RadioJoshua - Disco de la Semana - Tarará de Gerardo Enciso

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... Una de las más grandes joyas del Rock Mexicano, una obra tan vasta y a la vez tan desconocida, apreciada por muy pocos que se han venturado a explorarla, música para auténticos conocedores, Gerardo Enciso nos regaló uno de los 15 discos más importantes que ha tenido nuestro Rock desde 1950

Tarará - Gerardo Enciso

Leyendas hay muchas, mitos otros tantos, pero ser mito y leyenda a la vez es casi una casualidad de la vida, de esas casualidades que ocurren solo pocas veces, el destino tiene esa capacidad de dotar a seres elegidos con el don de la creación musical, el arte más difícil de dominar porque emplea el vacío alojado en el silencio como punto de partida, y se crea a partir de un lenguaje abstracto, tan abstracto y diferente como las matemáticas, en la sociedad conservadora de Puebla en el año 1962 nació una de esas mentes brillantes y superdotadas, desde niño se avecindó en la ciudad de Guadalajara  misma que lo adoptó y formó una simbiosis con el amplio terreno cultural de ese lugar,  los bares cercanos a la UdG, el Parián y otros tantos lugares de la vida nocturna fueron testigos de como nacía el mito, el músico de culto por excelencia que no solo regala su arte muy pocas veces, lo da a cuentagotas, lo administra sabiamente para aquellos  que saben apreciarlo, por lo que pasa desapercibido, es desconocido para la mayoría de la gente, sus discos son escasos, sus presentaciones son muy pocas, sus apariciones públicas casi inexistentes, su vida privada y lo muy poco que se sabe de ella, pero ahí están sus canciones, su música, su pedazo de alma disponible para quien lo quiera tomar, para todo aquel que visite esas atmósferas que crea con sus amigos músicos, la crema y nata de la escena nacional ha colaborado con él,  música, poesía pura, teatralidad, sonidos que emanan de un espíritu hermanado con otros tantos comparsas desconocidos como Oscar Fuentes, como El Personal, como Fernando Toussaint, como Nina Galindo, como Antonio Páez, como el escritor Ricardo Castillo, así debe ser un músico que es mito y leyenda, así debe de darse a conocer, con una obra monumental como lo es Tarará,  Gerardo Enciso, el único músico de culto que nos queda en la escena del Rock Mexicano.

' ... Gerardo Enciso musico mexicano con diversas influenicas, magnifico letrista uno de sus materiales mas logrados en cuanto balance, un discazo ...'

 - Chinampa Récords (El blog en su crítica del disco Tarará)  -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 2000

Discográfica - Fugazzi Records

Productor - Gerado Enciso - Universidad de Guadalajara

Recomendable si les gusta Nocturnal de Alejandro Marcovich, Hombre Invisible de Ely Guerra, Sangre Asteka de Sangre Asteka, Odio Funky, Temas de Buró de Odio Funky, Nine Rain de Nine Rain, Nordaka de Jaime López, Hurbanistorias de Rodrigo González, La Música Escarlata de Arturo Meza, La Rabia de los Locos de Rafael Catana, la Poesía de Ricardo Castillo como son sus obras Cienpiés tan Ciego y Nicolás el Camaleón y el disco Oh Mercy de Bob Dylan y The River de Bruce Sprigsteen

Compositor de Culto, así se puede denominar a Gerardo Enciso, un artista tan influyente en la escena rock del occidente de México, tan importante como lo fue El Personal, a Enciso sin embargo el tiempo le ha traído cada vez más seguidores y reflectores, desde su trabajo inicial con el ya clásico A Contracorriente, un disco imposible de conseguir, pasando por su segundo material el imprescindible Cuentos del Miedo del que se desprendieron enormes temas como Daga, Cadaver, Aire entre otros tantos, su mejor disco sin duda alguna, y uno de los mejores discos que se han editado de Rock en nuestro país el cual sigue siendo un portento de realización lírica y musical, es Tarará, Enciso es un artista del que se sabe muy poco, sin embargo para aquellos que han tenido la oportunidad de conocer su obra deja siempre la grata impresión de estar ante un gran artista, ya había creado varios temas famosos como Amo a mi País, y sus interpretaciones famosas del Fantasma de Canterville y de El Pianista, Enciso está más emparentado con la escena musical del underground mexicano, con artistas como lo son Alejandro Marcovich, Nina Galindo, Fernando Toussaint entre otros, la base de sus composiciones se podría situar a medio camino de Steven Brown y Bob Dylan, sus letras ácidas, mordaces, directas, metafóricas y poéticas, en el año 2000 nos regaló una placa consistente en 17 temas llenos de rock en su estado puro. Fue considerado por las revistas especializadas como el mejor disco de Rock en Español en el año de su lanzamiento y es el único álbum de un músico de nuestro país en figurar en el Top 1000 de la revista The Best Music.

Título del Disco

Hasta la fecha no hay una versión fidedigna del título del disco. Tarará es una palabra usada en el idioma español para designar el futuro indicativo.

