto ajenos a los grupos que surgieron de las entrañas de la misma, estos jóvenes, todos ellos estudiantes de licenciatura, vecinos de una parte de la mancha urbana de características tan distintas a la propia ciudad como lo es Ciudad Satélite se encontraron en un estado hasta ese entonces ajeno, el de captar todos los reflectores de su trabajo con este disco, no ha existido un disco tan variado, tan lleno de texturas musicales, innovador en su creatividad artística, pero sobre todo tan universal, en el caben todos los ritmos, desde el guapango hasta el norteño, la banda y el hard rock conviven codo a codo, desde las baladas para impresionar chavitos impresionables de secundaria hasta composiciones llenas de imaginación y virtuosismo, no es el Álbum Blanco del Rock en Español, dista mucho de serlo, lo que es seguro es que es un trabajo muy importante de la música hecha en nuestro país, de él han derivado una enorme cantidad de grupos que intentaron imitar el hacer comulgar la música popular mexicana con el Rock (muchos nos seguimos preguntando si en verdad eso es hacer Rock), además de significar por mucho el mejor trabajo del grupo hasta la fecha, una veintena de temas de buena manufactura del que se desprenden muchos de sus clásicos.
' ... En la revista se desviven en elogios para este material e incluso se animan a llamarlos los equivalentes mexicanos de The Beatles o de Radiohead. La publicación precisó que si bien los discos posteriores de la banda son tan buenos como Re, este álbum demostró que era "válido adoptar las influencias foráneas del rock & roll y del punk" con auténticos sonidos latinos ...'
Revista Rolling Stone México (acerca de Re)

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1994

Discográfica - Warner Music

Productor - Gustavo Santaolalla

Recomendable si les gusta Grandes Éxitos de Los Xochimilcas, Villa Jardín de Villa Jardín, Oso de Joselo, Energía Natural de Soluna (Gustavo Santaolalla), Bienvenido al Sueño de Rubén Albarrán, HopPol de HopPol (Los Zopirockets), Urraca de Alejandro Flores, Chúntaros Radio Poder de El Gran Silencio, Los Plebeyos de Los Plebeyos y La Verbena Popular de La Verbena Popular

     Después de un primer disco alegre y con una propuesta variada, Café Tacvba entró al estudio de grabación a finales de 1993 de la mano del gran productor Gustavo Santaolalla con la encomienda de hacer un disco único en su tipo en el Rock Nacional, lejos, muy lejos estaban esos días de Universidad cuando en los rumbos de la anacrónica Ciudad Satélite formaron un grupo que hacía covers de The Cure y de Def Leppard al que titularon 'Alicia Ya No Vive Aquí', lejos también estaban esas épocas donde fueron fuertemente criticados por no utilizar batería como fuente de ritmo de su agrupación, también algo lejanos esos intentos por encasillarlos en un género del que no eran los primeros, aquellas mezclas conocidísimas de ritmos folclóricos se las debían a un grupo jocoso de los 70's llamado Los Xochimilcas quienes empleaban la música para hacer verdaderas obras teatrales en su contenido además de divertidísimas letras (sin olvidar claro a ese gran grupo de Guadalajara llamado El Personal), de alguna forma no habían descubierto el hilo negro, más bien habían encontrado la forma de seguir ese hilo hilvanado por décadas y tal vez siglos de música popular en nuestro país, a la par de la salida de su primer disco, el homónimo Café Tacvuba ya se hablaba de ellos como una agrupación que prometía, pero fue hasta Re que Cosme (como se llamaba en ese entonces Rubén Albarrán), Meme, Quique y Joselo se fueron hasta los cuernos de la Luna por su gran obra, misma que hasta la fecha no ha sido superada en ninguno de sus trabajos posteriores, de algo puede jactarse siempre Gustavo Santaolalla, es sin duda el más grande productor de música en Español que ha tenido el Rock Iberoamericano, desde aquellos días que formó la primigenia banda argentina Arco Iris siempre había tenido la reputación de ser un visionario y explotar todas las cualidades musicales de las bandas con la que había trabajado, Re es una recopilación enorme de ritmos que van desde el más franco punk hasta las baladas norteñas, ritmos tropicales, huapangos, polkas, doo woop, jazz y blues le dan forma a este enorme trabajo que no solo retrata la enorme variedad musical de nuestro país, sino es un reflejo de la cultura nacional de la cual, Cosme y compañía le dieron forma al que es considerado por muchos uno de los 3 álbumes más influyentes del Rock Nacional.

Título del Disco

Re es la segunda nota musical.

Portada del Disco

La carátula del disco contiene una imagen de un caracol, por el contenido que en cierta forma es cíclico, veinte temas aparentemente sin ninguna relación y que sin embargo se entretejen una con otra, el fondo rojo entramado elegante  y prehispánico con las letras en amarillo.

Tracklist

1.   El Aparato (Recomendación 4 Estrellas)

2.   La Ingrata (Recomendación 4 Estrellas)

3.   El Ciclón (Recomendación 4 Estrellas)

4.   El Borrego 

5.   Esa Noche (Recomendación 4 Estrellas)

6.   24 Horas 

7.   Ixtepec (Recomendación 4 Estrellas)

8.   Trópico de Cáncer (Recomendación 4 Estrellas)

9.   El Metro

10. El Fin de la Infancia (Recomendación 4 Estrellas)

11. Madrigal (Recomendación 4 Estrellas)

12. Pez (Recomendación 4 Estrellas)

13. Verde (Recomendación 4 Estrellas)

14. La Negrita

15. El Tlatoani del Barrio

16. Las Flores (Recomendación 4 Estrellas)

17. La Pinta (Recomendación 4 Estrellas)

18. El Baile y el Salón (Recomendación 4 Estrellas)

19. El Puñal y el Corazón (Recomendación 4 Estrellas)

20. El Balcón

Momentos Cumbre

- Ese inicio de El Aparato con sus jaranas y sus maracas al estilo de los sones jarochos, de la autoría de Rubén Albarrán esta canción mezcla de forma inverosímil ese ritmo veracruzano con coros estilo africano que recuerdan a las grabaciones actuales de Amadou y Mariam, Quique Rangel y su aporte con el contrabajo que describe una línea de acompañamiento muy sutil pero que se percibe mejor al elevar los graves y las guitarras acústicas de Joselo Rangel, se añaden también algunas aportaciones de Meme con sus clásicos pianos con tonos infantiles.

