RadioJoshua - Disco de la Semana - Turn On The Bright Lights de Interpol

Radio Joshua en su Sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los oídos ... El más grande disco de Post Punk, una de los discos debut que cambiaron la historia de la música indie para siempre, de las entrañas de NY, de esos círculos tam ambiguos como llenos de riqueza y símbolos, de una visión cosmopolita de la vida y del arte, el más grande disco debut de la década pasada

Interpol - Turn On The Bright Lights

Hacía cuanto tiempo que no envidiaste tener un disco, que ahorrabas para comprarte una pieza musical de la que habías escuchado tantos comentarios  buenos, hacía cuanto que no juntabas todo el dinero que podías para irlos a ver en concierto, que intercambiabas los boletos para que coincidieran con los de tus amigos, hacía cuanto que no te estremecían todas las canciones de un disco y que te preguntabas a ti  mismo si lo que escuchabas era algo que sospechabas ya habías escuchado antes y sin embargo era un sonido propio y auténtico, hacía cuanto que te burlabas de los que no sabían quien era un grupo llamado igual que la corporación policíaca más grande el mundo, hacía cuanto que no te aprendías todas las canciones de un disco y tratabas de encontrarle un significado a tan intrincada poesía, hacia cuando también que  tratabas de no hacer caso de los comentarios de las personas que te decían que eran una copia de Joy Division  y tratabas de encontrarle las diferencias , hacía cuanto que un disco de menos de 60 minutos te hacía pensar que la vida puede resumirse en tan poco tiempo, hacía cuanto tiempo que la música recobraba su significado mágico a partir de las notas que emanaban de 4 músicos tan diferentes entre si pero tan similares en cuanto a lo que ambicionaban, eso significó Interpol.
' ... El álbum debut de Interpol resulta una grata revisión de la música ofrecida por bandas como Television, Joy División o The Chameleons, sin embargo a pesar de contar con una poderosa y dinámica sección rítmica e interesantes atmosferas oscuras, carece de creatividad lírica y melódica, debido a que en general las letras son románticas y las guitarras suenan monótonas e incluso planas  ...'
Josué Rodríguez Vargas (Sobre el disco en una crítica en su blog)

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 2002

Discográfica - Matador Records

Productor - Peter Katis

Recomendable si les gusta Control de Joy Division, Script Of The Bridge de The Chamaleons, Julian Plenti is Skycraper de Julian Plenti, You Told Me Before de The Reegs, The Sun And The Moon de The Bravery, A Long Way From Home de Black Swan Lane, The Setting Suns de Magnetic Morning, Surfer Rosa de Pixies, Daydream Nation de Sonic Youth y Mask de Bauhaus

     Gred Dudry, Daniel Kessler y Sam Fogarino formaron una banda a finales del siglo pasado en la ciudad de Nueva York, en ese momento eran estudiantes de la Universidad de Nueva York, más tarde se les uniría el enigmático artista Carlos Dengler, cuando necesitaron un vocalista llamaron a un antiguo amigo de Kessler que había conocido en Paris, Paul Banks y desde ese momento quedó conformada la alineación de Interpol, misma que perduró hasta hace algunos años, comenzaron a destacar en el circulo underground de NY, hasta que recibieron la invitación de participar en el famoso show de la BBC de John Peel donde definitivamente despegaron, con sólo un EP grabado que contenía algunas de las canciones del Turn On The Bright Lights comenzaron a grabar su primer disco de larga duración en los estudios Tarquin de Connecticut, un disco que tardó un tiempo es ser digerido en su totalidad por un público que empezó a compararlos con Joy Division, aún si ser una influencia en el grupo, simplemente por el muy parecido timbre vocal de Paul Banks comparado con el fallecido Ian Curtis, de cualquier manera, las opiniones divididas acerca de su obra fueron parcialmente revertidas con el paso del tiempo, por considerarse una obra llena de sentimiento, talento, obscura y densa en su construcción, magnífica en su interpretación, el espíritu del post punk se reflejaba en cada una de las composiciones, virtuosos en su ejecución, metafóricos en sus letras, las raíces ochenteras de su sonido nos remiten a aquellos primeros discos de Bauhaus, Sonic Youth y Dinosaur Jr, por la forma de afrontar la composición y la música también se acercan a Pixies, hasta hace unos años fueron la banda más épica y representativa del Post Punk Revival, lástima que ese título solo les duró 2 discos, a partir de su obra Our Love To Admire se rompió esa magia que se había conseguido con sus dos primeras obras, claramente hubo distanciamiento entre sus integrantes tanto en lo artístico como en lo musical.

