RadioJoshua - Disco de la Semana - La Canción de Juan Perro - Radio Futura

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... Del otro lado del mundo provino la inspiración, un grupo Madrileño con inclinaciones latinas, música vanguardista, valiente, sincera y sobre todo llena de hambre de trascendencia, una disco que marca el punto de inflexión del Rock Español

La Canción de Juan Perro - Radio Futura

Madrid, España, año de 1986, en el sótano de los estudios Ariola propiedad de RCA los hermanos Auserón y Enrique Sierra, aún sin baterista, ensayan las maquetas preliminares de su gran obra maestra, un disco que fue concebido  para expresar una época llena de logros artísticos en Madrid para posteriormente ser considerado como 'el más importante disco del Rock Español' por la crítica (a más de 20 años después de su lanzamiento), ya en 1981 habían hecho el intento de adentrarse en todos los ritmos latinos que pudiesen y las disqueras se reían a carcajadas con sus ideas sobre la música, fueron 5 años de autoconocimiento y de lucha por ganarse un lugar dentro de la escena madrileña que incluía a grupos con alta tendencia pop, sus dos primeros álbumes estaban más emparentados con el glam rock y la escena anglosajona, pero el cuarto disco los marcó para siempre, ese movimiento contracultural español fue tan intenso en todas las artes, Pedro Almodóvar en el cine, Gabriel y Galán en la literatura, el diario La Movida en la prensa escrita, Gorka de Dúo en la fotografía, el Hortelano en la pintura abstracta, Ágatha Ruiz de la Prada en la confección de moda, y en los lugares como la Vía Láctea, la sala Galileo Galilei y el bar el Pentagrama se vieron nacer a grupos como Nacha Pop, Gabinete Caligari, los Elegantes, Alphaville, Décima Víctima y a Radio Futura, en ese verano del 86, mientras del otro lado del mundo Maradona y Argentina se levantaban campeones del fútbol, Radio Futura inició los planes y las grabaciones con un equipo de grabación de los años 60's, las sesiones de trabajo para re orientar definitivamente su carrera y para demostrarle primero a Madrid, luego a España y más tarde a toda Iberoamerica que estaban listos para grabarse en las memorias de todos los hispanohablantes, quizás ellos no lo sabían, pero el viaje que había iniciado Herminio Molero y la Orquesta   Futurama en 1979 como un intento de copiar a Roxy Music se convirtió 8 años más tarde en el disco más recordado de toda la escena Rock Española de todos los tiempos.

' ... En 1981, cuando Hispavox se negaba a grabarnos el segundo elepé, íbamos allí con unas maquetas tituladas Rock latino y aquello provocaba auténticas carcajadas. [La canción de Juan Perro] supuso un punto de inflexión en nuestra carrera. Aprendimos que, si nos empeñábamos, podíamos conseguir lo que imaginábamos y que la música no se acotaba a la frontera de la península ibérica ...'

 - Enrique Sierra (entrevista a Rolling Stone México acerca del disco) -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1987

Discográfica - RCA Ariola

Productor - Radio Futura y Joe Dworniak

Recomendable si les gusta Bailando de Alaska y Los Pegamoides, El Momento de Nacha Pop, Continuará de Los Secretos, Ciudadanos del Imperio de Aviador Dro, El Desprecio de Alphaville, Cien Mil Vueltas de Gabinete Caligari, Rock And Roll Circus de La Orquesta Mondragón, Nuevas Mezclas de El último de la Fila y La Flaca de Jarabedepalo

El cuarto disco de Radio Futura fue sin duda la mejor obra de Rock Español de la historia, habían comenzado una historia desde 1979 con la formación de un grupo fugaz llamado La Orquesta Futurama creada por Herminio Molero gran artista que a la par de su trabajo musical se dedicaba a pintar cuadros conceptuales y con Javier Pérez Grueso daban el banderazo de salida a esta agrupación, poco después de que dejaran el proyecto se unieron a ellos los hermanos Auserón, Santiago y Luis de formación musical en París e Italia, llenaron un hueco enorme y se hicieron responsables de la conducción del grupo, tomarían el nombre de Radio Futura de la emIsora libre de Radio Italiana (Radio Ciudad Futura), cuando Enrique Sierra se integró al proyecto adquirieron mayor presencia escénica, con esta alineación primigenia en 1979 en el Ateneo de Madrid ofrecerían su primer actuación, de la cual se recibieron críticas favorecedoras, sin embargo sus 2 primeros discos no reflejaron el éxito en el underground madrileño, sería en su tercer trabajo llamado De Un País en Llamas que se hicieron famosos más allá de Madrid, tras la salida de Molero y Grueso también se hicieron de los servicios de un baterista todo terreno llamado Carlos Torero, él trajo los ritmos latinos necesarios para conformar La Canción de Juan Perro, Daniel Ponce un percusionista cubano exiliado en Nueva York contribuyó a las percusiones y a ese toque que solo los cubanos pueden imprimirle a la música, el productor Joe Dworniack trabajó con precisión compás por compás cada detalle del disco, la mezcla final se hizo también en Nueva York en los estudios de The Talking Heads, el producto de ese arduo trabajo se reflejó no solo en la venta de discos, sino a varias décadas posteriores con las criticas que ha recibido, la leyenda que surgió a partir de esas sesiones posicionan a Radio Futura como la mejor banda Española de Rock de todos los tiempos, el valor de La Canción de Juan Perro se denota también en la influencia que ha tenido sobre los grupos iberoamericanos.