Portada del Disco

Una pintura con técnica al óleo y pirograbado obra también de Gerardo Enciso

Tracklist

1.   Mírame Desaparecer (Recomendación 4 Estrellas)

2.   ¿Donde Estarán? (Recomendación 4 Estrellas)

3.   El Abuelo (Recomendación 4 Estrellas)

4.   El Vino (Recomendación 4 Estrellas)

5.   Sol Inhalado (Recomendación 4 Estrellas)

6.   Una Mirada Así (Recomendación 4 Estrellas)

7.   La Rockola (Recomendación 4 Estrellas)

8.   Sueño #10

9.   Guadalajara Otra Vez (Recomendación 4 Estrellas)

10. Exquisito Cadaver (Recomendación 4 Estrellas)

11. Salamandra (Recomendación 4 Estrellas)

12. La Niña I 

13. La Niña II (Recomendación 4 Estrellas)

14. Flor del Mal (Recomendación 4 Estrellas)

15. La Vela  (Recomendación 4 Estrellas)

16. La Busqué ... La Encontré (Recomendación 4 Estrellas)

17. Tarará (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- El disco inicia con una marimba sampleada y los riffs de guitarra con distorsión en Mírame Desaparecer, una canción llena de rabia y con letra ácida, un cuento de un suicidio en primera persona, desgarradora de inicio al final, Gerardo Enciso es un maestro para contar historias, por lo que a todo lo que narra le añade un toque de anecdotario, durante los interludios se unen un conjunto de metales al estilo redobla, una mezcla entre norteño y rock pero con tintes de progresivo, en uno de los versos recita 'mírame desaparecer, podría vivir pero estoy muy joven y no quiero'. En la grabación de la mayoría de las canciones de Tarará intervino en la guitarra el maestro Alejandro Marcovich quien le añadió su ya tan característico sello a la guitarra, esta canción contiene también trazos de un contrabajo del maestro Eliuth Navarro para armonizar el acompañamiento y acordeones, gran tema.
- Una guitarra con una hermosa melodía y efectos de aqua abre el tema de ¿Donde Estarán? una bella balada rock, la batería de Alex Meludis y esos riffs que emanan de la guitarra de Alejandro Marcovich, esta es una de esas canciones que pasan a la posteridad no solo por la letra, la cual es punto y aparte, hay versos tan delicadamente encajados y elaborados que derriten el hielo, hay uno en particular que dice 'cambio el color del cielo, ya son las 6 y solo siluetas veo, ¿donde estará tu amor?, ¿donde lo espero?, ¿donde estará tu amor?, ¿donde lo esperas?' el solo es una belleza por donde quiera que se le vea, el ritmo entre funky con esa guitarra con wah y un soft rock que recuerda los buenos tiempos de Seals & Crofts y a Captain & Tennille, el final es épico, sin aspavientos envían esos últimos acordes que suenan únicamente con la batería.
- El Abuelo es un tema extraordinario, la armonía de Solamente Una Vez de Agustín Lara se hace presente no solo en la música, también en la letra hay evocación al gran Flaco de Oro, El Abuelo es una canción hecha a partir de una estructura de jazz, el piano suena a Thelonius Mink pero interpretado en las manos prodigiosas del maestro Marcos García, la batería de Daniel Kitrosser elabora una estructura compleja de notas fantasmas y contrapuntos, hay jazz pero también hay gran aporte a la estructura de Eliuth Navarro quien ejecuta con precisión líneas que van desde el jazz hasta el blues, el interludio es de una belleza celestial, ese solo de piano a la mitad de la canción es de destacar por su construcción, el acompañamiento de guitarra, la voz y esas frases que recuerdan la niñez de todos los que la palabra Abuelo significa tanto, sí abuelo, es Solamente Una Vez dice un verso 'era un inmenso jardín, trompo, tortugas y no había que hacerle al faquir, solo, ese bastón del abuelo, bebiendose el disco de Agustín Lara', de la edad de la inocencia, de la infancia de todos nosotros.
- El Vino es una canción Rock prototipo, el inicio al estilo AC/DC con un riff poderoso de Lalo Green, hay también reminiscencias a Grand Funk Railroad, en los contrapuntos, la batería con su ritmo de rock clásico en 4/4 con algunas modificaciones, una guitarra con overdrive y la otra con wah para darle ese aire de antiguo al tema, la letra es mordaz, dura y sin miramientos, una apología y diátriba a una muer, es hasta cierto punto misógina, el solo que teje Marcovich en la guitarra es áspero, muy directo, 'lo que me hace humano es el vacío y nada más, el vino es buen amigo, pero como todo buen amigo, te puede traicionar' dice Gerardo Enciso en uno de los versos, también hace recordar a los primeros trabajos de Iggy Pop and The Stooges, a Dinosaur Jr, a MC5, suena a todo lo duro del rock en tan solo 2 minutos.
- Son Inhalado es uno de los mejores temas de Gerardo Enciso a lo largo de su carrera, es una canción impresionante, tan breve que nos deja queriendo más, ese inicio con armonía de órgano y piano, con la guitarra con un efecto muy raro y la letra que nos habla sobre los excesos de la vida nocturna, de mujeres, de amor y odio, los coros son de Ely Guerra, su voz le aporta un aire místico y celestial, el demonio y el ángel hablando en la misma canción, un demonio que cuenta sus aventuras de excesos y el ángel que lo regresa a su realidad humana, 'no es este sol el que enloquece a la gente, no es este bar el que envenena mi mente y la ciudad se esconde de repente en la intimidad', el interludio al estilo Bodeville, y al final del tema uno de los mejores outros que he escuchado en la vida, un pandemonium de sonidos y ese redoble en el encore, bajo, batería, guitarras y piano, todos saben a donde van y todos terminan la canción en un huracán de sonidos que dura poco más de 20 segundos, este tema es una apoteosis de talento de todos los que hayan participado.