Título del Disco

Hasta la fecha no hay una versión oficial del nombre del disco

Portada del Disco

La famosa fotografía del escenario del Teatro New Amsterdam de Nueva York con las luces rojas que usaban en las presentaciones en vivo, un clásico.

Tracklist

1. Untitled (Recomendación 4 Estrellas)

2. Obstacle 1 (Recomendación 4 Estrellas)

3. NYC (Recomendación 4 Estrellas)

4. PDA (Recomendación 4 Estrellas)

5. Say Hello To The Angels

6. Hands Away (Recomendación 4 Estrellas)

7. Obstacle 2 (Recomendación 4 Estrellas)

8. Stella Was A Diver And She Was Always Down (Recomendación 4 Estrellas)

9. Roland

10. The New (Recomendación 4 Estrellas)

11. Leif Eriksson (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- La guitarra con delay limpia, al unicio de Untitled, magistralmente ejecutada por Daniel Kessler, esa famosa Rickenbacker que ejecutaba en sus primeros años con Interpol, solo 3 acordes que se tranformaban en una ola de sonido gracias a ese efecto, el solo sosteniendo la canción por casi medio minuto hasta que se incorporan la batería de Sam Fogarino en un ritmo pausado de 3/4 en unión con ese bajo magistralmente ejecutado por uno de los mejores bajistas que hayan pisado un escenario en este nuevo siglo, esa imagen icónica al estilo del personaje principal del Gabinete del Dr Caligari del gran Carlos Dengler y las notas con overdrive de Paul Banks mientras canta sus conocidas metáforas tranformadas en esta ocasión en simples monosílabos, se abre el telón para esta obra enorme desde su inicio, eso era Interpol, la forma de terminar la canción con la guitarra de Kessler y el bajo de Dengler son una muestra del taelnto que desbordaban en sus inicios.

- La muerte de una modelo inspiró a Paul Banks a escribir Obstacle 1, una progresión extraña de acordes da inicio a la canción, a la que se suma el conocidísimo riff de 2 acordes de Daniel Kessler, la batería de Fogarino en un ritmo básico de 4/4 y ese cambio de ritmo en el interludio donde luce su habilidad con las tarolas dándole un ritmo casi en contrapunto con las guitarras, la linea de bajo de Carlos Dengler casi es una tercera guitarra, lleva un ritmo y una armonía diferente pero que complementa el cuadro, esa línea inicial lo dice todo '...I wish i could eat the salt off your last faded lips ...' 

- NYC es una impresionante balada, la guitarra limpia sin efectos en 2 acordes de Daniel Kessler da la pauta para la batería de Fogarino, la voz críptica de Paul Banks citando versos matafóricamente difíciles de entender, una oda a la ciudad de Nueva York, una historia de amor llevada a una canción épica, lo más estremecedor es la guitarra de Kessler en el interludio con ese ritmo en staccatto, Interpol entrega el alma en esta canción.

- PDA y su ritmo en las percusiones, una canción ascendente en todos los aspectos, los riffs de guitarra que acompañan la armonía principal son obra de Paul Banks, una letra poco concreta, sin embargo entrega frases y versos muy buenos como ese que dice '...You are a past sinner, the last winner, I'm reaping all around me, Until the last drop is behind you, But you're so cute when you're frustrated ...' ese interludio es impresionante, anunciado por la guitarra con overdrive de Kessler y los acompañamientos del bajo de Dengler y la guitarra de Paul Banks haciendo contrapuntos, en sus versiones en vivo esta parte es para la improvisación.

- El intro de Say Hello To The Angels, la batería en ritmo casi militar de Fogarino y esos contrapuntos de la guitarra de Banks, Kessler lleva el ritmo pero Dengler y Fogarino forman una base rítmica impecablemente construida en una sola escala, ese cambio de ritmo al final de la canción para el fraseo de Banks y esos gritos desaforados para cantarle a su pelirroja, una imagen femenina que se repite a lo largo del disco.