Título del Disco

El título del disco proviene de una conversación de Santiago Auserón con Ricardo Teixidó, el gran baterista de otro grupazo llamado Danza Invisible:  ' ...Estábamos una noche de juerga por La Coruña y él me dijo que yo era un Juan Perro, un don nadie sin casa. Me gustó la imagen literaria. Todos somos Juan Perro ...'

Portada del Disco

Es obra de Luis Auserón, una acuarela que simboliza el camino cuesta abajo de un camión rústico sobre un fondo negro, las letras en blanco del nombre del disco y de Radio Futura.

Tracklist

1.   En Un Baile de Perros (Recomendación 4 Estrellas)

2.   El Hombre de Papel (Recomendación 4 Estrellas)

3.   A Cara o Cruz (Recomendación 4 Estrellas)

4.   Lluvia del Porvenir (Recomendación 4 Estrellas)

5.   La Negra Flor (Recomendación 4 Estrellas)

6.   37 Grados (Recomendación 4 Estrellas)

7.   Annabel Lee (Recomendación 4 Estrellas)

8.   Luna de Agosto (Recomendación 4 Estrellas)

9.   La Mala Hora

10. Paseo con el Gallo (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- En un Baile de Perros inicia de forma frenética con esa entrada de piano muy a la Fats Domino y Charlie Parker, las lineas de piano en free jazz, obra del maestro Pedro Navarrete, la Orquesta The Upton Horns en la sección de metales entre los dos le dan ese aire latino, la batería de Carlos Torero con un ritmo tropical bastante agradable, la guitarra de Enrique Sierra con algunos solos y la de Santiago Austerón llevando el ritmo, el bajo de Luis Auserón contrapunteando con líneas muy precisas, una buena forma de abrir el disco.

- El ritmo sincronizado de la batería de Torero y el bajo de Auserón en El Hombre de Papel, la guitarra rítmica del otro hermano Auserón y Sierra haciendo riffs llegadores con distorsión, la letra muy metafórica, el interludio vale enormemente la pena con esos mini solos y el final con armónicos.
- Una de las canciones más conocidas del disco y de Radio Futura llega con A Cara o Cruz, enorme canción que es intensamente filosófica, casi un tratado de frases coloquiales de la España de los 80's, una auténtica declaración de principios en la letra de la que se rescatan varias buenas frases 'No esperes hoy la tormenta de ayer 
no dura siempre las pena de este infierno 
y aunque el azul del cielo no es eterno 
hasta mañana no vuelve a llover', ese riff inicial de Enrique Sierra es memorable, pero también la sección de percusiones obra del gran percusionista cubano Daniel Ponce, el órgano Hammond que le da ese toque jazzístico pero a la vez de rumba fue obra de Pedro Navarrete, una clara muestra del enorme nivel que mostró el grupo durante la grabación del disco, la frescura del ritmo, lo atinado de las frases, la complejidad armónica y sobre todo la carga intelectual de la letra la ubican como una de las mejores canciones del disco.
- Juan Rulfo y su gigantesca obra Pedro Páramo le dan vida a la letra de La Lluvia del Porvenir una canción muy poco valorada pero que es una auténtica joya, 'los enemigos de este pueblo oscuro que ha de florecer, del cielo negro cae la lluvia, lágrimas de contentos inundan mis ojos' la sección rítmica es impresionante con esos arpegios complicados que hilvanan primero Enrique Sierra y luego Santiago Auserón, la parte del bajo es también muy rescatable pero lo que hace esta canción de buena a magnífica es la parte de las percusiones, de forma muy atinada combinaron el sonido de guitarras españolas con ese ritmo cubano llamado Son, elegancia, libertad y sobre todo virtuosismo, tremendo tema y es tan poco conocido a la vez.
- Una de las canciones más conocidas de Radio Futura llega con La Negra Flor, tema que amalgama de forma magistral ritmos tropicales como el son y la rumba con ese otro ritmo del caribe que es el Reggae, el espíritu de The Wailers, The Specials y The Clash está presente con esos cambios de ritmo impecablemente concebidos y ejecutados, el intro acústico del riff inicial enarbolado con las congas de Daniel Ponce y el sintetizador de Pedro Navarrete con esa frase inicial tan icónica 'al final de la rambla, me encontré con la negra Flor' estaban muy emparentados con varios grupos Españoles de Barcelona por lo que la amistad que los unía hizo que pudieran crecer con algunas influencias en el movimiento reagge de Barcelona de los 80's, esta canción una especie de tributo a esos orígenes, a destacar la cadencia del ritmo, la sección de metales con la Orquesta de Upton que le da sentido aún más festivo, en el interludio la canción de reggae se convierte en un rock preciso, directo y sin ataduras, esta canción fue editada como sencillo y es considerada una de las 100 mejores canciones del Rock Español según la revista Rolling Stone.
- 37 Grados y su ritmo merengue, las congas y los metales visten la letra en coplas de Santiago Auserón cuyo timbre de voz es tan característico como la Puerta de Alcalá, esa tesitura en su entonación hace que sea versátil, que le de lo mismo cantar tropical o cantar las baladas exquisitas de los discos anteriores, está más emparentada con los cantantes de ritmos tropicales del estilo de Pío Leyva, el piano de Pedro Navarrete me recuerda a Rubén González un enorme pianista de jazz cubano al que siempre se le dieron esos ratos de improvisación y los contrapuntos, 37 grados incluye un interludio festivo y extraordinario con la sección de metales en una franca tonada de rumba, el solo de Enrique Sierra es también extraordinario.
- La mejor canción de disco tiene la particularidad de que la letra es prestada por uno de los mejores escritores de la historia, Santiago Auserón tradujo el cuento de Anabel Lee obra de Edgar Allan Poe, el poema introspectivo, obscuro, denso quedó ambientado con una sección musical llena de matices negros, sin embargo la forma en que entretejieron el poema a la música es de destacar, ese poema es el último que se acreditó a Poe, como varias de sus obras habla de la muerte de una hermosa mujer, ese lado obscuro que tanto nos gusta de Poe llevado a la fantasía con batería, bajo, guitarras y sintetizadores, también Poe fue inspiración con este poema de Navokov y su ya clásica obra Lolita.
- Luna de Agosto y su ritmo de rumba, una vez más la conjunción de Rock y ritmos tropicales que sirvió de inspiración para una enorme cantidad de bandas de este lado del planeta, a destacar por lo menos dos, Ritmo Peligroso y Cafe Tacuba, lo cosmopolita de los integrantes de Radio Futura una vez más puesta a escena.
- La Mala Hora es quizás la canción menos afortunada del disco, una idea repetitiva una y otra y otra vez, es un blues latinizado, a destacar también los contrapuntos del piano de Pedro Navarrete.
- El Canto del Gallo fue el último sencillo que se editó y que tenía la particularidad de contar con un cómic obra de Max, una canción de veta popular que encuentra a Corazón de Tiza como su continuación años después.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Re de Café Tacvba