- La Ingrata, una parodia de la música norteña con todo y el acordeón, los acordes en el clásico ritmo norteño se alternan con una tarola programada en los sintetizadores de Meme quien es el autor de la canción, Meme también añade ese clásico riff con su flauta de pan que simula de forma excelente las cuerdas que acompañan usualmente a una banda de redoba, Quique Rangel y su contrabajo dando el ritmo clásico de 2/4 alternado con el contrabajo que a veces hace figuras complejas y muy elaboradas, el interludio con Meme en la voz y la trompeta con sordina añaden el toque de teatralidad y de intensidad, es de destacar que fue el primer sencillo del disco y fue definitivamente la canción que catapultó a Cafe Tacvuba al plano del que no se les ha bajado hasta el día de hoy, una polka norteña gritona y festiva, que se ha tranformado al paso de los años en una canción clásica de slam, una de las grandes canciones del grupo sin lugar a dudas.

- Nopiltze que en náhuatl significa 'hijo mío' es parte de la letra de El Ciclón, canción construida a partir de la base de ritmo y sintetizadores de su coautor Meme del Real, de estilo funk en cierto modo con notable influencia en George Clinton y Billy Preston, tiene un riff muy conocido hecho con un clavinet, instrumento muy utilizado por Café Tacvuba en varias canciones de su discografía, los coros en contrapunto al final de la canción son a destacar y la guitarra con overdrive de Joselo Rangel para darle un intro a la canción que sigue.
- El Borrego y su ritmo punk, Rebel d'Punk, Johnny Rotten, the Kingsmen y el ala más radical del industrial como Ministry y White House convergen en esta canción, igual la base rítmica a 176 bpm de Meme quien de nuevo es el autor de la canción, Joselo aporta un mini solo de mediana calidad, la letra dista mucho de ser punk, cayendo definitivamente en la oligofrenia.
- Un pequeño homaneja a Chabela Vargas se hace presente en Esa Noche, una delicia crooner con todo y trajes, el riff uno de los más reconocidos sin lugar a dudas con esa guitarra rítmica típica de los tríos con sus contrapuntos con maracas y los acordes bien definidos y arpegiados con elegancia, la letra es cantada con las voces entremezcladas de Rubén Albarrán y Meme del Real, el violín que aparece es ejecutado magistralmente por el mismo Meme en su sintetizador, al final coro y versos son armónicamente cantados por todos, una hermosa pieza de bolero, esa frase final 'mi soledad siempre ha pertenecido a ti' 
- 24 horas y su mezcla electropop con matices de huapango en los interludios, coros armonizados al estilo pop ochentero y que más tarde volverían a copiar en Vale Callampa, el disco que hicieron homenaje a Los Tres en su canción 'Olor a Gas', de repente el cambio de ritmo a doo woop y alcanzando tintes de ska, una pieza ecléctica y llena de ritmos, la letra habla de la agitación de la vida moderna.
- Ixtepec y sus guitarras acústicas casi en flamenco de Joselo Rangel hacen eco con la caja de ritmo detrás de las mismas, una vez más esa habilidad en la programación de percusiones y ritmos de Meme del Real se hace presente (son únicas en el Rock Mexicano) y una vez más también su sello se hace presente con su melódica, Ixtepec es un pueblo de Oaxaca y la letra retrata un cuento popular de la región de un español enamorado de una oriunda del lugar.
- Trópico de Cáncer y su ritmo con guitarra arpegiada y percusiones con cajón flamenco, una canción que lentamente progresa hasta contarnos la historia del 'Ingeniero Salvador un puente entre el salvajismo y el modernismo', los sobrevivientes de San Juan Ixhuatepec se hacen presentes en los coros, un tinte de tragedia envuelve a esta canción.
- El Metro y su ritmo de doo woop, con lírica que retrata el devenir diario de más de 20 millones de usuarios al día, a destacar esos contrapuntos en el piano de Meme del Real al estilo de Art Tatum y Earl Hines.
- El Fin de la Infancia y su fusión entre la banda sinaloense y el ska, al parecer y extrañamente está emparentada con la obra del mismo nombre de Arthur C Clark donde los niños son convertidos en una super especie, raro pero así es.
- Alejandro von Humblot fue el primero en denominar a la Ciudad de México como 'La Ciudad de los Palacios', frase con a que inicia Madrugal, una canción con ese ritmo que dio Cuba al mundo llamado Bolero, con su clásico compás de 3/4, su guitarra en requinto y su acompañamiento con claves y maracas, una pieza digna de Agustín Lara o de Bonet de San Pedro.
- Verde y Pez son dos canciones emparentadas, una historia contínua que fue dividida en dos partes, ambas con excelente confección rítmica e instrumental, Pez es más una balada rock pop con tintes de electropop, Verde es su contraparte más introspectiva, llevada al límite de lo etéreo, sin duda la mejor canción del disco en menos de 2 minutos de duración, aquí se marca la tendencia hacia su posterior obra que fue Revés/YoSoy y está muy emparentada también con lo que sería más tarde su canción 'El Espacio'
- La Negrita y su ritmo indefinido como un son y hasta con tintes de huapango, destaca el ritmo del contrabajo de Quique Rangel.
- El Tlatoani del Barrio es una canción que retrata la relación de pareja que llevaban los padres de Rubén Albarrán, a su papá le apodaban de esa forma, era un ex habitante de la colonia Guerrero y la Lagunilla, una de esas canciones típicas de los inicios de Cafe Tacvuba, ese estilo les costó un poco de trabajo ir dejando de lado para sus obras posteriores, es una canción de transición.
- Las Flores, obra llena de alegría y ritmo, un son jarocho mezclado con huapango mezcladas ciento por ciento por Meme del Real quien definitivamente es el autor de los grandes hits de Cafe Tacvuba, ese inicio con jaranas es clásico con las arpas con todo y sus síncopas y contratiempos, nuevamente la melódica de Meme se hace presente para armonizar lo que Quique Rangel sigue con su contrabajo, Joselo soportando la armonía con sus aportes en la guitarra rítmica esos ya clásicos contrapuntos de piano, es una canción completa, compleja y llena de virtuosismo, que aparte de todo se convirtió en todo un himno de chavitos de secundaria impresionables.
- La Pinta, de las pocas canciones de Rock del disco, su ritmo programado en sintetizadores y sus guitarras en riffs poderosos emulando a las buenas épocas de The Melvins y de los Stooges.
- El Baile y el Salón, una canción que muy extrañamente se hizo la más popular del disco y que sin embargo aún genera dudas sobre todo por su letra que aparentemente menciona una relación homosexual, el coro inicial con el que usualmente se pide la canción en sus conciertos va acompañado de una progresión de bombo que fue programado a un ritmo más o menos tipo balada rock, la guitarra de Joselo Rangel es como una idea obsesiva que se repite una y otra vez al intro de la canción, el interludio remata con una frase en francés que dice mas o menos voulez-vous coucher avec moi? (¿quieres ir a la cama conmigo?) un muy buen solo de guitarra acústica se encuentra en la canción obra del mismo Joselo Rangel, al final termina la guitarra con efecto wah lo que le da ese toque disco a la canción.
- El Puñal y el Corazón y su ritmo acelerado al final con todo y su orquestación, semejante a un mambo pero con tintes de música regional cubana, a destacar que el mambo no es más que un danzón acelerado, la letra muy atinada para esas noches de copas pero sobre todo ese final al estilo de las grandes bandas tropicales de los 70's como lo fueron las bandas de Benny Moré y de Pérez Prado.
- El Balcón y esa enorme forma de convertir una balada en un tema obscuro e introspectivo, hermosa composición de piano y batería al estilo de las grandes bandas de Jazz, es la canción más romántica del disco y es un tema tan poco conocido a la vez.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Fome de Los Tres