- Hands Away es una canción impresionante, introspectiva, compleja, directa, la letra extraña como todas las del disco, lo que destaca son varias cosas, esa progresión de 2 notas sobre los acordes de Kessler, la batería de Fogarino en contrapunto, las notas de salen del órgano melódico de David Pajo le dan un aire de misticismo, Dengler en un papel meramente de acompañamiento entrega una de las líneas de bajo más grandiosas del disco a la mitad de la canción, órgano melódico y guitarras en contrapunto son los 3 componentes sobre los que gira esta pieza, de repente salen algunas notas fuera de la escala armónica y la teatralidad comienza a apoderarse de la misma, la voz críptica y enigmática de Banks cantando un verso salido de las entrañas de algún cuarto obscuro, la canción llega al paroxismo con el cambio de ritmo, unas cuerdas llegan para enmarcar esos punteos en la misma progresión, termina como comenzó, sublime.

- Obstacle 2 es una canción de transito, un complemento a Obstacle 1 donde las dudas acerca de la idea que planteó la primera parte se resuelven, es una canción que habla sobre el pasado y una obsesión por una mujer, musicalmente es muy práctica, simple y con un argumento armónico minimalista, prepara el terreno para la parte más densa y obscura del disco.

- Lo que fue una sesión de ensayo se transformó en una canción digna de recordarse, Stella Was a Diver and She's Always Down es una grandiosa pieza, teatral, grandilocuente, fastuosa en su construcción, la historia de una mujer que bucea y que al parecer lo sabe y lo conoce todo, se vuelve la obsesión de la historia, retratada como una femme fatale, la trama de esta canción se hace a base de riffs poderosos de las guitarras de Banks y Kessler, en el intermedio con un grito de locura, Paul Banks recita una parte de Un Tranvía Llamado Deseo.

- Roland es la canción más densa y obscura del disco, musicalmente fuerte y contundente, el final con esos fade out y la armonía en guitarras es la mejor parte de la canción.

- De entre todas las canciones del disco, The New es la que más destaca por su lírica, música y sobre todo el derroche de virtuosismo que se despliega, desde el intro con ese delay y al línea de bajo más introspectiva y fantástica que haya abierto cualquier canción de rock obra del gran Carlos Dengler quien en un pasado remoto fue un gran guitarrista, se integran después las guitarras de Kessler y Banks para conformar una base armónica que transcurre sin alteraciones con solo 4 acordes y 3 líneas de verso, la letra es genial, tiene una de las freses mejor logradas de toda la discografía de Interpol '... But I can't pretend I don't need to defend some part of me from you I know I've spent some time lying ...' la parte más sobresaliente es ese cambio de ritmo y de escala, al cambiar de Mi Mayor las notas del interludio hacia un Re Mayor desembocan en una catarsis musical que culmina con el mejor contrapunto del disco, una pieza de arte impresionante.

- Leif Eriksson continúa sobre la temática del abandono, solo 4 acordes durante toda la canción y ese gran final con una armonía de guitarras elegante y muy pasional, la letra es gigantesca, metáfora sobre metáfora, una pieza de poesía en prosa de Paul Banks, un deleite para la imaginación, una enorme forma de cerrar un disco que hizo historia.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Funeral de Arcade Fire

Radio Joshua en su Sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los oídos ... La ópera prima de uno de los grupos de Indie más aclamados de los últimos años, un disco que cambió la forma de hacer música independiente, la vastedad de ritmos, la complejidad de sus composiciones, la riqueza armónica y sobre todo, la espontaneidad y frescura de este disco lo hacen una referencia y un legado universal a la música contemporánea.