- Una Mirada Así, canción donde se conjugan las voces de Jose Fors y de Enciso, un rock de buena manufactura al estilo Nick Cave and the Bad Seeds, pero también hay Deep Purple, hay Rainbow, hay Yardbirds y también algunas cosas de Eric Burdon and The Animals, hay es decir, el rock hecho a la medida de un músico que se sabe capaz de elaborar una canción que cantarán dos fieras de la voz, que la letra es mordaz y pasional, que no le da miedo dejar el papel protagónico para la narración y que su música es suficiente para darle rienda a los músicos que están con el, es un blues rock a la vieja escuela, la batería y el bajo haciendo su trabajo de sostener los embates de riffs que salen de las guitarras y el piano en su papel de apoyo y contrapunto, Rock del que ya se hace muy poco, de ese que somos fans la mayoría de mortales.
- La Rockola es otro temazo, ese intro con el riff entrecortado nos recuerda otros tantos temas que empiezan con ese estilo, difícil de lograr el acople cuando se tiene que interrumpir una nota, pero aquí sale tan natural que asombra, la letra es una belleza, un auténtico poema que vale la pena solo o acompañado por la música 'miro el reloj, las horas pasan y estoy, a punto de perder la cabeza, yo se que solo el dolor nos limpia y cura este amor, que gira en una esfera distinta', la batería en su papel de darle ritmo a esta balada rock, el bajo apostando a la constancia más que al virtuosismo s¡n embargo entrega grandes momentos en los coros y en el interludio se hace gala de una gran capacidad de improvisación, el solo es una maravilla, Marcovich y su gran capacidad interpretativa, es en si mismo otra historia esta lleno de sentimientos y de coraje, se aprecia por los bends, por los ligados, por su forma de hacer escalas y de explorar las notas a lo largo de su duración, cuando se suma el bajo casi al final es un ritmo que va hacia el rock clásico al estilo Led Zeppelin con su estilo de palm mute, casi todos los temas son asi de buenos.
- Sueño #10 es similar en su construcción a otras tantas canciones del Rock estilo Música Concreta, esa que John Cage fue pionero e inspiró a otros tantos, como John Lennon en su Revolution 9, a Bruno Maderna y su Hyperion o a Franco Donatoni y su Black and White o al Español Luis de Pablo con su Móvil II y al francés Pierre Bourlez con su Philophonia, música hecha a partir de grabaciones superpuestas tan de moda en estos días, se diferencía del sampler en que no se alteran los sonidos y se construyen sin alterarse y se acompañan de instrumentos reales.
- Guadalajara Otra Vez es un tema festivo, que inicia con un bajo en ritmo latino y un saxofón con aire a la vieja Habana, un estilo similar a lo que El Personal ya había hecho antes, también semeja el estilo de Naftalina y su gran combinación de instrumentos jazzísticos, en esta canción quedan de manifiesto muchas características de esa ciudad, se citan lugares tan icónicos como lo son el Parián, las plazas, la UdG, el Cipriano, entre otras tantas cosas, el sol, el calor, la fiesta se visualizan con esta canción.
- Los aires de oriente en particular del norte de Egipto, Marruecos y los sonidos de las tierras de oriente medio se escuchan en las primeras notas de Exquisito Cadáver, el sistema musical árabe emplea otro lenguaje, son para empezar 24 cuartos de tono, por lo que es muy complejo entenderlo para los que hemos escuchado pura música occidental, esta canción emplea cítaras, darbukas, laúdes, tambor de copa y zurnas, es una canción hipnótica, nos recuerda los experimentos previos de The Beatles con Within You Whitout You, en los coros la voz de Ely Guerra que hace voces al estilo de su interpretación del duelo con el grupo La Ley.
- Salamandra es otro tema áspero de letra muy explícita, un tema que nos vuelve a recordar el estilo de Iggy Pop and The Stooges, un rock clásico de buena manufactura.
- La Niña I abre con un solo de bajo que nos recuerda al maestro Jaco Pastorius en sus canciones clásicas como Portrait Of Tracy, otra canción conceptual.
- La Niña II inicia con su ritmo repetitivo, una especie de mellotrón le da inicio a este tema, de letra muy introspectiva y da paso a la narración de un cuento en voz del gran Ricardo Castillo, música y poesía como ya habían hecho antes en Daga de su disco Cuentos del Miedo y en su proyecto de montaje escénico Borrados.
- Flor del Mal y su bajo y guitarra estilo funky, con sus claras alusiones a la poesía de Charles Boudelaire, Ely Guerra una vez más en los coros, Marcovich en la guitarra, un tema rock muy efectivo la letra tiene una frase contundente 'yo siento que en verdad no es el amor el que hace mal, es este torpe corazón que no entiende nada'.
- La Vela es un tema obscuro, denso que transcurre entre el jazz más nublado que se recuerde, es como ese Jazz de Chicago de los años 50's de Art Barkley y Sonny Rollins, o de esa interpretación sentimental de Joe Henderson al piano, o del sentimiento que imprimía Lee Morgan en la trompeta o en tiempos actuales como Brad Meldhau en sus inicios, es un tema elegante y lleno de virtuosismo, un comentario que escuché alguna vez decía 'Gerardo Enciso es un músico para muy pocos oídos'.
- La Busqué ... la Encontré es la mejor canción de todo es disco y cual encore está reservada casi para el final, el saxofón del inicio esta a la par de interpretaciones de saxofones en el Rock al estilo Dick Perry, la batería de Daniel Kitrosser hace juego con el bajo de Eliuth Navarro y la guitarra de Marcovich, la letra es de una belleza extrema 'la busqué, la encontré, el bar cerró y caminé y esa luz tan clara alumbró mi cara, no me atrapará' el interludio es impecablemente construido a partir de esta armonía de soft rock, el saxofón llena todos los espacios posibles para producir junto con la trompeta un entramado lleno de lucidez y de armonía, es de una calidad impecable, hasta los palms mute se escuchan con lindeza, son casi sublimes, esta canción es de unas cuantas que pertenecen al politburó de lo magnifico, quien la escucha definitivamente nunca opina lo contrario.
- Tarará y su inicio con violines y su progresión electrónica, un breve tema para cerrar una obra maestra, 'descorcha la botella, hay que brindar' Gerardo Enciso escribió una obra que habrá de perdurar para siempre en lo más alto que se ha hecho en el Rock Nacional.