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... La mejor obra de Rock Chileno de todos los tiempos, un disco trascendental en el Rock Iberoamericano, un trabajo con personalidad y magia que al paso del tiempo ha recobrado importancia por su gran calidad lírica y musical

Fome - Los Tres

La ciudad industrial, cultural y universitaria de Concepción en Chile es un crisol de todas las regiones de aquel país, el Chile de finales de los 80's era un sitio que hervía en talento y deseo de expresión cultural, en esa región vió gestarse un movimiento artístico sin precedentes, después de que esa localidad fue azotada por décadas de la dictadura Militar y la dejó privada de toda expresión cultural. En sitios como el Palacio de Hirmas, La Casa Esqueje y el Arco de la Universidad fueron los sitios donde comenzó todo lo que hoy conocemos como Rock Chileno, esta zona del país sudamericano vio nacer a los pioneros de ese género como lo fueron  Emociones Clandestinas y Santos Dumont, fue testigo del épico concierto de Los Prisioneros en 1991 y donde años después hacían sus pininos Los Bunkers, esa ciudad también vio nacer, en el año de 1987 a una banda integrada por 4 enormes músicos, un año atrás, un joven músico llamado Roberto Lindl se encontraba en Austria estudiando jazz y música clásica, a su regreso se encontró con otro prodigio, un tal Álvaro Henríquez que regresaba de estudiar arte en París y que había unido fuerzas con Francisco 'Pancho' Molina, como propuesta tenían una extraña mezcla de jazz y rockabilly y no tardaron en hacerse notar más allá de su ciudad, a la par de sus trabajos de planta como contrabajistias y chelistas de la Orquesta Juvenil de Concepción, su debut un tanto atípico se dió paralelamente a la ambientación de una obra de teatro inspirada en Andy Warhol, su gran talento y toda la publicidad que se generó en esos tiempos llamaron la atención de otro músico de familia de abolengo, un tal Ángel Parra (pariente de la más grande folklorista que ha dado sudamérica, la entrañable Violeta Parra), notable guitarrista que en 1988 se encontraba regresando de terminar estudios en California, con semejantes credenciales musicales la banda no hizo otra cosa más que convertirse desde su creación en la referencia del Rock Chileno hasta la fecha, lo que comenzó como un hobbie de hacer covers de Chuck Berry, Gene Vincent y Elvis Presley culminaron con su punto más alto de creatividad en 1997, su mejor disco canción por canción por el enorme talento que  desborda, por la elegancia y pulcritud de su grabación, por lo complejo de sus letras y por la trascendencia en toda una generación de músicos más allá de sus fronteras, todo ello es sin duda Fome.
' ... Más que noventas o los mejores equipos, (todo ese toyo que a esta edad no corresponde) es un disco lleno de música, tanta que yo aún sigo descubriendo algunas cosas y eso me parece de miedo ...'
Álvaro Henríquez (sobre Fome a 10 años de su grabación, confesión hecha en 2007)

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1997

Discográfica - Sony Music Columbia

Productor - Joey Blaney, Los Tres

Recomendable si les gusta Pettinellis de Pettinellis, La Hora Feliz de Ángel Parra Trío, Vale Callampa de Café Tacuba, Las Cuecas del Tio Roberto de Roberto Parra Sandoval, Esencial de Inti-Illimani Histórico, Ciudad de Pobre Corazones de Fito Páez y Abajo de la Costanera de Emociones Clandestinas