Arcade Fire - Funeral

En Canadá a inicios de la década pasada se gestó un movimiento musical muy importante que derivó en la creación de un sonido nuevo, fresco e independiente, bajo la premisa de crear obras musicales ricos en instrumentación e imaginación y con la consigna de  logra difusión a nivel mundial  surgieron infinidad de buenos grupos, Arcade Fire surge como una asociación que gira en torno al matrimonio de Win y William Butler, quienes desde Montreal iniciaron este proyecto apoyados por otros 5 integrantes que elaboran intrincadas melodías con base a una pequeña orquestación, el verdadero éxito de esta obra reside no sólo en la vuelta a la realización de música con diversidad sonora, con identidad propia y como un precedente para que el mundo volteara a ver lo que se estaba haciendo en países fuera de Inglaterra y los EUA, Arcade Fire colocó el ojo del mundo en Canadá y Montreal fue la capital musical en tiempos donde el indie americano y británico inundaban las listas de discos con grupos muy semejantes entre ellos, Funeral rompe con este esquema del que se elaboraban copias de grupos que carecían del espíritu que poseía Arcade Fire y que hasta la fecha nos sigue dando por sus discos posteriores la impresión de frescura y por la impresionante cantidad de instrumentos que ejecutan.
'... Es una obra poderosa, esperanzadora y eufórica, todo a la vez. Es algo que nunca has escuchado antes, pero seguramente resulta muy familiar, teatral, bizarra y sincera, definitivamente un disco que marca a quien los escucha, es una belleza ...'

Tiny Mix Tapes  (Sobre Funeral)

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 2004

Discográfica - Merge Records

Productor - Arcade Fire

Recomendable si les gusta Terra Incognita, By Land, Sea and Air de CLARK The Band, The Polite Album de Owen Pallett, Bell Orchestre de Bell Orchestre, Faker Death de The Luyas y The New International Standards de The new International Standards y Set Yourself on Fire de Stars

     Pop Barroco, fue como designaron en su primer disco al estilo de Arcade Fire, un grupo surgido en la escena de Montreal, de inicios del siglo conformado por el matrimonio de Win y William Butler junto con Régine Chassagne, Richard Reed Parry, William Butler, Tim Kingsbury, Sarah Neufeld y Jeremy Gara y actualmente la banda incluye en sus conciertos a la violinista Marika Anthony-Shaw, su obra musical es vasta en instrumentos dentro de los que incorporan violines, violas, violonchelos, pianos, mandolinas, ukeleles, acordeones, xilófonos y un instrumento medieval llamado zanfona, de ahí que la música que proyectan es tan variada, desde baladas lentas llenas de optimismo hasta el rock más poderoso, letras que hablan sobre el difícil paso hacia la madurez desde la adolescencia, de la amistad, la soledad y la depresión, sobre la enfermedad y su recuperación, la sensación de nostalgia al abandonar la casa y ese enorme sentido de la cooperación mutua entre las personas, Funeral sentó un precedente a inicios del siglo, la música indie no tenía porque sonar igual en todas partes, también podía nutrirse de todo el acervo cultural que le precedía, en Arcade Fire encontramos esa unión entre lo clásico, lo barroco, lo surrealista con el rock, el indie ya no fue igual a partir de Funeral, la música que conocemos avanza a pasos agigantados a partir de la imaginación y la iniciativa de las personas responsables de transmitir esos sentimientos, no por nada David Bowie dijo que esta banda tuvo el mejor primer disco de la historia.

Título del Disco

El álbum recibe este título a raíz de la gran cantidad de fallecimientos que hubo entre familiares de los componentes del grupo durante su grabación, la abuela de Régine Chassagne murió en junio de 2003, el abuelo de Win y William Butler (el músico de swing Alvino Rey) en febrero de 2004, y la tía de Richard Parry en abril de 2004.

Portada del Disco

Tracy Maurice fue el encargado de realizar la portada, la cual es una invitación a un funeral, la contrapartida trae los nombres de los familiares muertos durante la grabación.