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... Un disco barroco en su construcción, universal en su expresión, variado en su instrumentación, un cocktail de ritmos y uno de los discos más importantes del Rock Mexicano, un clásico del que derivaron en influencia muchos de los grupos de crossover actuales, no es The White Album en español, se parece más a Graceland

Re - Café Tacvba

El día 4 de agosto del año 1997 apareció una columna muy polémica en el diario norteamericano The New York Times, el crítico musical John Pareles escribió una crítica del segundo álbum de la banda mexicana Café Tacvba donde se refería al disco como 'El White Album' del Rock en Español, semejante afirmación no hizo más que revolotear las aguas del Rockcito hecho en México, tal adjetivo que se le impuso, también haría muy pesada la responsabilidad de cuatro músicos formados en el underground de la periferia del Distrito Federal, un tanto ajenos a los grupos que surgieron de las entrañas de la misma, estos jóvenes, todos ellos estudiantes de licenciatura, vecinos de una parte de la mancha urbana de características tan distintas a la propia ciudad como lo es Ciudad Satélite se encontraron en un estado hasta ese entonces ajeno, el de captar todos los reflectores de su trabajo con este disco, no ha existido un disco tan variado, tan lleno de texturas musicales, innovador en su creatividad artística, pero sobre todo tan universal, en el caben todos los ritmos, desde el guapango hasta el norteño, la banda y el hard rock conviven codo a codo, desde las baladas para impresionar chavitos impresionables de secundaria hasta composiciones llenas de imaginación y virtuosismo, no es el Álbum Blanco del Rock en Español, dista mucho de serlo, lo que es seguro es que es un trabajo muy importante de la música hecha en nuestro país, de él han derivado una enorme cantidad de grupos que intentaron imitar el hacer comulgar la música popular mexicana con el Rock (muchos nos seguimos preguntando si en verdad eso es hacer Rock), además de significar por mucho el mejor trabajo del grupo hasta la fecha, una veintena de temas de buena manufactura del que se desprenden muchos de sus clásicos.
' ... En la revista se desviven en elogios para este material e incluso se animan a llamarlos los equivalentes mexicanos de The Beatles o de Radiohead. La publicación precisó que si bien los discos posteriores de la banda son tan buenos como Re, este álbum demostró que era "válido adoptar las influencias foráneas del rock & roll y del punk" con auténticos sonidos latinos ...'
Revista Rolling Stone México (acerca de Re)

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1994

Discográfica - Warner Music

Productor - Gustavo Santaolalla

Recomendable si les gusta Grandes Éxitos de Los Xochimilcas, Villa Jardín de Villa Jardín, Oso de Joselo, Energía Natural de Soluna (Gustavo Santaolalla), Bienvenido al Sueño de Rubén Albarrán, HopPol de HopPol (Los Zopirockets), Urraca de Alejandro Flores, Chúntaros Radio Poder de El Gran Silencio, Los Plebeyos de Los Plebeyos y La Verbena Popular de La Verbena Popular