Gerardo Enciso - Mírame Desaparecer

Gerardo Enciso - Sol Inhalado

Gerardo Enciso - Una Mirada Así

Gerardo Enciso - La Rockola

RadioJoshua - Disco de la Semana - Bocanada de Gustavo Cerati

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... La obra musical cumbre de su carrera solista que marca la separación definitiva con Soda Stereo y que inmortaliza la figura de Gustavo Cerati como una de las mentes más brillantes del Rock Argentino y de la música en Español, sintetizadores, música de raíces y Rock de alta calidad sonora y lírica, una obra fundamental para terminar el siglo pasado

Bocanada - Gustavo Cerati

El 20 de septiembre de 1997, en el histórico estadio de River Plate en Buenos Aires, Gustavo Cerati habría de pronunciar su famosa frase de despedida de la banda que lo vió nacer, morir y renovarse como músico y como artista, aquella noche Rioplatense los asistentes presenciaron el mejor concierto  de la historia de Soda Stereo, una noche mágica que marcó una de las despedidas más emotivas que se recuerden, así, mientras se bañaban en champagne Zeta Bosio, Charly Alberti y Cerati estaba por editarse el primer trabajo solista de Cerati, un disco que se denominó Amor Amarillo, que si bien no fue muy apreciado por la crítica en ese momento marcó una división clara y marcada con el trabajo previo con Soda Stereo, en el año 1999 con los reflectores puestos sobre una producción de la que se habló tanto, por los colaboradores que tuvo para la creación del disco hasta del nombre del mismo, salió a la venta la mejor obra de Cerati, aquel niño que había sido director del coro del Colegio San Roque en su natal Argentina, que había sido campeón de los 100 metros planos, que había sido visitador médico de laboratorios durante su estancia en la preparatoria, que escribía y dibujaba cómics en su infancia, ese mismo músico que formó tantas agrupaciones y cuya principal fuente de inspiración eran The Police y Queen, ese mismo gran músico que esta en estado de coma profundo tras un accidente cerebral hace casi 3 años, es ese mismo hombre, humano a fin de cuentas como nosotros, pero que desde siempre estuvo marcado por la divinidad de la música, quien lo dotó del talento suficiente para crear obras que nos conmueven  a todos, en el año de 1999, anticipando la llegada del nuevo milenio, Cerati nos regaló una obra que habrá de durar milenios más por su alcance creativo y su calidad sonora, la forma en la que ha creado tantas obras de alta calidad es admirable, es algo fuera de proporción, los grandes músicos solo necesitan de uno o dos discos para expresar toda la capacidad de sus mentes para crear música, Cerati fue mucho más allá que su horizonte creativo lo había dejado, a mundos poco explorados para la música Rock convencional, ahí encontró en la música electrónica, en los samplers, en las raíces del Rock, en la sinfonía su motivo y motor de creación, ahora el es quien vive su verdadero Sueño Stereo.

' ...No sólo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo; algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias totales! ...'

 - Gustavo Cerati (Su famosa frase al final del concierto de Soda Stereo en el Estadio Monumental de River Plate) -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1999

Discográfica - BMG Internacional

Productor - Gustavo Cerati

Recomendable si les gusta Sueño Stereo de Soda Stereo, Filosofía Barata y Zapatos de Goma de Charly García, Sol en Cinco de Fabiana Cantillo, Circo Beat de Fito Páez, Travesti de Daniel Melero, Peluson of Milk de Luis Alberto Spinetta, Música y Delirio de Emmanuel Horvilleur, Nada Memorable de Richard Coleman y los 7 Delfines, Colores Santos de Gustavo Cerati y Daniel Melero y 40 Dibujos ahí en el Piso de Divididos

El antecedente data de 1992, Daniel Melero, músico consagrado y una de las principales influencias musicales de Gustavo Cerati lo invita a participar en un proyecto de música electrónica denominado Colores Santos, ese disco catalogado por algunos como un suceso extraño en la música argentina de inicios de los 90's marcó el inicio de una asociación musical muy enriquecedora entre ambos artistas, Cerati había formado ya en el año 1989 una banda de corte electrónico llamada Savage que tocaba en un bar a las afueras de Buenos Aires y con Colores Santos explotó una vertiente musical que habría de constituir uno de sus sellos más prolíficos, el arte del sampleo fue muy utilizado en la época de Colores Santos, en Bocanada no abandonaría esa situación y en compañía de una gran cantidad de músicos se estaba aproximando al sueño que había concebido desde sus años de Soda Stereo, Bocanada es un álbum conceptual, más emparentado con el Sueño Stereo y con Canción Animal que con los otros trabajos de su extinta banda, ya en Amor Amarillo su álbum debut en cortes como Pulsar había experimentado con la construcción de texturas sonoras que son tan comunes en Bocanada, su trabajo fue elaborado a lo largo de 6 años mismos en los que fue amasando un sonido que ha sido desde su grabación único e irrepetible.