     En Marzo de 1997, en los estudios de Bearsville en Woodstock, Nueva York Los Tres grabaron el cuarto disco de su histórica carrera musical, sería el penúltimo disco que grabarían con la alineación original de Molina, Henríquez, Lindl y Parra, paradójicamente, meses atrás se habían encerrado en el enigmático convento de San Alfonso al sur de la Región del Biobío a ensayar las canciones que durante años Álvaro Henríquez había concebido para retratar su lado más obscuro y a la vez más prolífico, del enorme talento que desbordaron durante los 3 meses que duró esa especie de retiro musical nació Fome, obra cumbre y elocuente de la mente de cuatro genios, virtuosos en sus habilidades y grandiosos en sus aspiraciones, en Chile no había nada parecido a lo que ellos hacían y paralelamente en todo el continente, estaban más emparentados con la escena de Jazz francesa de los 80's, con todo el Western de Hank Williams y The Family Carter, con la música tradicional chilena de las Cuecas y con el Folk Andino de Violeta Parra y Victor Jara, ningún trabajo ha sido más complejo en cuanto a estructura, letras, percepción musical y sobre todo a la enorme calidad interpretativa, de aquel debut en el Gimnasio de Lord Cochrane solo quedaban algunos esbozos, a partir de esa fecha Los Tres entraron a la élite musical en español, esta obra ha inspirado a tantas bandas actuales que es dificil imaginar el Rock en Español sin sentir la gran influencia de Los Tres, este disco es como un gran cuento que se va narrando canción a canción, una relación que no fue trabajada conscientemente y sin embargo esa forma de hilvanar emociones es digna de destacarse, tras el frío invierno chileno, en un sitio rodeado por montañas y glaciares, en esos rincones boscosos, Fome tomo forma como el pináculo del talento de uno de los últimos grupos clásicos del Rock en Español, una foto panorámica de una región que sigue extrayendo gran música de su contracultura y de su nostalgia.

Título del Disco

Fome es un modismo chileno para describir algo 'aburrido' o 'sin sentido'

Portada del Disco

La carátula del disco contiene una fotografía que corresponde a un anuncio publicitario de la enciclopedia Monitor, de Editorial Salvat, de la década de 1960.

Tracklist

1.   Claus (Recomendación 4 Estrellas)

2.   Bolsa de Mareo (Recomendación 4 Estrellas)

3.   Toco Fondo (Recomendación 4 Estrellas)

4.   Olor a Gas (Recomendación 4 Estrellas)

5.   De Hacerse se va a Hacer 

6.   Antes (Recomendación 4 Estrellas)

7.   Fealdad

8.   Jarabe Para la Tos (Recomendación 4 Estrellas)

9.   Libreta

10. Me Arrendé (Recomendación 4 Estrellas)

11. Silencio (Recomendación 4 Estrellas)

12. La Torre de Babel (Recomendación 4 Estrellas)

13. Pancho (Recomendación 4 Estrellas)

14. Restorán (Recomendación 4 Estrellas)
15. Largo (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- Claus y su estilo de Western Country y Rockabilly, la guitarra con una gran dosis de trémolo del maestro Angel Parra se une al contrabajo constante y dinámico de Roberto 'Tetae' Lindl con ese toque jazzístico que solo un contrabajo contrachapado de madera Corelli puede darle a una canción, una canción que tiene un ritmo de balada clásico en 4/4 del gran Francisco 'Pancho' Molina manteniendo el compás con la frialdad y exactitud de un reloj suizo, los efectos de sonido son obra Lindl con su órgano Hammond dándole aun más teatralidad a la interpretación, Álvaro Henríquez aporta toda la armonía con su guitarra rítmica, los fantasmas de Hank Williams, Willie Nelson, Waylon Jennings y Johnny Burnette mezclados para abrir el disco.

- Bolsa de Mareo, una canción densa, llena de lamentos de cuerdas y coros apasionados, los versos son una catarsis, una batería en ritmo acelerado para los versos y con redobles para los coros, la guitarra slide de Ángel Parra llena los pocos espacios que quedan con esa tesitura que solo se logra dominando el efecto de hacer vibrar las cuerdas con el metal, mientras Henríquez hace sonar con estrudencia en riffs llenos de rabia, una canción que se editó como primer sencillo del disco con un final emocionante.

- La calma llega con el flemático y nostálgico tema Toco Fondo, hermosa letra, evocadora y hasta por momentos romántica, sus cambios de ritmo y su armonía, esos contrapuntos de la guitarra de Ángel Parra son un suspiro y una pausa para el lucimiento de Henríquez con sus rasgueos, la figura de bajo que interpreta Lindl son la amalgama para un Molina inspirado detrás de los tambores, como hacen para hacer tan naturales los cambios de ritmo, como lograr esa cohesión entre líneas y hacerlo ver tan sencillo, aquí s nota la maestría de un grupo que se conoce a la perfección, un tema que es además elegante en su desarrollo.

- Olor a Gas destila nostalgia con cada acorde y nota, la memoria de una época de dictadura militar se siente, se oye, es una historia narrada en voz de cualquier persona que haya vivido en Chile entre 1973 y 1990, el recuerdo de los desfiles militares, de la ropa de campaña, de todas aquellas malas prácticas de un gobierno que privó de tanto a un pueblo que exigía calladamente y con temor justicia y democracia, todo lo que narra Álvaro Henríquez llena de imágenes a quienes la escuchan, el sostiene los acordes para que la guitarra slide de Parra inunde los silencios que dejan cada nota y que tienen esa magia de hacerla más evocadora, el solo es de los más bellos que se pueden encontrar en la discografía de Los Tres (tal vez solo detrás de Cerrar y Abrir), la batería y el bajo comulgan en una plegaria a la injusticia, grandes son los grupos que retratan con tanta belleza la tragedia, recuerdo Spanish Bombs de The Clash y su retrato musical de Guernica, también recuerdo People Of The Sun de Rage Against The Machine, recuerdo muchas canciones que narran las tragedias humanas y puedo pensar que esas lecciones de vida solo pueden narrarse de esa forma.

- Otra canción de la dictadura, inspirada en ese obscuro pasaje del General Álvaro Corbalán conocido torturador del gobierno de facto durante su traslado a prisión, una sombría canción llena de amargura, dolor y muerte, De Hacerse se va a Hacer muestra a Los Tres en su dominio del estilo Rockabilly, se nota la gran influencia de Roy Orbison y de Carl Perkins, las guitarras con trémolo, un sello también de los grupos Country de los 50's o de Johnny Cash, Hank Williams y Jimmie Rodgers.