     Después de un primer disco alegre y con una propuesta variada, Café Tacvba entró al estudio de grabación a finales de 1993 de la mano del gran productor Gustavo Santaolalla con la encomienda de hacer un disco único en su tipo en el Rock Nacional, lejos, muy lejos estaban esos días de Universidad cuando en los rumbos de la anacrónica Ciudad Satélite formaron un grupo que hacía covers de The Cure y de Def Leppard al que titularon 'Alicia Ya No Vive Aquí', lejos también estaban esas épocas donde fueron fuertemente criticados por no utilizar batería como fuente de ritmo de su agrupación, también algo lejanos esos intentos por encasillarlos en un género del que no eran los primeros, aquellas mezclas conocidísimas de ritmos folclóricos se las debían a un grupo jocoso de los 70's llamado Los Xochimilcas quienes empleaban la música para hacer verdaderas obras teatrales en su contenido además de divertidísimas letras (sin olvidar claro a ese gran grupo de Guadalajara llamado El Personal), de alguna forma no habían descubierto el hilo negro, más bien habían encontrado la forma de seguir ese hilo hilvanado por décadas y tal vez siglos de música popular en nuestro país, a la par de la salida de su primer disco, el homónimo Café Tacvuba ya se hablaba de ellos como una agrupación que prometía, pero fue hasta Re que Cosme (como se llamaba en ese entonces Rubén Albarrán), Meme, Quique y Joselo se fueron hasta los cuernos de la Luna por su gran obra, misma que hasta la fecha no ha sido superada en ninguno de sus trabajos posteriores, de algo puede jactarse siempre Gustavo Santaolalla, es sin duda el más grande productor de música en Español que ha tenido el Rock Iberoamericano, desde aquellos días que formó la primigenia banda argentina Arco Iris siempre había tenido la reputación de ser un visionario y explotar todas las cualidades musicales de las bandas con la que había trabajado, Re es una recopilación enorme de ritmos que van desde el más franco punk hasta las baladas norteñas, ritmos tropicales, huapangos, polkas, doo woop, jazz y blues le dan forma a este enorme trabajo que no solo retrata la enorme variedad musical de nuestro país, sino es un reflejo de la cultura nacional de la cual, Cosme y compañía le dieron forma al que es considerado por muchos uno de los 3 álbumes más influyentes del Rock Nacional.

Título del Disco

Re es la segunda nota musical.

Portada del Disco

La carátula del disco contiene una imagen de un caracol, por el contenido que en cierta forma es cíclico, veinte temas aparentemente sin ninguna relación y que sin embargo se entretejen una con otra, el fondo rojo entramado elegante  y prehispánico con las letras en amarillo.

Tracklist

1.   El Aparato (Recomendación 4 Estrellas)

2.   La Ingrata (Recomendación 4 Estrellas)

3.   El Ciclón (Recomendación 4 Estrellas)

4.   El Borrego 

5.   Esa Noche (Recomendación 4 Estrellas)

6.   24 Horas 

7.   Ixtepec (Recomendación 4 Estrellas)

8.   Trópico de Cáncer (Recomendación 4 Estrellas)

9.   El Metro

10. El Fin de la Infancia (Recomendación 4 Estrellas)

11. Madrigal (Recomendación 4 Estrellas)

12. Pez (Recomendación 4 Estrellas)

13. Verde (Recomendación 4 Estrellas)

14. La Negrita

15. El Tlatoani del Barrio

16. Las Flores (Recomendación 4 Estrellas)

17. La Pinta (Recomendación 4 Estrellas)

18. El Baile y el Salón (Recomendación 4 Estrellas)

19. El Puñal y el Corazón (Recomendación 4 Estrellas)

20. El Balcón

Momentos Cumbre

- Ese inicio de El Aparato con sus jaranas y sus maracas al estilo de los sones jarochos, de la autoría de Rubén Albarrán esta canción mezcla de forma inverosímil ese ritmo veracruzano con coros estilo africano que recuerdan a las grabaciones actuales de Amadou y Mariam, Quique Rangel y su aporte con el contrabajo que describe una línea de acompañamiento muy sutil pero que se percibe mejor al elevar los graves y las guitarras acústicas de Joselo Rangel, se añaden también algunas aportaciones de Meme con sus clásicos pianos con tonos infantiles.

- La Ingrata, una parodia de la música norteña con todo y el acordeón, los acordes en el clásico ritmo norteño se alternan con una tarola programada en los sintetizadores de Meme quien es el autor de la canción, Meme también añade ese clásico riff con su flauta de pan que simula de forma excelente las cuerdas que acompañan usualmente a una banda de redoba, Quique Rangel y su contrabajo dando el ritmo clásico de 2/4 alternado con el contrabajo que a veces hace figuras complejas y muy elaboradas, el interludio con Meme en la voz y la trompeta con sordina añaden el toque de teatralidad y de intensidad, es de destacar que fue el primer sencillo del disco y fue definitivamente la canción que catapultó a Cafe Tacvuba al plano del que no se les ha bajado hasta el día de hoy, una polka norteña gritona y festiva, que se ha tranformado al paso de los años en una canción clásica de slam, una de las grandes canciones del grupo sin lugar a dudas.