Título del Disco

Hasta la fecha no hay una versión fidedigna del título del disco.

Portada del Disco

Es obra de la fotógrafa Gaby Herbstein ejemplificando de forma muy natural una Bocanada de humo

Tracklist

1.   Tabú (Recomendación 4 Estrellas)

2.   Engaña (Recomendación 4 Estrellas)

3.   Bocanada (Recomendación 4 Estrellas)

4.   Puente (Recomendación 4 Estrellas)

5.   Río Babel (Recomendación 4 Estrellas)

6.   Beautiful (Recomendación 4 Estrellas)

7.   Perdonar es Divino 

8.   Verbo Carne (Recomendación 4 Estrellas)

9.   Raíz (Recomendación 4 Estrellas)

10. Y si el Humo está en el Foco? 

11. Paseo Inmoral (Recomendación 4 Estrellas)

12. Aquí y Ahora (Los Primeros Tres Minutos)

13. Aquí y Ahora (Después)

14. Alma  (Recomendación 4 Estrellas)

15. Balsa  (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- Tabú y su inicio con una secuencia en sintetizador de una batería a la que se agregan sonidos tribales con altísima carga de percusiones, ritmos africanos mezclados con el sampleo inicial, para dar paso a otro sampleo que fue extraído casi completo de la obra The Waltz For Lubumba de The Spencer Davis Group, de hecho la canción de ese grupo contenía la misma secuencia del bajo, de las percusiones y del ritmo de la batería, en Bocanada el bajo lo ejecutó de forma magistral el mismo Gustavo Cerati, la adición de la ya clásica guitarra PRS Custom Multifoil de Cerati es tan icónica como su timbre de voz al entonar la letra la cual es simplemente maravillosa 'al animo de brillar, la luz, se adelantó' una impresionante forma de iniciar el disco.

- El gran Leo García apoya el sampleo en Engaña, además de que agrega coros y voces que hacen de ésta una enorme canción, el inicio suave con la guitarra arpegiada en franca comunión con el ritmo que sale de la batería de Martín Carrizo, en los coros agregaron una secuencia electrónica que añade profundidad y dramatismo a la narración de la letra que Gustavo Cerati dio para la canción 'tal vez me engañé y es el riesgo de correr, no puedo competir con la real locura', vale la pena también los arreglos de piano y teclados de uno de los colaboradores más cercanos a Cerati que es Tweety González, el mismo que colaboró en Comfort y Música Para Volar varios años atrás.