Tracklist

1.  Neighborhood #1 (Tunnels) (Recomendación 4 Estrellas)

2.  Neighborhood #2 (Laïka) (Recomendación 4 Estrellas)

3.  Une Année Sans Lumière (Recomendación 4 Estrellas)

4.  Neighborhood #3 (Power Out) (Recomendación 4 Estrellas)

5.  Neighborhood #4 (7 Kettles) (Recomendación 4 Estrellas)

6.  Crown of Love (Recomendación 4 Estrellas)

7.  Wake Up (Recomendación 4 Estrellas)

8.  Haiti (Recomendación 4 Estrellas)

9.  Rebellion (Lies) (Recomendación 4 Estrellas)

10. In the Backseat  

Momentos Cumbre

- Que forma de abrir un disco con Neighborhood #1 (Tunnels), ese ritmo inicial casi celestial y prístino del arpa de Anita Fraust acompañado de la guitarra de Richard Reed Perry para dar paso a la instrumentación acústica, la voz de Will Butler, la guitarra acústica de Tim Kingsbury, el piano de Regine Chassagne, lo grandioso de la canción es que dede el inicio nos atrapa con ese ritmo de 4/4 que se acelera con la incorporación de los metales en la percusión de Howard Bilerman, esa forma de acelerar el tiempo de la canción y de incorporar los demás instrumentos, la letra nos habla sobre la nostalgia, la voz de Butler si bien no es la mejor en cuanto a técnica vocal logra transmitir esa sensación de abandono, toda la canción es épica, maravillosa pero sobre todo esos coros al final de la canción y el final con la guitarra apenas con un poco de overdrive. Una llamada a la historia de la música, una cátedra de como abrir un disco.

- La segunda canción que aborda el tema de la era espacial Neighborhood #2 (Laïka) en tributo a Laika, la conjunción de instrumentos eléctricos con los violines de Sarah Neufeld y Owen Pallett, siguiendo siempre el ritmo que marca Bilerman, Michel Olsen aporta con el cello el dramatismo, Win Butler y sus coros en contrapunto, el acordeón de Richard Reed Perry con una armonía que nos recuerda a Neil Young (también canadiense) con su canción 'The Sultan' cuando aún estaba en The Squires.

- La hermosa balada que es Une Année Sans Lumière, la guitarra acústica en comunión con la percusión, en arpegios lentos, tranquilos, evocadores, llenos de nostalgia y de sentimiento, nos dan paso a esa figura de bajo casi hipnótica de William Butler, los coros de la misma Butler y Chassagne acompañan a Win Butler en esa narración en francés sobre un amor abandonado, la desesperación por recuperar una vida pasada ambientada con música esperanzadora, los riffs de guitarra no hacen más que presagiar el caos que vendrá, un caos que si bien es predecible está lleno de vida, la guitarra de Richard Reed Perry nos anuncia el pandemónium, riffs y coros se suman a esta fiesta, después de la nostalgia vienen todas esas muestras de auto apoyo, el coro del final es culminado con ese golpe de farola, gran canción.

- La gran tormenta de nieve de 1998 en Montreal sirvió de base para crear  Neighborhood #3 (Power Out), la que dejó a la ciudad envuelta en la total obscuridad, la letra metafórica, ambigua y muy obscura así como la instrumentación, ese ritmo desenfrenado de la percusión de Bilerman, esa guitarra de Perry dando contrapuntos por todos lados, la letra nos habla sobre aspectos de la vida de las personas que siempre quedarán en secreto.

- Ese gran arpegio de Neighborhood #4 (7 Kettles) y la voz cadenciosa de Butler, acentúa ese sentimiento de sinceridad, acompañado por los violines de Neufeld y Pallett, sin duda la canción más introspectiva del disco.

- Crown Of Love, una enorme canción, iniciando con percusión y piano al estilo Big Band, 'si aún me quieres por favor olvídame' recita Butler acompañado de el cello de Michel Olsen, como casi todas las canciones de Arcade Fire esta pieza inicia con ese ritmo lento característico, una calma que anticipa una tormenta que habrá de suceder minutos después, esa oda lenta se transforma en gritos desaforados y llenos de rabia, por lo que obligadamente la canción tiene que ir in crescendo las notas que surgen de los violines se tornan mucho más intensas, ásperas, la batería marca el ritmo de forma mucho más acentuada, la canción de torna densa hasta que de repente, el cambio de compás de 2/4 a 4/4 junto con la agudización de las notas de los violines nos llevan a un desenlace único.

- Wake Up es una canción que marca a este disco, a Arcade Fire y la década entera, los deja encaminados hacia lo más sublime de la música de inicios del siglo, después de escuchar Wake Up no nos queda más que dar las gracias por darnos semejantes piezas, una pequeña muestra de grandiosidad, épica por donde quiera que se le vea, igual sirve para ambientar películas, espectáculos deportivos, fiestas, funerales, todo, esa una canción eminentemente universal, el coro de inicio, la guitarra que abre la canción, la batería marcando notas que nos llevan a la batalla, un desfile militar y entona como una delicada pluma en el aire un ritmo que sintetiza en apenas 5:35 minutos tanta grandilocuencia, la letra nos invita a no darnos por vencidos, a vencer obstáculos y miedos, las cuerdas añaden todavía más dramatismo, una pequeña ópera llevada a una canción y ese ritmo al final, descomunalmente agradable, no conozco a nadie que no haya sido conmovido por ese ritmo de piano emulando a Charly Parker en comunión con los coros y la tarola de Bilerman, si existe una canción que pueda decirnos que significa juntar 8 músicos con el bagaje cultural, musical y personal de una ciudad llena en tradiciones y ambivalente en todos sentidos, que nos diga como debe hacerse una canción digna de recordarse es ésta, larga vida a Wake Up, se necesitaron 6 violines y 2 baterías para darle vida a esta canción.