- Antes es una enciclopedia de ritmos y una clase de interpretación en las percusiones, el maestro Francisco Molina se luce en su ejecución desde los ritmos pausados de 4/4, redobles, contrapuntos, sincopados, remates, hay de todo incluyendo mini solos en los versos, las guitarras haciendo armonías sólidas y sin recovecos, la letra muy obscura, densa como casi todas.

- Fealdad y su armonía construida con un acordeón interpretado magistralmente por Roberto Lindl es un tema poco valorado, pero vale la pena los apenas 3 minutos que dura, no solo por su letra sino por su calidad, el espíritu de esas grandes composiciones del Huaino Peruano, de la polca Paraguaya, del Mussete Francés y de la Cueca Chilena reviven en esta canción, tan emparentados en ritmos y tan separados por kilómetros, es impresionante la historia de como un instrumento ha hermanado musicalmente tantas culturas como lo es el acordeón, en Lindl reviven intérpretes tan cercanos como Astor Piazzola y Anibal Triolo y tan lejanos como Esteban Sagaste y Valerio Longora.

- Jarabe para la Tos, gran tema, un riff famoso y musicalmente una maravilla, una armonía compleja y a la vez minimalista, construida a partir de una maqueta de free jazz llega en momentos a ser un Rockabilly ampliamente disfrutable, el bajeo de fondo de Ángel Parra valen la pena cada segundo de la canción, una letra infantil hasta cierto punto y esos contrapuntos con la guitarra de piso de Henriquez le dan ese toque casi místico.

- Libreta, un tema de rock clásico, el bajo de fondo al estilo Zeta Bosio o John Entwistle y los golpes de batería muy en cercanía con Keith Moon, John Lennon presente como influencia en esta canción, que se parece mucho a I Don't Wanna Be a Soldier.

- No hay canción más introspectiva en toda la discografía de Los Tres como Me Arrendé, tema del maestro Álvaro Henríquez quien exorciza a todos sus demonios en su confesión personal, el solo, con su guitarra, con su dolor y sus memorias nos presta un trozo de su alma para contar la historia que podría ser la de cualquiera de nosotros.

- Silencio es una fiesta, el ritmo festivo y las guitarras son la contraparte de la anterior, un tema que cantan todos, un coro pegajoso lleno de emotividad, la letra suave se va narrando como una historia alegre, el ritmo de la batería en 3/4, el bajo como un polka, los riffs de guitarra obra de Ángel Parra que nos demuestra que por sus venas corre el talento de más de 3 generaciones de grandes músicos.

- Talento y genio es lo que tiene La Torre de Babel un verdadero clásico de Los Tres, la letra es una fábula extraordinaria digna de cualquier cuento obscuro de HP Lovecraft y a la vez muy Dickeniano, la música acompaña al tema de forma magistral, le da pausas, contenido e historia, un híbrido de Rockabilly y Country, vaya forma de dominar ambos estilos, la batería solo con bombo y tarolas (como lo hacen ahora grupos como Perroskys, o Pietro Viaja al Cosmos con Mariano, entre otros), Álvaro Henriquez nos vuelve a demostrar su genialidad en un tema que culmina con una frase alusiva a la dictadura, los interludios son de destacarse por su elegancia, Ángel Parra en su papel de cronista, la mejor canción del disco sin lugar a dudas.

- Pancho, una canción emotiva pero a la vez muy triste, la historia de un amor imposible con esos tintes Folk al estilo Bob Dylan y Donovan con otra magistral interpretación del acordeón de Roberto Lindl, una frase hermosa 'tiende a compartir las cosas más claras, viaja y busca en vano el camino del sol'

- Restorán y su rock ácido, crudo con una letra muy irónica, sin embargo cumple al ser un tema atípico.

- Largo, un tema instrumental a manera de outro, muy buen tema jazzístico improvisado y con una elegancia descomunal

Radio Joshua - Disco de la Semana - El Silencio de Caifanes

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... La obra cumbre de una de las bandas más emblemáticas de la escena Rock mexicana de los 90's, la crónica musical de una muerte anunciada, folclor, rock, raíces, sentimiento y nostalgia, lo barroco y lo ecléctico se conjugaron para hacer de este disco un trabajo para la posteridad. 

Caifanes - El Silencio

Año de 1984, un estudiante de cine llamado Alejandro Marcovich necesita recaudar fondos para realizar su tesis, por lo que al cineasta en ciernes se le ocurre hacer una fiesta y reclutar a algunos amigos músicos para cobrar la entrada y costearse su titulación, su hermano Carlos un director de cine y productor teatral ya consolidado contrata a la crema y nata del Rock subterráneo de la escena ochentera, a un introspectivo músico de un grupo llamado Frac, un tal Saúl Hernández, quien ese entonces era bajista, a un baterista de nombre Alfonso André muy conocido por ser músico de sesión de grupos como Bon y Los Enemigos del Silencio del infalible Leoncio Lara, el grupo con esa alineación primigenia quedó conformado y le dio vida a esa reunión la cual se convirtió en un suceso memorable en la incipiente y casi extinta escena rock del México  de los 80's, nombraron al grupo Las Insólitas Imágenes de Aurora,  en una época donde el Pop burdo y mal hecho dominaba los pocos espacios de difusión, tuvieron que abrirse paso a través de ese camino donde se hicieron músicos de sesión de aquellos grupos de Pop que odiaron, más tarde se le unirían dos de las mentes más talentosas y creativas de la música mexicana contemporánea, Diego Herrera conocido por ser un músico versátil y gran percusionista y el entrañable Sabo Romo de extracción jazzística con un virtuosismo impresionante, la banda ya formada se presenta de forma inicial en Hoyos Funky y en foros clásicos como el Multiforo Alicia y la Última Carcajada de la Cumbancha, en un país donde nunca se apoyó la realización de música de grupos nacionales se abrieron paso a piedra y lodo hasta consagrarse, el punto más alto de creatividad musical de la banda sobrevino en la creación de una obra maestra donde se fusionaron ritmos, se exploraron horizontes musicales antes inaccesibles para el Rock y se encontró una línea sobre la que avanzaron hacia la posteridad, el más grande disco de Rock Mexicano de todos los tiempos, esa noche de 1984, tras el ruido de los amplificadores viejos, sobre las cajas de cartón que tuvieron de escenario,  en aquel barrio de Coyoacán se gestó la más grande historia del Rock Nacional.