- La canción que da título al disco es una obra conceptual desde su inicio, el  inicio de Bocanada es el sampleo de una canción de una banda holandesa de los 70's llamada Focus cuya composición se llama Eruption (la cual también es una obra más que recomendable), ese sampleo inicial es una secuencia difícil de lograr debido al carácter repetitivo de la armonía, sin embargo para sortear esa situación Gustavo Cerati empleó un truco, utilizó la armonía en guitarra de Eruption y le dio letra, de esa forma quedó cuadrado el ritmo y la armonía, no es un plagio como tal pero si se presta atención se escucha claramente la intención de armonizar con letra lo que la guitarra el maestro Jan Akeerman ya había logrado 27 años antes, ese sampleo es el eje por el cual gira Bocanada, la letra, el ritmo y los instrumentos que se agregan están emparentados con ese sampleo, es admirable la facilidad con la que se suman los demás instrumentos y es una belleza de cualidades casi oníricas el interludio por el cual atraviesan lapsos de genialidad absoluta, la mezcla de esta canción al igual que de todo el disco es obra del gran ingeniero de audio Clive Goddard, Bocanada es una composición fastuosa, impresionante, de una tesitura casi celestial, el piano que se agrega al final, prístino y evocador es del mismo Tweety González, apenas 3 canciones y ya van 3 clásicos.
- Otro clásico llega con Puente, el inicio es intenso, una tarola anuncia la llegada de un mar de guitarras, la batería también con efectos electrónicos abre la puerta para la armonía arpegiada en esa guitarra PRS, la letra es de gran manufactura poética 'si algo callé es porque entendí todo, menos la distancia, desordené, átomos tuyos para hacerte aparecer', el interludio rompe de tajo esa pasividad al darle un aire festivo y de intensidad, donde se suma una guitarra con distorsión absoluta, la hace una parte más de Rock y con mayor psicodelia, la batería de Carrizo es golpead con furia y potencia, lo arreglos en guitarra slide son del mismo Cerati, gracias por venir, tal como lo dice en la canción.
- El enorme grupo Electric Light Orchesta es sampleado en una de sus composiciones llamada Momma para darle vida a la grandiosa Río Babel, es de esas canciones que mezcla atinadamente el funk americano de los 70's con el ritmo salvaje del rap Neoyorkino de mediados de los 80's, el bajeo es de gran manufactura es producto de la ejecución impecable del contrabajo del gran Fernando Nalé, la canción contiene trazas de experimentación en los interludios, a lo lejos, muy al fondo se aprecian líneas de riffs también incluidas como una mezcla para darle aún más profundidad sonora a la canción.
- Beautiful y su mezcla de ritmos, el inicio con una nota sampleada y la guitarra con una gran dotación de reverb, los aires de música árabe se dejan escuchar pero la magistral ejecución de bajo y guitarra las cuales aportan en su individualidad y colectivamente a la armonía construida a través del ritmo producto de experimentación electrónica, capas y capas de arreglos de sintetizadores se agregan consecutivamente, algunas de ellas con efectos interesantes como lo son la secuencia de flauta y de la sección de vientos en el coro, la canción rinde homenaje a su nombre, es una pieza compleja pero hermosa, la letra idílica, onírica y con alcance 'mereces lo que sueñas' reza Cerati en uno de los coros.
- Perdonar es Divino y su secuencia sampler la cual es obra conjunta de Gustavo Cerati y Flavius Etcheto, esa mancuerna dio vida a una canción con una letra contundente y directa, la guitarra arpegiada es la amalgama entre lo electrónico de fondo y lo acústico que sobresale de esos arreglos electrónicos, los interludios iniciales y el final valen la pena por su complejidad e instrumentalidad variada, otro gran tema.
- Gavin Wright director de The London Session Orchestra da vida a la canción insignia de la época orquestal de Gustavo Cerati, Verbo Carne es una obra fina y elegante, fue grabada en su totalidad en los Estudios Abbey Road de Londres en un trabajo de producción monumental, es la obra cumbre del Rock Sinfónico Argentino, una canción maravillosa, estridente y que conmueve, Alejandro Terán fue el responsable de la mezcla final la que da vida a una de las letras más conmovedoras en toda la discografía de Cerati, justo a la mitad de disco, atinadamente incluyeron esta canción.
- La contraparte absoluta de Verbo Carne es sin duda Raíz, una canción que explora toda la tradición musical andina, el folclor del altiplano Inca de las regiones de Bolivia y Perú, Raíz emplea una serie de instrumentos tradicionales que dan vida a una historia de orgullo y amor, Gustavo Cerati ejecuta un charango durante la canción a la que se agregan pifilcas similares a las que se habían escuchado en Cuando Pase el Temblor, contiene algunas partes de canciones de un grupo legendario llamado Los Jaivas estas canciones son Del Aire al Aire y la Poderosa Muerte.
- El tema completamente electrónico de Y Si el Humo está en el Foco?, toma prestados varios elementos del disco Colores Santos, además de sampleos de Flavius Etcheto.
- Paseo Inmoral un tema conjunto de Cerati y Francisco Bochatón, un tema rock con elementos de neopsicodelia, es un tema de transición.
- Aqui y Ahora es una obra en dos partes, a primera es con una gran influencia de los temas posteriores al Colores Santos más emparentado al disco Amor Amarillo y con Sueño Stereo, la segunda parte un tema de corte experimental encaminado más hacia lo electrónico.
- Alma y su gran inicio de sampleos yuxtapuestos, la guitarra eléctrica sirve de cortina para la voz en textura de Cerati, es un tema que compuso junto con Flavius Etcheto.
- Balsa y su piano al inicio, esa ejecución y tono hace recordar los tiempos de la Orquesta de Juan García Esquivel, la tonada cristalina es similar a varias de sus obras de los años 50's, junto con tonos sampleados al estilo el Kid A de Radiohead, un tema conceptual para cerrar un disco sin huecos de principio a fin.

RadioJoshua - Disco de la Semana - La Canción de Juan Perro - Radio Futura

Radio Joshua, presentando como cada semana una recomendación más que agradable a los sentidos ... Del otro lado del mundo provino la inspiración, un grupo Madrileño con inclinaciones latinas, música vanguardista, valiente, sincera y sobre todo llena de hambre de trascendencia, una disco que marca el punto de inflexión del Rock Español

La Canción de Juan Perro - Radio Futura

Madrid, España, año de 1986, en el sótano de los estudios Ariola propiedad de RCA los hermanos Auserón y Enrique Sierra, aún sin baterista, ensayan las maquetas preliminares de su gran obra maestra, un disco que fue concebido  para expresar una época llena de logros artísticos en Madrid para posteriormente ser considerado como 'el más importante disco del Rock Español' por la crítica (a más de 20 años después de su lanzamiento), ya en 1981 habían hecho el intento de adentrarse en todos los ritmos latinos que pudiesen y las disqueras se reían a carcajadas con sus ideas sobre la música, fueron 5 años de autoconocimiento y de lucha por ganarse un lugar dentro de la escena madrileña que incluía a grupos con alta tendencia pop, sus dos primeros álbumes estaban más emparentados con el glam rock y la escena anglosajona, pero el cuarto disco los marcó para siempre, ese movimiento contracultural español fue tan intenso en todas las artes, Pedro Almodóvar en el cine, Gabriel y Galán en la literatura, el diario La Movida en la prensa escrita, Gorka de Dúo en la fotografía, el Hortelano en la pintura abstracta, Ágatha Ruiz de la Prada en la confección de moda, y en los lugares como la Vía Láctea, la sala Galileo Galilei y el bar el Pentagrama se vieron nacer a grupos como Nacha Pop, Gabinete Caligari, los Elegantes, Alphaville, Décima Víctima y a Radio Futura, en ese verano del 86, mientras del otro lado del mundo Maradona y Argentina se levantaban campeones del fútbol, Radio Futura inició los planes y las grabaciones con un equipo de grabación de los años 60's, las sesiones de trabajo para re orientar definitivamente su carrera y para demostrarle primero a Madrid, luego a España y más tarde a toda Iberoamerica que estaban listos para grabarse en las memorias de todos los hispanohablantes, quizás ellos no lo sabían, pero el viaje que había iniciado Herminio Molero y la Orquesta   Futurama en 1979 como un intento de copiar a Roxy Music se convirtió 8 años más tarde en el disco más recordado de toda la escena Rock Española de todos los tiempos.