- Haiti, la segunda canción cantada en francés, una vez más se pone de manifiesto que Montreal con su tradición anglosajona y francesa es una parte crucial en el desarrollo de estos grandes músicos, la instrumentación muy variada, utilizando desde ukeleles hasta zahonas.

- Rebellion, la otra parte de Wake Up, si hubieran juntado ambas canciones se habría creado uno de esos dúos de canciones que se recuerdan siempre, sin embargo separaron las canciones para que tuviéramos un pequeño respiro entre tanta grandiosidad, Rebellion es una canción tan madura y a la vez con tanto espíritu adolescente, hacia donde va la madurez, se preguntan en la letra, hacia donde llevar todas estas experiencias nuevas, ese ritmo de batería evocador, una vez más la figura de Alexander Supertramp sirviendo como hilo conductor en la canción, la presentación en vivo que tuvieron en Coachella en 2007 ha sido una de las mejores presentaciones de todos los tiempos de algún grupo en ese festival, ese día Arcade Fire le dijo al mundo que Rebellion es su himno y su estandarte, no se compara la versión en vivo a la del disco, pero vale la pena mencionar que ambas son enormemente mágicas.

- Ese cierre como en un sueño con In The Back Seat, si hubo algún momento flojo en el disco es éste y sin embargo sigue siendo una muy buena canción, vaya forma de terminar una obra que va a perdurar por siempre.

RadioJoshua - Disco de ls Semana - Rumours de Fleetwood Mac

Radio Joshua en su Sección ya clásica con una recomendación más que agradable a los oídos ... Una obra llena de sentimientos, odio y amor se conjugaron para darle vida a uno de los 6 discos más vendidos en la Historia de la Música, amenazas constantes de ruptura, conflictos personales y sobre todo una carga emocional tan grande como el ego de sus integrantes, la obra maestra de un grupo que después de 11 discos le llego el justo reconocimiento

Fleetwood Mac - Rumours

Que difícil y complicado es trabajar con alguien a quien le tienes tantos sentimientos encontrados, una lucha de poderes al interior de la banda casi desbarata el sueño de lograr el éxito comercial, un disco que desde su planeación marcó la ruptura matrimonial de los McVie después de 8 años de estar juntos, Mick Fleetwood había descubierto meses antes que su esposa lo había engañado con su mejor amigo, Lindsay Buckingham y Stevie Nicks se encontraban en una unión tormentosa desde hacía 4 años antes de comenzar a grabar Rumours, este álbum condensa toda esa carga emocional a la que Fleetwood Mac tuvo que acostumbrase y con la que tuvieron que lidiar durante la grabación, el enorme sacrificio emocional retrató de una forma sincera y directa todo ese proceso de duelo por las rupturas, la nostalgia de una relación fallida y los reclamos y pretensiones de una pareja inestable, todo eso dio vida a uno de los discos mas exitosos de la música contemporánea, vendieron la asombrosa cantidad de 40 millones de copias, aseguraron un lugar en la historia y sobre todo, fue una terapia psicológica tan grande que los dejó marcados para el resto de sus vidas.
'... Trauma, Trau-ma. Las sesiones fueron como una fiesta todas las noches con gente por todos lados. Terminamos quedándonos en unas extrañas habitaciones similares a las de los hospitales... y claro, John y yo no eramos exactamente muy amigos ...'