 '...Ahí el grupo vivía otras circunstancias. Inclusive, personalmente. Era un momento extraño. Estábamos algo aislados, ya empezaba a haber como una especie de separación entre nosotros. No nos dábamos cuenta, pero estaba latente. Entonces, para mí, la única forma de plantear el disco era el Silencio ...'

Saúl Hernández (sobre El Silencio y el momento que vivía Caifanes en 1992)

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1992

Discográfica - RCA Records

Productor - Adrian Belew

Recomendable si les gusta Las Insólitas Imágenes de Aurora de Las Insólitas Imágenes de Aurora, El Equilibrio de los Jaguares de Jaguares, El Fuego de la Noche de La Barranca, Lejos del Paraíso II de Sangre Azteca, Música y Contracultura de MUC, Marielito de Ritmo Peligroso, Divisiones de Neon, Ella es Una Santa del Dr Fanatik, Taxi y Manhattan de Guillermo Briseño y Sabo Romo

     Siendo ya una banda consolidada con sus dos álbumes previos, Caifanes se dio a la tarea de crear una obra que trascendiera el tiempo, para lo cual requirieron la guía de Adrian Belew, consagrado productor y guitarrista líder de un grupo llamado King Crimson, pilar del Rock Progresivo, si en sus trabajos anteriores se notaba ya una cohesión entre líneas, en esta obra habrían de explorar con ritmos y fusiones propias de una antología de la música tradicional mexicana, la formación musical era distinta en los miembros de la banda, Saúl Hernández provenía de una veta de inspiración del tradicional barrio de la Colonia Guerrero, su formación musical había sido prácticamente lírica, sin embargo tenía ese aire de poeta urbano, había escrito ya algunos cuentos y sus letras reflejaban ese instinto metafórico que lo caracterizaba, ya había tenido varios proyectos en común con algunos integrantes (léase las Insólitas Imágenes de Aurora y en uno de los grandes supergrupos de la escena del rock de los 90's con el Dr Fanatik y el 'Pollo' Lorenzo Lagrava en ese experimento divertido llamado La Suciedad de las Sirvientas Puercas), desde el primer disco había asumido el rol de líder de la banda, su personalidad y estilo le daban ese aire de misticismo e introspección, Alfonso André, mucho más emparentado con la escena jazz de los 80's debido a su amistad con Eugenio Toussaint, un baterista que dominaba diversos estilos, Alejandro Marcovich, enorme guitarrista argentino avecindado en México junto con su hermano el director de cine Carlos Marcovich, quien tenía un estilo mucho más rock inspirado en la escena Inglesa de los 70's, con dirección hacia el progresivo y con una conocida tendencia hacia los arreglos y la producción musical, en el grupo se encontraba en su mejor época de creatividad uno de los mejores músicos que ha dado nuestro rock, el gran Diego Herrera, tecladista, saxofonista y percusionista, plasmó su sello en esta obra por sus aportaciones provenientes de su dominio de la música folclórica nacional y por último sin lugar a dudas el mejor bajista que ha tenido latinoamérica, el legendario Sabo Romo de muy conocidos orígenes en el blues, todo este conjunto de vertientes y estilos le darían a este disco su conocida diversidad de géneros y ritmos, El Silencio no solo es una obra que enmarca un collage  musical fantástico, marca también un rompimiento con los discos de rock tradicionales, esa nueva forma que más tarde explotarían otros grupos de Rock Nacional.

Título del Disco

El Silencio fue el título que sugirió Saúl Hernández rompiendo con el esquema anterior de nombrar en numeración sucesiva los discos, en entrevista dijo lo siguiente '...Para mí, la única forma de plantear el disco era el silencio. Todo mundo pensaba muchas cosas, pero nadie se decía lo que quería ...'

Portada del Disco

A destacar la impresionante portada del disco, un conjunto de elementos y símbolos, inicialmente conformada por una representación de un rostro humano en tres partes, la primera unos ojos de mujer cerrados emulando tranquilidad y paz, en segundo lugar una nariz que representa alguna etnia, el tercero una sonrisa tenebrosa que emula a la muerte, paz, muerte, tranquilidad, en la porción superior la negación de la cruz formada por los brazos ensangrentados de las dos partes del mestizaje, todo enmarcado en algo que semeja a la talavera, más barroco imposible, las letras elegantes y estilizadas que dan el nombre al disco y el logotipo en rojo al costado izquierdo de la portada.

Tracklist

1.   Metamorféame (Recomendación 4 Estrellas)

2.   Nubes (Recomendación 4 Estrellas)

3.   Piedras (Recomendación 4 Estrellas)

4.   Tortuga

5.   Nos Vamos Juntos (Recomendación 4 Estrellas)

6.   No Dejes Que ... (Recomendación 4 Estrellas)

7.   Hasta Morir (Recomendación 4 Estrellas)

8.   Debajo de tu Piel (Recomendación 4 Estrellas)  

9.   Estas Dormida (Recomendación 4 Estrellas)

10. Miércoles de Ceniza (Recomendación 4 Estrellas)

11. El Comunicador (Recomendación 4 Estrellas)

12. Para Que no Digas Que no Pienso en Ti  (Recomendación 4 Estrellas)

13. Vamos a Hacer Un Silencio (Recomendación 4 Estrellas)

14. Mariquita (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- Un suspiro, la palabra Metamorféame y el solo de bajo más salvaje para empezar una canción del maestro Sabo Romo enmarcan el inicio de la leyenda, esos riffs poderosos que salen de la Ibañez Custom de Alejandro Marcovich, un ritmo punk clásico que emula los inicios de varias canciones representativas de este género como aquellos buenos tiempos de Bad Religion y de The Ramones, la banda funcionando como una máquina perfecta, aceitada y encarrilada hacia lo sublime, esa frase de Saul Hernández cortando como cuchillo en la mantequilla 'no dejaré que las águilas, se coman mis alas de marfil', letra metafórica, onírica y evocadora, que el cielo se caiga, que tome el ritmo frenético en 160 beats por minuto de Alfonso André con esos cambios de toms y tarolas impresionantes, que tome también las atmósferas que crea en el interludio del gran Diego Herrera, el piano en medio del caos con solo 4 notas en contrapunto,  que use de bandera el solo desquiciado de Marcovich y que se abra el telón de una obra maestra.