' ... En 1981, cuando Hispavox se negaba a grabarnos el segundo elepé, íbamos allí con unas maquetas tituladas Rock latino y aquello provocaba auténticas carcajadas. [La canción de Juan Perro] supuso un punto de inflexión en nuestra carrera. Aprendimos que, si nos empeñábamos, podíamos conseguir lo que imaginábamos y que la música no se acotaba a la frontera de la península ibérica ...'

 - Enrique Sierra (entrevista a Rolling Stone México acerca del disco) -

Ficha Técnica

Fecha de Lanzamiento - 1987

Discográfica - RCA Ariola

Productor - Radio Futura y Joe Dworniak

Recomendable si les gusta Bailando de Alaska y Los Pegamoides, El Momento de Nacha Pop, Continuará de Los Secretos, Ciudadanos del Imperio de Aviador Dro, El Desprecio de Alphaville, Cien Mil Vueltas de Gabinete Caligari, Rock And Roll Circus de La Orquesta Mondragón, Nuevas Mezclas de El último de la Fila y La Flaca de Jarabedepalo

El cuarto disco de Radio Futura fue sin duda la mejor obra de Rock Español de la historia, habían comenzado una historia desde 1979 con la formación de un grupo fugaz llamado La Orquesta Futurama creada por Herminio Molero gran artista que a la par de su trabajo musical se dedicaba a pintar cuadros conceptuales y con Javier Pérez Grueso daban el banderazo de salida a esta agrupación, poco después de que dejaran el proyecto se unieron a ellos los hermanos Auserón, Santiago y Luis de formación musical en París e Italia, llenaron un hueco enorme y se hicieron responsables de la conducción del grupo, tomarían el nombre de Radio Futura de la emIsora libre de Radio Italiana (Radio Ciudad Futura), cuando Enrique Sierra se integró al proyecto adquirieron mayor presencia escénica, con esta alineación primigenia en 1979 en el Ateneo de Madrid ofrecerían su primer actuación, de la cual se recibieron críticas favorecedoras, sin embargo sus 2 primeros discos no reflejaron el éxito en el underground madrileño, sería en su tercer trabajo llamado De Un País en Llamas que se hicieron famosos más allá de Madrid, tras la salida de Molero y Grueso también se hicieron de los servicios de un baterista todo terreno llamado Carlos Torero, él trajo los ritmos latinos necesarios para conformar La Canción de Juan Perro, Daniel Ponce un percusionista cubano exiliado en Nueva York contribuyó a las percusiones y a ese toque que solo los cubanos pueden imprimirle a la música, el productor Joe Dworniack trabajó con precisión compás por compás cada detalle del disco, la mezcla final se hizo también en Nueva York en los estudios de The Talking Heads, el producto de ese arduo trabajo se reflejó no solo en la venta de discos, sino a varias décadas posteriores con las criticas que ha recibido, la leyenda que surgió a partir de esas sesiones posicionan a Radio Futura como la mejor banda Española de Rock de todos los tiempos, el valor de La Canción de Juan Perro se denota también en la influencia que ha tenido sobre los grupos iberoamericanos.

Título del Disco

El título del disco proviene de una conversación de Santiago Auserón con Ricardo Teixidó, el gran baterista de otro grupazo llamado Danza Invisible:  ' ...Estábamos una noche de juerga por La Coruña y él me dijo que yo era un Juan Perro, un don nadie sin casa. Me gustó la imagen literaria. Todos somos Juan Perro ...'

Portada del Disco

Es obra de Luis Auserón, una acuarela que simboliza el camino cuesta abajo de un camión rústico sobre un fondo negro, las letras en blanco del nombre del disco y de Radio Futura.

Tracklist

1.   En Un Baile de Perros (Recomendación 4 Estrellas)

2.   El Hombre de Papel (Recomendación 4 Estrellas)

3.   A Cara o Cruz (Recomendación 4 Estrellas)

4.   Lluvia del Porvenir (Recomendación 4 Estrellas)

5.   La Negra Flor (Recomendación 4 Estrellas)

6.   37 Grados (Recomendación 4 Estrellas)

7.   Annabel Lee (Recomendación 4 Estrellas)

8.   Luna de Agosto (Recomendación 4 Estrellas)

9.   La Mala Hora

10. Paseo con el Gallo (Recomendación 4 Estrellas)

Momentos Cumbre

- En un Baile de Perros inicia de forma frenética con esa entrada de piano muy a la Fats Domino y Charlie Parker, las lineas de piano en free jazz, obra del maestro Pedro Navarrete, la Orquesta The Upton Horns en la sección de metales entre los dos le dan ese aire latino, la batería de Carlos Torero con un ritmo tropical bastante agradable, la guitarra de Enrique Sierra con algunos solos y la de Santiago Austerón llevando el ritmo, el bajo de Luis Auserón contrapunteando con líneas muy precisas, una buena forma de abrir el disco.