- Nopiltze que en náhuatl significa 'hijo mío' es parte de la letra de El Ciclón, canción construida a partir de la base de ritmo y sintetizadores de su coautor Meme del Real, de estilo funk en cierto modo con notable influencia en George Clinton y Billy Preston, tiene un riff muy conocido hecho con un clavinet, instrumento muy utilizado por Café Tacvuba en varias canciones de su discografía, los coros en contrapunto al final de la canción son a destacar y la guitarra con overdrive de Joselo Rangel para darle un intro a la canción que sigue.
- El Borrego y su ritmo punk, Rebel d'Punk, Johnny Rotten, the Kingsmen y el ala más radical del industrial como Ministry y White House convergen en esta canción, igual la base rítmica a 176 bpm de Meme quien de nuevo es el autor de la canción, Joselo aporta un mini solo de mediana calidad, la letra dista mucho de ser punk, cayendo definitivamente en la oligofrenia.
- Un pequeño homaneja a Chabela Vargas se hace presente en Esa Noche, una delicia crooner con todo y trajes, el riff uno de los más reconocidos sin lugar a dudas con esa guitarra rítmica típica de los tríos con sus contrapuntos con maracas y los acordes bien definidos y arpegiados con elegancia, la letra es cantada con las voces entremezcladas de Rubén Albarrán y Meme del Real, el violín que aparece es ejecutado magistralmente por el mismo Meme en su sintetizador, al final coro y versos son armónicamente cantados por todos, una hermosa pieza de bolero, esa frase final 'mi soledad siempre ha pertenecido a ti' 
- 24 horas y su mezcla electropop con matices de huapango en los interludios, coros armonizados al estilo pop ochentero y que más tarde volverían a copiar en Vale Callampa, el disco que hicieron homenaje a Los Tres en su canción 'Olor a Gas', de repente el cambio de ritmo a doo woop y alcanzando tintes de ska, una pieza ecléctica y llena de ritmos, la letra habla de la agitación de la vida moderna.
- Ixtepec y sus guitarras acústicas casi en flamenco de Joselo Rangel hacen eco con la caja de ritmo detrás de las mismas, una vez más esa habilidad en la programación de percusiones y ritmos de Meme del Real se hace presente (son únicas en el Rock Mexicano) y una vez más también su sello se hace presente con su melódica, Ixtepec es un pueblo de Oaxaca y la letra retrata un cuento popular de la región de un español enamorado de una oriunda del lugar.
- Trópico de Cáncer y su ritmo con guitarra arpegiada y percusiones con cajón flamenco, una canción que lentamente progresa hasta contarnos la historia del 'Ingeniero Salvador un puente entre el salvajismo y el modernismo', los sobrevivientes de San Juan Ixhuatepec se hacen presentes en los coros, un tinte de tragedia envuelve a esta canción.
- El Metro y su ritmo de doo woop, con lírica que retrata el devenir diario de más de 20 millones de usuarios al día, a destacar esos contrapuntos en el piano de Meme del Real al estilo de Art Tatum y Earl Hines.
- El Fin de la Infancia y su fusión entre la banda sinaloense y el ska, al parecer y extrañamente está emparentada con la obra del mismo nombre de Arthur C Clark donde los niños son convertidos en una super especie, raro pero así es.
- Alejandro von Humblot fue el primero en denominar a la Ciudad de México como 'La Ciudad de los Palacios', frase con a que inicia Madrugal, una canción con ese ritmo que dio Cuba al mundo llamado Bolero, con su clásico compás de 3/4, su guitarra en requinto y su acompañamiento con claves y maracas, una pieza digna de Agustín Lara o de Bonet de San Pedro.
- Verde y Pez son dos canciones emparentadas, una historia contínua que fue dividida en dos partes, ambas con excelente confección rítmica e instrumental, Pez es más una balada rock pop con tintes de electropop, Verde es su contraparte más introspectiva, llevada al límite de lo etéreo, sin duda la mejor canción del disco en menos de 2 minutos de duración, aquí se marca la tendencia hacia su posterior obra que fue Revés/YoSoy y está muy emparentada también con lo que sería más tarde su canción 'El Espacio'
- La Negrita y su ritmo indefinido como un son y hasta con tintes de huapango, destaca el ritmo del contrabajo de Quique Rangel.
- El Tlatoani del Barrio es una canción que retrata la relación de pareja que llevaban los padres de Rubén Albarrán, a su papá le apodaban de esa forma, era un ex habitante de la colonia Guerrero y la Lagunilla, una de esas canciones típicas de los inicios de Cafe Tacvuba, ese estilo les costó un poco de trabajo ir dejando de lado para sus obras posteriores, es una canción de transición.
- Las Flores, obra llena de alegría y ritmo, un son jarocho mezclado con huapango mezcladas ciento por ciento por Meme del Real quien definitivamente es el autor de los grandes hits de Cafe Tacvuba, ese inicio con jaranas es clásico con las arpas con todo y sus síncopas y contratiempos, nuevamente la melódica de Meme se hace presente para armonizar lo que Quique Rangel sigue con su contrabajo, Joselo soportando la armonía con sus aportes en la guitarra rítmica esos ya clásicos contrapuntos de piano, es una canción completa, compleja y llena de virtuosismo, que aparte de todo se convirtió en todo un himno de chavitos de secundaria impresionables.
- La Pinta, de las pocas canciones de Rock del disco, su ritmo programado en sintetizadores y sus guitarras en riffs poderosos emulando a las buenas épocas de The Melvins y de los Stooges.
- El Baile y el Salón, una canción que muy extrañamente se hizo la más popular del disco y que sin embargo aún genera dudas sobre todo por su letra que aparentemente menciona una relación homosexual, el coro inicial con el que usualmente se pide la canción en sus conciertos va acompañado de una progresión de bombo que fue programado a un ritmo más o menos tipo balada rock, la guitarra de Joselo Rangel es como una idea obsesiva que se repite una y otra vez al intro de la canción, el interludio remata con una frase en francés que dice mas o menos voulez-vous coucher avec moi? (¿quieres ir a la cama conmigo?) un muy buen solo de guitarra acústica se encuentra en la canción obra del mismo Joselo Rangel, al final termina la guitarra con efecto wah lo que le da ese toque disco a la canción.
- El Puñal y el Corazón y su ritmo acelerado al final con todo y su orquestación, semejante a un mambo pero con tintes de música regional cubana, a destacar que el mambo no es más que un danzón acelerado, la letra muy atinada para esas noches de copas pero sobre todo ese final al estilo de las grandes bandas tropicales de los 70's como lo fueron las bandas de Benny Moré y de Pérez Prado.
- El Balcón y esa enorme forma de convertir una balada en un tema obscuro e introspectivo, hermosa composición de piano y batería al estilo de las grandes bandas de Jazz, es la canción más romántica del disco y es un tema tan poco conocido a la vez.