Christie McVie  (Sobre el proceso de grabación de Rumours)

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1977

Discográfica - Warner Bros

Productor - Ken Caillat, Richard Dashut

Recomendable si les gusta Crusade de John Mayall & The Blues Breakers, Law and Order de Lindsay Buckingham, Belladonna de Stevie Nicks, Street Corner Talking de Savoy Brown, Praise to Helsinki de Eddie Boyd, Aja de Steely Dan y Bright Lights de Duster Bennet

     Muy lejos quedaron aquellos dias en Londres cuando Fleetwood Mac era una banda de Blues con escaso éxito formada por Peter Green, esa mente brillante quien había sido integrante de la banda de Blues seminal de John Mayall sustituyendo a una leyenda como Eric Clapton, después de 10 discos, cambios de integrantes y la mitad de una década turbulenta como lo fueron los 70's, habían marcado a un grupo que la historia y el público aun no les hacía la justicia en cuanto a la fama se refiere, también muy lejos quedaron los días felices del matrimonio entre Christine y John McVie que después de casi 9 años decidieron poner fin a su sociedad conyugal unos meses antes de entrar a los estudios de Warner Bros en California, donde la tensión por su ruptura se percibía al punto de que no se dirigían la palabra a menos de que se tratase de algún asunto relacionado con la música, la tormentosa relación entre la cantante Stevie Nicks y el guitarrista Kindsay Buckingham casi tira al piso esta obra de no ser porque el ego de ambos y la eterna competencia que se tenían sacó a flote al grupo en esos caóticos 5 meses de grabación, la obra es una belleza, una joya por donde quiera que se le vea, los arreglos y las armonías son excelsamente pulidas, un trabajo estupendo donde se cuidaron todos los detalles en cuanto a la producción, Rumours tiene tantas cosas de que jactarse, retrata de forma increíble una carga emocional enorme de sus integrantes, es una foto instantánea de las relaciones humanas convertida en un disco de casi 40 minutos, cada frase tiene un gran impacto emocional, cada letra y cada nota que sale de la imaginación de los 5 integrantes de Fleetwood Mac no hizo más que preservar sus historias personales, escucharlo es agradable, entenderlo y tratar de evocar esos sentimientos es lo que hace este disco inmortal.

Título del Disco

     Inicialmente se iba a llamar Yesterday's Gone, pero con el constante acecho de la prensa y los tabloides al productor Dashut se le ocurrió nombrarlo Rumours por todo lo que rodeaba al grupo en ese entonces, el resultado fue uno de los títulos más recordados de algún disco en la historia de la música

Portada 

     Una de las más recordadas de todos los tiempos, Lindsay Buckingham y Stevie Nicks enfundados en sobrios trajes negros, Nicks con su vestido de gasa negra y Buckingham emulando a Hamlet con un fondo amarillo, ese contraste de colores es tan característico, la hicieron un ícono en los 70's.

Tracklist

1.  Second Hand News (Recomendación 4 Estrellas)

2.  Dreams (Recomendación 4 Estrellas)

3.  Never Going Back Again (Recomendación 4 Estrellas)

4.  Don't Stop (Recomendación 4 Estrellas)

5.  Go Your Own Way (Recomendación 4 Estrellas)

6.  Songbird

7.  The Chain (Recomendación 4 Estrellas)

8.  You Make Loving Fun (Recomendación 4 Estrellas)

9.  I Don't Want To Know (Recomendación 4 Estrellas)

10. Oh Daddy

11. Gold Dust Woman (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- El disco abre con una grabación de 4 pistas de guitarra eléctrica para emular un sonido celta, una belleza llamada Second Hand News, el productor Richard Dashut se inspiró en una canción de The Bee Gees 'Jive Talking' y le propuso a Lindsay Buckingham esa técnica de grabación multipista, el resultado fue impresionante, una canción que lleva todo el ritmo en los tambores de Mick Fleetwood, los coros de Jon McVie y Buckingham, la guitarr del mismo Buckingham con ese solo lleno de efectos estilizados, rimbombantes, son los 70's y se pueden hacer toda clase de cosas, gran forma de abrir un disco y pensar que iba a ser llamada 'Strummer'.