- Nubes abre con un riff clásico, maracas, güiro y platillos para darle el ritmo, instrumentos meramente tropicales, el bajo de Sabo Romo haciendo una figura extremadamente complicada para darle un aire más romántico a la canción, es como tener una tercer guitarra y una segunda batería, eso sólo puede hacerlo Sabo, darle ritmo y armonía a la vez a las canciones, el delay del riff le da un aire de profundidad, la letra de Saúll evocando la tradición del culto a la muerte, de la reverencia a la eternidad y la mística, una frase '... vamos a dar una vuelta al cielo, para ver lo que es eterno...' (Monsiváis y Paz dixit), las trompetas de Diego Herrera le añaden aún más folclor y el inter con ese ritmo tropical nos recuerda a las Sonoras y sus largos interludios, aquí suenan desde los sones veracruzanos, la Sonora Santanera, el mariachi, y después ese solo de Marcovich enmarcado en la atmosfera que proporciona el coro y el teclado de Herrera, al final el arpegio elegante y el riff en dobletes al estilo Chuck Berry en Maybelline, rock y fusión tropical, Nubes es una fiesta y una oda a la mezcla del Rock con el folclor mexicano, el final digno de cualquier baile en alguna plaza popular.

- La batería en 4/4 de André y esos efectos de sintetizador de Herrera para darle vida a Piedra, el cambio de ritmo después del primer verso, una letra que habla de una de las peores adicciones desde el punto de vista de necesidad y gravedad, la heroína enaltecida como una villana, una auténtica apología a lo prohibido, a la necesidad física, la adicción en su punto más álgido con el ruego pagano de un alma en pena, desde el coro ya se asoman esas trompetas y esa banda norteña comienza a dar muestras de aparecer en cualquier momento, los versos transcurren y el ritmo jamás decae, de repente ambas partes convergen en el interludio, se asoman también el trombón y aparece de la nada el solo tranquilo al inicio en guitarra acústica y después su contraparte en eléctrica, dos partes de un mismo dolor, desde ahí la guitarra inicia con ese solo de Adrian Belew que marca la armonía que habrá de seguir la banda con todo y trompetas que está de fondo, lo que habría de hacer Nortec Collective 10 años después al mezclar banda y electrónico, lo que había de hacer Café Tacuba 2 años después en Re con El Fin de la Infancia, lo que nadie había hecho antes, terminar la canción con una marcha de una banda norteña.

- Tortuga, una canción de transición que vale la pena por su ritmo parsimonioso, como una ola de mar tranquilo, en esa atmósfera habita esa canción, un ritmo pausado, dando rienda suelta a la virtuosidad de Herrera con las percusiones, el bajo de Sabo Romo dando clases de ritmo, las guitarras mezcladas de Saul Hernández y Alejandro Marcovich en comunión una con la otra.

- Ese inicio increíble de Nos Vamos Juntos, en dobles notas una guitarra y la otra en un riff con mucho sentimiento, la letra habla sobre una relación que se desvanece y de la cual sólo queda la esperanza efímera de seguir 'y sin embargo aquí estoy, y sin embargo no me voy', hay dos partes que discurren en direcciones opuestas, la guitarra rítmica acústica muy al fondo, muy lejana y la principal haciendo riffs por todos lados, el bajo como tercera guitarra elaborando figuras con vida propia, el ritmo en 3/4 de batería que es el alma de la canción, esos cambios de ritmo en los versos solo añaden mucho más dramatismo, el coro con esa frase catártica '...me voy yendo como el mar, lento y salvaje como tu ...' enarbolando la mejor sección de la canción con los acordes arpegiados a una velocidad acelerada como queriendo escapar de esa guitarra Ibañez que Alejandro Marcovich ejecutaba como los dioses, es tan difícil de asimilar todo lo que está dentro de esta canción tantos elementos, tantas cosas que nacieron de un sentimiento puro que es la nostalgia, al final queda esos acompañamientos de guitarra tan íntimos y sentimentales, los coros del final dolorosos, la orquestación, amor, desilusión, nostalgia, evocación, los recuerdos que habrían de perdurar de cada uno de nosotros en una canción increíble.

- Del soundtrack de la vida de muchos de nosotros una canción que nos dieron prestada y que cada uno hemos asimilado como propia, No Dejes Que ... es un himno generacional con el riff inicial que reconocen todos aquellos nacidos después de 1975, un riff que está siguiendo el ritmo de un pandero y las notas de bajo simples con una cadencia impecable de Sabo Romo, la batería se añade hasta que aparece el primer verso de la letra impresionante que escribió Saul Hernández, uno imagina la escena de una película de la época de oro, una mesa, un vaso y una botella, la nostalgia de quien se ha ido y que se recuerda como en una visión fantasmagórica, esas líneas de bajo de Sabo Romo son en si solas una canción diferente, aquí demuestra su dominio sobre el blues al añadirle más feeling a su interpretación ya memorable, seguir su ritmo y cadencia es adentrarse en una magistral ejecución, un ritmo de balada en 4/4 de André y las percusiones de Diego Herrera con ese piano estilo Free Jazz cubano en el coro, nos recuerdan a aquellos intérpretes como Rubén González, un verso reza una frase propia de algún afiche de tarjeta de regalo Hallmark '...entre los mundos nos haremos viejos, donde algún día estaremos tranquilos ...' y ese solo de Marcovich tan increíble, hay canciones que son clásicas, pero no todas se vuelven himnos, no todas adquieren la etiqueta de sublimes y no todas se recuerdan con tanto sentimiento, algunas como esta evocan tantas cosas para algunos de nosotros, el verdadero valor de una canción es que provoque una reacción diferente cada vez que se escuche que permanezca no como una huella estática en la memoria sino como una marca que se mueve de acuerdo a nuestras emociones.