RadioJoshua - Disco de la Semana - Fome de Los Tres

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... La mejor obra de Rock Chileno de todos los tiempos, un disco trascendental en el Rock Iberoamericano, un trabajo con personalidad y magia que al paso del tiempo ha recobrado importancia por su gran calidad lírica y musical

Fome - Los Tres

La ciudad industrial, cultural y universitaria de Concepción en Chile es un crisol de todas las regiones de aquel país, el Chile de finales de los 80's era un sitio que hervía en talento y deseo de expresión cultural, en esa región vió gestarse un movimiento artístico sin precedentes, después de que esa localidad fue azotada por décadas de la dictadura Militar y la dejó privada de toda expresión cultural. En sitios como el Palacio de Hirmas, La Casa Esqueje y el Arco de la Universidad fueron los sitios donde comenzó todo lo que hoy conocemos como Rock Chileno, esta zona del país sudamericano vio nacer a los pioneros de ese género como lo fueron  Emociones Clandestinas y Santos Dumont, fue testigo del épico concierto de Los Prisioneros en 1991 y donde años después hacían sus pininos Los Bunkers, esa ciudad también vio nacer, en el año de 1987 a una banda integrada por 4 enormes músicos, un año atrás, un joven músico llamado Roberto Lindl se encontraba en Austria estudiando jazz y música clásica, a su regreso se encontró con otro prodigio, un tal Álvaro Henríquez que regresaba de estudiar arte en París y que había unido fuerzas con Francisco 'Pancho' Molina, como propuesta tenían una extraña mezcla de jazz y rockabilly y no tardaron en hacerse notar más allá de su ciudad, a la par de sus trabajos de planta como contrabajistias y chelistas de la Orquesta Juvenil de Concepción, su debut un tanto atípico se dió paralelamente a la ambientación de una obra de teatro inspirada en Andy Warhol, su gran talento y toda la publicidad que se generó en esos tiempos llamaron la atención de otro músico de familia de abolengo, un tal Ángel Parra (pariente de la más grande folklorista que ha dado sudamérica, la entrañable Violeta Parra), notable guitarrista que en 1988 se encontraba regresando de terminar estudios en California, con semejantes credenciales musicales la banda no hizo otra cosa más que convertirse desde su creación en la referencia del Rock Chileno hasta la fecha, lo que comenzó como un hobbie de hacer covers de Chuck Berry, Gene Vincent y Elvis Presley culminaron con su punto más alto de creatividad en 1997, su mejor disco canción por canción por el enorme talento que  desborda, por la elegancia y pulcritud de su grabación, por lo complejo de sus letras y por la trascendencia en toda una generación de músicos más allá de sus fronteras, todo ello es sin duda Fome.
' ... Más que noventas o los mejores equipos, (todo ese toyo que a esta edad no corresponde) es un disco lleno de música, tanta que yo aún sigo descubriendo algunas cosas y eso me parece de miedo ...'
Álvaro Henríquez (sobre Fome a 10 años de su grabación, confesión hecha en 2007)

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1997

Discográfica - Sony Music Columbia

Productor - Joey Blaney, Los Tres

Recomendable si les gusta Pettinellis de Pettinellis, La Hora Feliz de Ángel Parra Trío, Vale Callampa de Café Tacuba, Las Cuecas del Tio Roberto de Roberto Parra Sandoval, Esencial de Inti-Illimani Histórico, Ciudad de Pobre Corazones de Fito Páez y Abajo de la Costanera de Emociones Clandestinas