- La mejor canción del disco llega apenas en el segundo corte, Stevie Nicks exorciza a sus demonios internos y abre su corazón y sentimientos al mundo con la hermosa letra de Dreams, no hay canción más sincera y sentimental, que exteriorice tantas cosas tanto buenas como malas como esta, Nicks no les prestó el micrófono durante la grabación, el patrón hipnótico de 2 notas del bajo de Jon McVie, esos enlaces etéreos a los que recurrían como recurso de grabación aquí tienen un peso enorme, Nicks compuso la canción una tarde viendo el atardecer en las playas de California, encendió su sintetizador hasta encontrar un patrón en la batería que grabó en un cassete, un patrón repetido de 3 acordes es lo que da la sección rítmica a la que después la añadieron las guitarras, cuando Nicks interpretó ese demo a los demás integrantes de la banda, estalló en llanto, la letra nos habla de su ruptura con Buckingham y es un mensaje de esperanza hacia ella misma, el dolor tuvo un precio pero también fue causa y efecto, la causa ese desenlace y la consecuencia una canción que definitivamente marcó a toda una generación, el único número 1 de Billboard que Fleetwood Mac tuvo en su historia en los Estados Unidos es una pieza digna de recordarse por siempre, sin duda el pináculo de Stevie Nicks como compositora, una verdadera belleza.

- La tercera canción Never Going Back Again es otra oda acústica que se iba a llamar 'Brushes', la letra nos habla de la esperanza que se da cuando se piensa que los malos tiempos han acabado y no regresarán nunca más, también hacen referencia a Nicks con un mensaje críptico hacia su relación la cual obviamente jamás fue la misma, el mismo le pide que no le de otra oportunidad, Buckingham fue siempre un gran guitarrista acústico, aquí la grabación multipistas sobre esa repetición de acordes arpegiados nos da una sensación de reverberación que se obtiene con esa técnica lo que la hace mucho más completa al momento de escucharla, el alma acústica se proyecta tanto que no es necesario incluir nada más, otra buena canción.

- Las coincidencias de sus rupturas llevaron a la siguiente canción a ser una auténtica terapia de grupo, Don't Stop fue compuesta por Christine McVie ayudada por Buckingham, un ritmo en 4/4, casi un foxtrot acelerado, es una canción optimista, contagiosa en todos niveles, incluye un piano al que le añadieron clavos metálicos en la caja de percusión para obtener ese tono pristino y agudo, una cátedra en cuanto a la producción debido a lo complejo que resultó la grabación.

- Go Your On Way, es una enorme pieza que nos muestra el virtuosismo de Lindsay Buckingham con sus guitarras, un patrón rítmico muy similar a Street Fighting Man de The Rolling Stones, Mick Fleetwood y su sección rítmica frenética, Jon McVie y sus armonías en el bajo, ambos forman una mancuerna que sirve de base para toda la armonía en manos de Buckingham.

- Songbird y su hermosa letra, una total confesión de Cristy McVie quien habla de todos y a la vez de nadie, grabada con un piano Stainway de cuarto de cola,  un pequeño rezo a la memoria de las relaciones fallidas.

- Un reto fue grabar The Chain, unieron piezas de todos lados incluyendo un banjo sin trastes interpretado por John McVie, el eje de la canción fue un demo que Christine McVie iba a titular 'Keep Me There' sin embargo para la producción fue una odisea mezclar tantas pistas, el resultado una pieza épica, Fleetwood Mac unidos como en los buenos tiempos.

- You Make Loving Fun, letra de Christine McVie, mucho más simplista, utiliza un teclado especial llamado clavinet para la sección rítmica, es un puente para la parte final del disco.

- La siguiente pieza, I Don't Want To Know la compusieron Nicks y Buckingham al inicio de su relación muchos años antes de la grabación de Rumours, su tono festivo, su guitarra de doce cuerdas y las voces armónicas la hacen una pieza festiva y llena de entusiasmo, fue influenciada por Buddy Holly.

- La penúltima pieza, Oh, Daddy, salió de forma espontánea e incluye improvisaciones de guitarra de John McVie y blips de teclado de Christine McVie, es una referencia directa a Fleetwood, a quién la banda consideraba ‘el papá’, McVie comentó que las letras son ligeramente sarcásticas y se enfocan en la dirección que tomaba el batería para Fleetwood Mac, que siempre acababa bien. Nicks aportó las líneas finales ‘ … And I can't walk away from you, baby If I tried (Y no puedo alejarme de ti, cariño, aunque lo intentase) ...'

- Gold Dust Woman, una bella canción de Stevie Nicks que habla sobre sus adicciones en su estancia en Los Angeles y menciona varias cosas de su vida cosmopolita, la música incluyó un dobro magistralmente ejecutado por Buckingham, un auténtico free jazz, la última pieza de un disco memorable.