- Hasta Morir inicia como una ceremonia, un bombo y una guitarra con percusiones le dan un aire ritual, la guitarra en delay y de repente algunos violines que emanan del sintetizador Korg que usaba Diego Herrera, se añade en el coro el bajeo de Sabo Romo que le añade aún más teatralidad, aquí se nota la mano de Adrian Belew el cual era experto en crear atmósferas en King Crimson, un grupo mucho más teatral pero no menos virtuoso, esta canción había tenido su origen desde Las Insólitas Imágenes de Aurora, había estado oculta en algún baúl del recuerdo hasta que decidieron re interpretarla y lo hicieron de mejor forma, llevándola hasta una magnificencia, una letra obscura, extraña, recordándonos las épocas de Dead Can Dance o en su tiempo a Chac Mool grupo seminal del Progresivo mexicano, el solo el tono mucho más tropical.

- Apenas habían transcurrido 8 canciones y la lista de canciones clásicas sigue y se añade Debajo de Tu Piel, impresionante canción, el intro nos recuerda a las grabaciones iniciales de The Pixies, de Sonic Youth y de Psychedelic Furs, con ese arpegio magistral de Alejandro Marcovich, de fondo los lamentos en voz de Saúl Hernández y el delay que deja Marcovich como fondo para que aparezca de forma elegante la batería de Alfonso André, muy pocas canciones de Rock en Español pueden presumir de una armonía construida a partir de un bajo tan excelso como el que ejecuta Sabo Romo, es el alma de la canción, la piedra angular que soporta todo el peso de la canción y lo hace de una forma brillante, una mezcla de estilos dejando incluso esos silencios tan necesarios para conjuntar instrumentos, lecciones hay por todos lados, desde como interpretar una letra hermosa en falsetes (que le cobrarían la factura a Saúl Hernández años después) esas frases impresionantes 'mientras te beso entre incendios, te abrazaría para salirnos con el humo' la omnipresencia en el ritmo de la batería, la forma de elaborar los acompañamientos de las percusiones y un outro memorable, Diego Herrera es una maestro en el arte de ejecutar outros, finales memorables que se pueden contar con varios dedos de la mano son obra de él, así se crean las leyendas, a partir de años de ejecutar con maestría las canciones.

- Estas Dormida, la canción más festiva del disco iniciando con un riff alegre y la batería de balada pop de Alfonso André, una canción sobre una persona que ha dejado este plano vital y de la que se recuerda todo, en esta canción se da rienda suelta al espíritu elocuente de Diego Herrera, ya que juega un papel fundamental en la construcción de la canción, ejecutando magistralmente el piano y ese solo de saxofón barítono del final, mostrando un virtuosismo sin paralelo, es difícil dominar instrumentos tan complicados como lo son el piano y el saxofón, el lo hace ver muy sencillo, las líneas de piano si pudieran aislarse valen tanto la pena como lo es toda la estructura armónica, el final, otro magistral outro con ese piano limpio y la guitarra.

- La siguiente otra canción de corte experimental, Miércoles de Ceniza también habla sobre la muerte pero de una forma distinta, desde otro punto de vista, una versión madura de Mátenme Porque Me Muero que había aparecido en su primer disco, los arreglos de percusiones son extraordinarios así como el uso del sintetizador de Diego Herrera, el piano Rhodes con ese tono vibrato tan característico, nos recuerda a grandes ejecutantes de ese piano como Earl Hines o Rick Davies, con ese ritmo acelerado pero a la vez tan Supertrampesco, es la estructura armónica de la primer parte de la canción, el riff tan simbólico de Alejandro Marcovich llega a un punto que el mismo marca el cambio de ritmo, se vuelve un ambiente Groovy, totalmente Rock, con potentes riffs y coros al estilo del Rock Progresivo.

- El Comunicador, una canción experimental de letra muy metafórica, el inicio semeja a Have a Cigar de Pink Floyd con reminiscencias a Welcome To The Machine del mismo grupo, sin embargo lo que es realmente de llamar la atención es el arpegio con delay de Marcovich y el final con ese solo tan elaborado y complejo.

- Otro clásico Para Que No Digas Que no Pienso en Ti, iniciando con ese ritmo de batería con un aire muy setentero, la guitarra en un riff complicado, el piano de Diego Herrera sigue una linea de bajo tranquila pero a la vez poderosa de Sabo Romo, el interludio tiene uno de los mini solos más bellos que haya compuesto Alejandro Marcovich para Caifanes, dando clases de como construir fraseos con la guitarra, el ritmo se acelera y prepara la escena para una atmósfera diferente, la parte final es de época, el ritmo cambia y aparecen voces por todos lados, se acompañan de forma maravillosa la batería y las guitarras, los efectos surgidos de los sintetizadores de Herrera enmarcan la culminación de otro clásico.

- Una de las mejores y menos valoradas canciones de la discografía de Caifanes es sin duda Vamos a Hacer un Silencio, es impresionante, es la continuación del último tema de su disco anterior, la parte madura y concisa de Amárrate Una Escoba y Vuela Lejos, los ritmos americanos que enmarcan la canción y las percusiones le dan ese toque prehispánico, las guitarras acústicas y el ritmo muy extraño que tiene para llegar a una trompeta que enaltece al tema, el final es como siempre de lo mejor, tan lento, tan suave, tan delicado, tan lleno de nostalgia de un tiempo pasado, la última canción que interpretaron todos, los 5 integrantes, que compusieron juntos, todo terminaría un 30 de abril, pero antes una canción para la posteridad.

- Mariquita cierra el disco como un tema prestado de dominio popular, un son jarocho llevado al Rock, con esas guitarras y jaranas en comunión con la percusión prehispánica y el solo de Alejandro Marcovich tocado con furia, enorme pieza, enorme disco, recuerdos, nostalgia, catorce temas grandiosos, los 90's con todos sus cambios apenas empezaban.

Dedicado a Luz Ma