     En Marzo de 1997, en los estudios de Bearsville en Woodstock, Nueva York Los Tres grabaron el cuarto disco de su histórica carrera musical, sería el penúltimo disco que grabarían con la alineación original de Molina, Henríquez, Lindl y Parra, paradójicamente, meses atrás se habían encerrado en el enigmático convento de San Alfonso al sur de la Región del Biobío a ensayar las canciones que durante años Álvaro Henríquez había concebido para retratar su lado más obscuro y a la vez más prolífico, del enorme talento que desbordaron durante los 3 meses que duró esa especie de retiro musical nació Fome, obra cumbre y elocuente de la mente de cuatro genios, virtuosos en sus habilidades y grandiosos en sus aspiraciones, en Chile no había nada parecido a lo que ellos hacían y paralelamente en todo el continente, estaban más emparentados con la escena de Jazz francesa de los 80's, con todo el Western de Hank Williams y The Family Carter, con la música tradicional chilena de las Cuecas y con el Folk Andino de Violeta Parra y Victor Jara, ningún trabajo ha sido más complejo en cuanto a estructura, letras, percepción musical y sobre todo a la enorme calidad interpretativa, de aquel debut en el Gimnasio de Lord Cochrane solo quedaban algunos esbozos, a partir de esa fecha Los Tres entraron a la élite musical en español, esta obra ha inspirado a tantas bandas actuales que es dificil imaginar el Rock en Español sin sentir la gran influencia de Los Tres, este disco es como un gran cuento que se va narrando canción a canción, una relación que no fue trabajada conscientemente y sin embargo esa forma de hilvanar emociones es digna de destacarse, tras el frío invierno chileno, en un sitio rodeado por montañas y glaciares, en esos rincones boscosos, Fome tomo forma como el pináculo del talento de uno de los últimos grupos clásicos del Rock en Español, una foto panorámica de una región que sigue extrayendo gran música de su contracultura y de su nostalgia.

Título del Disco

Fome es un modismo chileno para describir algo 'aburrido' o 'sin sentido'

Portada del Disco

La carátula del disco contiene una fotografía que corresponde a un anuncio publicitario de la enciclopedia Monitor, de Editorial Salvat, de la década de 1960.

Tracklist

1.   Claus (Recomendación 4 Estrellas)

2.   Bolsa de Mareo (Recomendación 4 Estrellas)

3.   Toco Fondo (Recomendación 4 Estrellas)

4.   Olor a Gas (Recomendación 4 Estrellas)

5.   De Hacerse se va a Hacer 

6.   Antes (Recomendación 4 Estrellas)

7.   Fealdad

8.   Jarabe Para la Tos (Recomendación 4 Estrellas)

9.   Libreta

10. Me Arrendé (Recomendación 4 Estrellas)

11. Silencio (Recomendación 4 Estrellas)

12. La Torre de Babel (Recomendación 4 Estrellas)

13. Pancho (Recomendación 4 Estrellas)

14. Restorán (Recomendación 4 Estrellas)
15. Largo (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- Claus y su estilo de Western Country y Rockabilly, la guitarra con una gran dosis de trémolo del maestro Angel Parra se une al contrabajo constante y dinámico de Roberto 'Tetae' Lindl con ese toque jazzístico que solo un contrabajo contrachapado de madera Corelli puede darle a una canción, una canción que tiene un ritmo de balada clásico en 4/4 del gran Francisco 'Pancho' Molina manteniendo el compás con la frialdad y exactitud de un reloj suizo, los efectos de sonido son obra Lindl con su órgano Hammond dándole aun más teatralidad a la interpretación, Álvaro Henríquez aporta toda la armonía con su guitarra rítmica, los fantasmas de Hank Williams, Willie Nelson, Waylon Jennings y Johnny Burnette mezclados para abrir el disco.

- Bolsa de Mareo, una canción densa, llena de lamentos de cuerdas y coros apasionados, los versos son una catarsis, una batería en ritmo acelerado para los versos y con redobles para los coros, la guitarra slide de Ángel Parra llena los pocos espacios que quedan con esa tesitura que solo se logra dominando el efecto de hacer vibrar las cuerdas con el metal, mientras Henríquez hace sonar con estrudencia en riffs llenos de rabia, una canción que se editó como primer sencillo del disco con un final emocionante.

- La calma llega con el flemático y nostálgico tema Toco Fondo, hermosa letra, evocadora y hasta por momentos romántica, sus cambios de ritmo y su armonía, esos contrapuntos de la guitarra de Ángel Parra son un suspiro y una pausa para el lucimiento de Henríquez con sus rasgueos, la figura de bajo que interpreta Lindl son la amalgama para un Molina inspirado detrás de los tambores, como hacen para hacer tan naturales los cambios de ritmo, como lograr esa cohesión entre líneas y hacerlo ver tan sencillo, aquí s nota la maestría de un grupo que se conoce a la perfección, un tema que es además elegante en su desarrollo.