- El ritmo sincronizado de la batería de Torero y el bajo de Auserón en El Hombre de Papel, la guitarra rítmica del otro hermano Auserón y Sierra haciendo riffs llegadores con distorsión, la letra muy metafórica, el interludio vale enormemente la pena con esos mini solos y el final con armónicos.
- Una de las canciones más conocidas del disco y de Radio Futura llega con A Cara o Cruz, enorme canción que es intensamente filosófica, casi un tratado de frases coloquiales de la España de los 80's, una auténtica declaración de principios en la letra de la que se rescatan varias buenas frases 'No esperes hoy la tormenta de ayer 
no dura siempre las pena de este infierno 
y aunque el azul del cielo no es eterno 
hasta mañana no vuelve a llover', ese riff inicial de Enrique Sierra es memorable, pero también la sección de percusiones obra del gran percusionista cubano Daniel Ponce, el órgano Hammond que le da ese toque jazzístico pero a la vez de rumba fue obra de Pedro Navarrete, una clara muestra del enorme nivel que mostró el grupo durante la grabación del disco, la frescura del ritmo, lo atinado de las frases, la complejidad armónica y sobre todo la carga intelectual de la letra la ubican como una de las mejores canciones del disco.
- Juan Rulfo y su gigantesca obra Pedro Páramo le dan vida a la letra de La Lluvia del Porvenir una canción muy poco valorada pero que es una auténtica joya, 'los enemigos de este pueblo oscuro que ha de florecer, del cielo negro cae la lluvia, lágrimas de contentos inundan mis ojos' la sección rítmica es impresionante con esos arpegios complicados que hilvanan primero Enrique Sierra y luego Santiago Auserón, la parte del bajo es también muy rescatable pero lo que hace esta canción de buena a magnífica es la parte de las percusiones, de forma muy atinada combinaron el sonido de guitarras españolas con ese ritmo cubano llamado Son, elegancia, libertad y sobre todo virtuosismo, tremendo tema y es tan poco conocido a la vez.
- Una de las canciones más conocidas de Radio Futura llega con La Negra Flor, tema que amalgama de forma magistral ritmos tropicales como el son y la rumba con ese otro ritmo del caribe que es el Reggae, el espíritu de The Wailers, The Specials y The Clash está presente con esos cambios de ritmo impecablemente concebidos y ejecutados, el intro acústico del riff inicial enarbolado con las congas de Daniel Ponce y el sintetizador de Pedro Navarrete con esa frase inicial tan icónica 'al final de la rambla, me encontré con la negra Flor' estaban muy emparentados con varios grupos Españoles de Barcelona por lo que la amistad que los unía hizo que pudieran crecer con algunas influencias en el movimiento reagge de Barcelona de los 80's, esta canción una especie de tributo a esos orígenes, a destacar la cadencia del ritmo, la sección de metales con la Orquesta de Upton que le da sentido aún más festivo, en el interludio la canción de reggae se convierte en un rock preciso, directo y sin ataduras, esta canción fue editada como sencillo y es considerada una de las 100 mejores canciones del Rock Español según la revista Rolling Stone.
- 37 Grados y su ritmo merengue, las congas y los metales visten la letra en coplas de Santiago Auserón cuyo timbre de voz es tan característico como la Puerta de Alcalá, esa tesitura en su entonación hace que sea versátil, que le de lo mismo cantar tropical o cantar las baladas exquisitas de los discos anteriores, está más emparentada con los cantantes de ritmos tropicales del estilo de Pío Leyva, el piano de Pedro Navarrete me recuerda a Rubén González un enorme pianista de jazz cubano al que siempre se le dieron esos ratos de improvisación y los contrapuntos, 37 grados incluye un interludio festivo y extraordinario con la sección de metales en una franca tonada de rumba, el solo de Enrique Sierra es también extraordinario.
- La mejor canción de disco tiene la particularidad de que la letra es prestada por uno de los mejores escritores de la historia, Santiago Auserón tradujo el cuento de Anabel Lee obra de Edgar Allan Poe, el poema introspectivo, obscuro, denso quedó ambientado con una sección musical llena de matices negros, sin embargo la forma en que entretejieron el poema a la música es de destacar, ese poema es el último que se acreditó a Poe, como varias de sus obras habla de la muerte de una hermosa mujer, ese lado obscuro que tanto nos gusta de Poe llevado a la fantasía con batería, bajo, guitarras y sintetizadores, también Poe fue inspiración con este poema de Navokov y su ya clásica obra Lolita.
- Luna de Agosto y su ritmo de rumba, una vez más la conjunción de Rock y ritmos tropicales que sirvió de inspiración para una enorme cantidad de bandas de este lado del planeta, a destacar por lo menos dos, Ritmo Peligroso y Cafe Tacuba, lo cosmopolita de los integrantes de Radio Futura una vez más puesta a escena.
- La Mala Hora es quizás la canción menos afortunada del disco, una idea repetitiva una y otra y otra vez, es un blues latinizado, a destacar también los contrapuntos del piano de Pedro Navarrete.
- El Canto del Gallo fue el último sencillo que se editó y que tenía la particularidad de contar con un cómic obra de Max, una canción de veta popular que encuentra a Corazón de Tiza como su continuación años después.