- Olor a Gas destila nostalgia con cada acorde y nota, la memoria de una época de dictadura militar se siente, se oye, es una historia narrada en voz de cualquier persona que haya vivido en Chile entre 1973 y 1990, el recuerdo de los desfiles militares, de la ropa de campaña, de todas aquellas malas prácticas de un gobierno que privó de tanto a un pueblo que exigía calladamente y con temor justicia y democracia, todo lo que narra Álvaro Henríquez llena de imágenes a quienes la escuchan, el sostiene los acordes para que la guitarra slide de Parra inunde los silencios que dejan cada nota y que tienen esa magia de hacerla más evocadora, el solo es de los más bellos que se pueden encontrar en la discografía de Los Tres (tal vez solo detrás de Cerrar y Abrir), la batería y el bajo comulgan en una plegaria a la injusticia, grandes son los grupos que retratan con tanta belleza la tragedia, recuerdo Spanish Bombs de The Clash y su retrato musical de Guernica, también recuerdo People Of The Sun de Rage Against The Machine, recuerdo muchas canciones que narran las tragedias humanas y puedo pensar que esas lecciones de vida solo pueden narrarse de esa forma.

- Otra canción de la dictadura, inspirada en ese obscuro pasaje del General Álvaro Corbalán conocido torturador del gobierno de facto durante su traslado a prisión, una sombría canción llena de amargura, dolor y muerte, De Hacerse se va a Hacer muestra a Los Tres en su dominio del estilo Rockabilly, se nota la gran influencia de Roy Orbison y de Carl Perkins, las guitarras con trémolo, un sello también de los grupos Country de los 50's o de Johnny Cash, Hank Williams y Jimmie Rodgers.

- Antes es una enciclopedia de ritmos y una clase de interpretación en las percusiones, el maestro Francisco Molina se luce en su ejecución desde los ritmos pausados de 4/4, redobles, contrapuntos, sincopados, remates, hay de todo incluyendo mini solos en los versos, las guitarras haciendo armonías sólidas y sin recovecos, la letra muy obscura, densa como casi todas.

- Fealdad y su armonía construida con un acordeón interpretado magistralmente por Roberto Lindl es un tema poco valorado, pero vale la pena los apenas 3 minutos que dura, no solo por su letra sino por su calidad, el espíritu de esas grandes composiciones del Huaino Peruano, de la polca Paraguaya, del Mussete Francés y de la Cueca Chilena reviven en esta canción, tan emparentados en ritmos y tan separados por kilómetros, es impresionante la historia de como un instrumento ha hermanado musicalmente tantas culturas como lo es el acordeón, en Lindl reviven intérpretes tan cercanos como Astor Piazzola y Anibal Triolo y tan lejanos como Esteban Sagaste y Valerio Longora.

- Jarabe para la Tos, gran tema, un riff famoso y musicalmente una maravilla, una armonía compleja y a la vez minimalista, construida a partir de una maqueta de free jazz llega en momentos a ser un Rockabilly ampliamente disfrutable, el bajeo de fondo de Ángel Parra valen la pena cada segundo de la canción, una letra infantil hasta cierto punto y esos contrapuntos con la guitarra de piso de Henriquez le dan ese toque casi místico.

- Libreta, un tema de rock clásico, el bajo de fondo al estilo Zeta Bosio o John Entwistle y los golpes de batería muy en cercanía con Keith Moon, John Lennon presente como influencia en esta canción, que se parece mucho a I Don't Wanna Be a Soldier.

- No hay canción más introspectiva en toda la discografía de Los Tres como Me Arrendé, tema del maestro Álvaro Henríquez quien exorciza a todos sus demonios en su confesión personal, el solo, con su guitarra, con su dolor y sus memorias nos presta un trozo de su alma para contar la historia que podría ser la de cualquiera de nosotros.

- Silencio es una fiesta, el ritmo festivo y las guitarras son la contraparte de la anterior, un tema que cantan todos, un coro pegajoso lleno de emotividad, la letra suave se va narrando como una historia alegre, el ritmo de la batería en 3/4, el bajo como un polka, los riffs de guitarra obra de Ángel Parra que nos demuestra que por sus venas corre el talento de más de 3 generaciones de grandes músicos.

- Talento y genio es lo que tiene La Torre de Babel un verdadero clásico de Los Tres, la letra es una fábula extraordinaria digna de cualquier cuento obscuro de HP Lovecraft y a la vez muy Dickeniano, la música acompaña al tema de forma magistral, le da pausas, contenido e historia, un híbrido de Rockabilly y Country, vaya forma de dominar ambos estilos, la batería solo con bombo y tarolas (como lo hacen ahora grupos como Perroskys, o Pietro Viaja al Cosmos con Mariano, entre otros), Álvaro Henriquez nos vuelve a demostrar su genialidad en un tema que culmina con una frase alusiva a la dictadura, los interludios son de destacarse por su elegancia, Ángel Parra en su papel de cronista, la mejor canción del disco sin lugar a dudas.

- Pancho, una canción emotiva pero a la vez muy triste, la historia de un amor imposible con esos tintes Folk al estilo Bob Dylan y Donovan con otra magistral interpretación del acordeón de Roberto Lindl, una frase hermosa 'tiende a compartir las cosas más claras, viaja y busca en vano el camino del sol'

- Restorán y su rock ácido, crudo con una letra muy irónica, sin embargo cumple al ser un tema atípico.

- Largo, un tema instrumental a manera de outro, muy buen tema jazzístico improvisado y con una elegancia descomunal